Cinefilia Terminal

El principio del fin... o el fin del fin... en fin

2007-08-25T18:00:00.001-03:00

Sí, lamento informarle a las -8 personas que estén leyendo este blog, que Cinefilia Terminal se despide, por falta de interés mía y... y bueno, global. Igualmente, seguiré viendo películas y pensando en cuánto apestan o no, pero con menos detalle aburrido. Saludos a todos.

Mars Attacks!

2007-08-07T15:33:00.000-03:00

Título: Mars Attacks!

Probable título en español: "Marte y la Tierra: La Película del Conflicto Final"

Director: Tim Burton

Guión: Jonathan Gems

Elenco: Jack Nicholson, Glenn Close, Annette Bening

Género: acción, comedia, fantasía, ciencia ficción, thriller

Año: 1996

Un talk show sensacionalista y superficial sirve de excusa para juntar a los personajes de Sarah Jessica Parker (Extreme Measures) y Pierce Brosnan (GoldenEye) en Mars Attacks!, una película con un elenco que derrocha toneladas de talento, y no tiene adónde ir atrapado en un proyecto ambicioso e insoportablemente mediocre. Tampoco ayuda que si yo pudiera matar a una sola persona en el mundo, no sería Sarah Jessica Parker, pero si pudiera matar a veinte, la consideraría como candidata importante.

Ni Jack Nicholson (Blood and Wine) en dos papeles puede elevar esto. El prodigioso señor Nicholson interpreta tanto al presidente de los Estados Unidos, lo cual es un sueño hecho realidad; y un empresario de Las Vegas. A su lado, dos mujeres: la primera dama Glenn Close (101 Dalmatians) y la esposa del empresario Annette Bening (The American President). Esta gente, y el resto de los trescientos cuarenta y un personajes, van a tener que sobrevivir una supuestamente cómica invasión marciana.

Uno de esos trescientos cuarenta y un personajes en Mars Attacks!, con signo de exclamación incluido, es el de Pam Grier (Original Gangstas), una conductora de autobús con dos hijos y un interés romántico varado en Las Vegas, con el que tiene que encontrarse. El problema es, no pasa nada. Jamás. En todo Mars Attacks!. Parece un sketch extendido de Saturday Night Live. Premisa, premisa, sin conclusión. Y en el camino poca gente se ríe.

Me duele mucho decir estas cosas, siquiera pensarlas, porque Tim Burton (Ed Wood) es sagrado. O sea, le construiría una iglesia si supiese de qué lado se agarra un martillo. Todos cometemos errores. Colosales errores millonarios? No, no tanto, pero errores a fin de cuentas. Burton es uno de esos directores que tiene una filmografía hermética. Uno sabe que está viendo algo suyo sin tener que recurrir a los créditos. Y tiene una cara de loco genial. En este caso, su temática permanece intacta, y algunas tramas visuales también, pero los movimientos de cámara son perezosos y poco creativos. No me molestaría si no fuese porque es Burton. El tipo es un genio. Se espera más. Podría haber rescatado la película de su absoluta falta de encanto y entretenimiento con la lente en otro lado? No, a menos que en vez de filmar esto, hubiese filmado un documental de naturaleza. Pero hubiera ayudado.

Como el resto del colosalmente dotado elenco, Martin Short (Father of the Bride Part II) es desperdiciado en un papel inconsecuente. Concedido, Short no es el cuchillo más afilado en la historia de la comedia, pero me regaló tantas risas en mi infancia, que le tengo cariño. Cuando no repite un personaje hasta la muerte, es consistentemente gracioso. En Mars Attacks! aparece en un par de escenas. Creo. No sé, me distraje con el sonido de mi propia respiración por partes.

Pero hay que ser justo, la película es una parodia de incontables otras en las que vienen los extraterrestres a invadirnos, rompen todo, y nosotros lo vemos a través de distintas perspectivas. Después los hacemos papilla con algo mundano. Ahora, amo las parodias. Este sitio es una parodia. Debería haberme gustado la película, quise que me gustara, tenía todo lo necesario. Hasta que la vi, ya demasiadas veces. Carece de pasión, de originalidad, y lo que es peor, es vastamente superada por las otras obras que parodia. Falla en todos los frentes. Cuando un plato volador equilibra el Monumento de Washington para que le caiga encima a un montón de boy scouts, yo debería haber sido feliz. En cambio, estaba pensando qué podría comer para pasar el tiempo.

Jack Nicholson. Ese hombre tiene que ser clonado, pronto. En Mars Attacks! va a trabajar. Genial, no? No. Nicholson es una de las mejores cosas en el cine, pero tampoco emociona tanto verlo cocinar papas. Su actuación en Mars Attacks! es el equivalente a eso. No agrega nada. Siempre es lindo ver a Nicholson, cuando acepta un premio o lo entrevistan es mejor que muchos largometrajes. Acá... acá es como todo lo demás, inconsecuente. Un adorno muy caro, en una casa inmensa donde no vive nadie. Lo mismo con Glenn Close, que ni siquiera tiene un personaje y se pasa la mitad de la cinta pareciendo más alienígena que cualquier marciano. Annette Bening aceptó el papel de loca hippie alcohólica nada más para irritarme subiendo la voz hasta el punto de romper vidrio. El guión de Jonathan Gems (White Mischief) es risible, y no en el sentido que pretende. Lo cómico es nada más vergonzoso, intelectualmente ofensivo, y el resto se encuentra tan letalmente plagado de elementos innecesarios e insufriblemente aburridos.

Otro actor que se sube al tren del fracaso cinematográfico es el ahora difunto Paul Winfield (Touched by an Angel), como un oficial del ejército que no tiene demasiada opinión sobre nada y le da la bienvenida a la Tierra a los marcianos. Cuando lo matan, es un alivio. Con todo respeto.

Me da vergüenza comunicar que Mars Attacks! fue parcialmente filmada en mi ciudad natal y de actual residencia, la bella y populosa Buenos Aires. Ojalá nos hayan pagado mucho, mucho para contribuir a la destrucción del séptimo arte tan descaradamente.

1/10 J (uno de diez Jorgitos)

Próximamente:

Big Fish

Schindler's List

2007-08-06T19:04:00.000-03:00

Título: Schindler's List

Probable título en español: "Los Escogidos"

Director: Steven Spielberg

Guión: Steven Zaillian

Elenco: Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes

Género: biografía, drama, historia, guerra

Año: 1993

Ben Kingsley (L'Amore necessario) se destaca en un elenco estelar que eleva a Schindler's List, de una mera explotación melodramática del holocausto a una obra histórica en todo sentido de la palabra. Interpretando al contador judío mano derecha de Schindler, Kingsley tiene el personaje más humilde y admirable: un tipo desechable que se arriesgó y se humilló para tratar de salvar la vida de cualquiera, aunque sea por unas horas más. Tiene el diálogo más cursi de toda la película, y ni me dieron ganas de burlarme.

La trama es básicamente un tributo al Schindler titular, con Liam Neeson (Ruby Cairo) consiguiendo ese papel principal, y haciendo uso desvergonzado de su estatura y vozarrón tronante. Schindler es un empresario que logra beneficiarse del esfuerzo bélico alemán en la Segunda Guerra, con el personaje de Kingsley gerenciando toda la operación, mientras él se encarga de sobornar oficiales. Las cosas se ponen peores cuando evacúan el ghetto, y se presenta Ralph Fiennes (The Baby of Mâcon), en pleno modo "desgraciado militar totalitario", como administrador del campo de concentración adonde van a parar los trabajadores de Schindler. Mucha compasión, mucha crueldad, y todo lo que hay en el medio sigue por unas tres horas largas.

Schindler's List es una de esas rarezas contemporáneas filmadas en blanco y negro. Normalmente es por cuestiones de presupuesto o para hacerse los artísticos, y sí, el segundo es el caso acá. Pero aun así, el lado positivo es el buen uso del color, especialmente en la icónica imagen de una nenita con abrigo rojo que va caminando solita en el medio de la evacuación del guetto. Imagen diseñada para manipular, y terriblemente trillada. También muy, pero muy efectiva.

Las escenas en la película son cortas, y no retratan sólo al elenco principal, sino también a las masas de judíos desplazadas y la máquina de la guerra detrás del telón. Muchas se destacan, y es favorable que ninguna deja de causar una impresión propia. Cuando Fiennes saca a un obrero por producir menos de lo que puede producir, después de haberlo hecho hacer una bisagra rápido frente a sus propios ojos, y se propone ejecutarlo sumariamente, sólo para disparar en falso una y otra vez, su actuación es impecable. Tiene un personaje completamente incapaz de redención, y ese estilo de tortura sin muerte no le complace, aunque le dé un buen golpe con la pistola.

Siete Oscars ganó Schindler's List. Sí, hay películas mejores que no ganaron ni uno, no cabe duda, pero que se merecía reconocimiento, se merecía reconocimiento. Lástima que no se lo dieron al genio de Kingsley

Eventualmente, todo va a parar, por supuesto, al famoso Auschwitz, el cual es retratado encantadoramente como un lugar donde incluso cuando ya estás de salida, te corren pegándote con palos mientras te subís al tren. Así, de regalo de despedida.

Schindler's List es una de las pocas películas basadas en novelas basadas en hechos reales basados en la realidad, que da ganas de leer el libro. Si le pongo las manos encima a una copia, puede que no me rinda después de tres páginas. Da la sensación que aunque Schindler's List se extiende un poco más que lo que sería perfecto, todavía queda material sin explorar de la fuente, el libro Schindler's Ark de Thomas Keneally, que podría ser interesante.

Lo que sí, llegando a los 195 minutos, la película es un desafío a las nalgas de cualquiera. No es una lista -sí, dije "lista", pero se me salió solo- larga la de películas de semejante longitud en las que ésta juegue a favor del film. Acá, la verdad, se pone pesada la cosa. Alguna que otra viñeta podrían haber cortado. Más ganas de leer la novela me quedarían, encima.

Si siguen sin estar convencidos sobre Schindler's List, al menos miren hasta la secuencia en la que Liam Neeson se da cuenta que tiene contratado a un viejito manco como operario de maquinaria. Cuando vean la expresión de confusión y preocupación, y escuchen el intercambio entre él y Kingsley, no les va a caber duda: Schindler's List sabe lo que hace.

8/10 J (ocho de diez Jorgitos)

Próximamente:

Mars Attacks!

Lord of War

2007-08-05T17:45:00.000-03:00

Título: Lord of War

Probable título en español: "Yuri y las Ametralladoras"

Director: Andrew Niccol

Guión: Andrew Niccol

Elenco: Nicolas Cage, Bridget Moynahan, Ethan Hawke

Género: drama

Año: 2005

Hay ciertas películas que tienen un excelente elenco principal. Hay otras con un excelente elenco secundario. Y hay otras, como Lord of War, que lo tienen todo. Eamonn Walker (Oz) se roba todas las escenas en las que aparece, y cuando terminan, no bastan. Si son de ésos que odian al pobre de Nicolas Cage sólo por ser Nicolas Cage, al menos denle crédito a Walker por agarrar el personaje de un dictador africano sin piedad, y hacerlo con tanta simpatía que le quise brindar un trago.

El mencionado Cage (National Treasure) protagoniza como un vendedor de armas que hace fortuna y fama beneficiándose inmensamente del negocio de la guerra, por vías ilegales, pero no peores que cualquier acto bélico. En su camino consigue mediante engaños a la mujer que siempre quiso, modelo hueca interpretada por Bridget Moynahan (I, Robot); y evade los intentos de un oficial de la ley en extremo buenito, que tiene poco tiempo en pantalla en la piel de Ethan Hawke (Assault on Precinct 13). Aventuras en el contrabando abundan.

El título de Lord of War surge de ese memorable personaje de Walker, que tiene algunos problemillas con sus expresiones en inglés, e invierte algunas. Lord of War, entonces, se vuelve el apodo de Cage, en vez de Warlord.

La película toca muchos temas, desde distintas perspectivas, algunas más extremas que otras, pero no pasa demasiado juicio sobre ninguna. Lo que sí expresa, aunque sutilmente, es que el horror y la ganancia en el mundo van de la mano. Las armas están porque la gente las demanda, y no al revés. Si nadie quisiera comprarle al personaje de Cage, estaría vendiendo madera. Sería menos feliz, pero vendería madera. En cambio, si él no vende, alguien más lo va a hacer. La gente se mata sí o sí, por qué no beneficiarse un poco?

Entre el elenco tan excelente, se destaca en sus pocas escenas Hawke como el antagonista de Cage. Lo importante de su inclusión, aunque relativamente irrelevante para la trama, ya que nunca parece presentar una amenaza seria, es la dualidad de roles en narración. Comúnmente, Lord of War hubiese sido narrada por el buen policía que quiere proteger al mundo del malvado traficante de armas. En cambio, el espectador ve todo a través de los ojos del "malo". Esto se hace a menudo, pero en esos casos el "malo" es el menos malo, o está rodeado de malos. No en Lord of War. En Lord of War hay un bueno buenísimo. Y se lo reconoce como un soñador en extremo aburrido. Ethan Hawke anota con cada escena que le dan, exprimiendo heroismo como si en verdad lo tuviera.

Lamentablemente, esto perdió dinero. Mucho dinero. O sea, el estudio sintió la pérdida en la taquilla. Son cosas que pasan. Lo triste es que puede que no se vean proyectos del estilo por un período prolongado.

Entre tanto halago a Walker y Hawke, Cage también hace un buen trabajo, aunque en su caso se debe más al personaje que a su actuación propia. El protagonista de Lord of War está muy bien desarrollado, a través de un número de escenas que sientan fundamento: su primogénito da sus primeros pasos al lado del árbol de Navidad, pero él está muy ocupado celebrando el recién anunciado fin de la guerra fría y todas las armas que va a poder comprar para revender.

Como dije antes, no ganó mucho dinero esta película. Es decir, no ganó nada. Y otro detalle digno de destacar es que, por todo el amor que consiguió de los críticos, el cual fue considerable, a la hora de tirarle algún premio para aumentar las ventas de DVDs o algo, nadie ni la nominó. Malísima la suerte, o la memoria de los que nominan.

Lord of War es para todo el mundo. Si yo me puedo aguantar que Superman sea buenito y no conquiste el planeta, mis opuestos también pueden disfrutar dos horas con un traficante de armas. Lo van a disfrutar más si, como piensa el personaje de Cage, lo único que tienen por encima de sí mismos es un candelabro.

9/10 J (nueve de diez Jorgitos)

Próximamente:

Schindler's List

The Truman Show

2007-08-02T11:15:00.000-03:00

Título: The Truman Show

Probable título en español: "Famoso Sin Saberlo"

Director: Peter Weir

Guión: Andrew Niccol

Elenco: Jim Carrey, Laura Linney, Ed Harris

Género: drama, ciencia ficción

Año: 1998

Una escena de The Truman Show ejemplifica perfectamente como la realidad es mucho más ridícula que la ficción. No tiene nada de importante en la trama general, es un flashback a los días de colegio secundario del protagonista, cuando conoce a su mujer. Cuando estaba en una banda de marcha, y los encargados del vestuario de la película decidieron usar uniformes de una escuela en particular de Riverside. O sea, la gente se viste así en la vida real, a propósito. Qué mundo loco. No hay mejor comedia que mirar por la ventana.

Jim Carrey (Liar Liar) interpreta al Truman del título, un individuo que fue adoptado por una corporación para filmar su vida constantemente en un entorno artificial, sin avisarle en ningún momento que lo están filmando. El reality show más producido del planeta. Hasta lo casan con una actriz, aunque creo que tiene motivos para anular el matrimonio este con Laura Linney (Primal Fear), porque ni conoce su verdadero nombre, nada más el de su personaje. Detrás de este monumental proyecto de entretenimiento aburrido que apasiona a las masas, se encuentra un señor parecido a Ed Harris (Absolute Power). Pero eventualmente, Truman se va dando cuenta que hay algo raro, y trata de escaparse del pueblito ficticio.

The Truman Show está repleto de detalles que lo hacen maravilloso, desde las diminutas cámaras que se notan escondidas por todas partes, hasta el hecho de que Truman trabaja en una compañía de seguros, para que se asuste de todo y nunca quiera dejar su pueblito. Los carteles en una agencia de viajes son imperdibles en el fondo.

La música compuesta por Phillip Glass (La Chiesa) solamente contribuye, y llega a ser protagonista cerca del final, cuando el mismísimo personaje de Harris dirige a los sonidistas del estudio que aumenten la intensidad de una escena clave.

Este Harris también tiene una línea de diálogo que vale la pena repetir, diciendo en una entrevista que "aceptamos la realidad del mundo que nos es presentado". Si a Truman lo hubiesen criado enseñándole que la gente se suicida en grupos todos los viernes, y se lo mostraran como algo común con efectos especiales, hubiese aceptado el mundo que le presentan. Igual con todos nosotros.

A pesar de no aparecer hasta la segunda mitad de la película, el personaje de Harris está sin duda muy bien desarrollado. Su relación con Truman es la que tiene un creador con su obra, lo admira, lo quiere, lo cuida y sabe que tiene que dejarlo ir eventualmente, de un modo u otro. No muchas películas exploran ese ángulo del arte, y muchas menos poniendo en lugar del arte a un reality show mediocre en entretenimiento, pero progresivo en ejecución.

Lo que sí se explora en muchas películas es la idea de que la realidad como la vemos no es tanto así. The Truman Show lo hace de tal modo que es más sutil de lo que parece. Aunque no parecer sutil resulte poco sutil en sí mismo. A lo que voy es, en el mundo de Truman no hay programas televisivos como el que el protagoniza. Nunca prende la televisión y ve a Pepito Fulano las 24 horas sin que Fulano se dé cuenta. Por lo tanto, ni se imagina que sea posible que la gente haga semejantes cosas, nunca sospecha que es la "víctima" de esa situación. Entonces... qué cosas ni nos imaginamos, y en realidad están sucediendo? Explicarle a Truman la realidad de su vida, es incluso más difícil que decirle a Keanu Reeves que está en una computadora.

Si bien el personaje más interesante sea probablemente el de Harris, aqué a quien acompañamos durante la mayor parte de la experiencia es a Truman, y sin Jim Carrey, hubiese sido imposible. El casting en casos así, hace o destruye la película, y Carrey resultó perfecto en su mejor papel hasta la fecha, a menos que me haya perdido algo.

The Truman Show es algo poco convencional, que no se ve a menudo. Y claro, por eso se lo sabe apreciar.

8/10 J (ocho de diez Jorgitos)

Próximamente:

Lord of War

Volver

2007-07-31T20:10:00.000-03:00

Título: Volver

Probable título en español: "Casi Muerta"

Director: Pedro Almodóvar

Guión: Pedro Almodóvar

Elenco: Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas

Género: comedia, drama

Año: 2006

Volver es uno de esos casos tan raros en los que la trama y los personajes son dos aspectos realizados con cuidado y maestría, ninguno dejado de lado por favorecer al otro. Es una lástima que un título como Volver, apropiado pero rogando burla, esté ligado a una película tan simpática. Sino podría divertirme diciendo cosas como "si alquilan esto, se ruega deVolver" o "reVolver basura es más divertido" o "prefiero enVolverme en hiedra venenosa que Volver a ver Volver". Pero no, no puedo decir esas cosas.

Penélope Cruz (Bandidas) logra no ser insoportable interpretando a una mujer casada con un desgraciado que le dice a todo el mundo que su vida es maravillosa. Un buen día el desgraciado termina muerto y nuestra protagonista manda a su hermana, Lola Dueñas (Mar Adentro) sola al funeral de una tía. Pero la hermana no vuelve sola, sino que trae de polizonte en el coche a la madre muerta, encarnada, irónicamente, por Carmen Maura (Nos chères têtes blondes). Maridos y madres muertas por esconder abundan.

En Volver lo importante es la familia. Familia de mujeres, porque los hombres tienen tanto papel como un baño público. Y las relaciones entre esta familia femenina ocupan muchísimo espacio, incluyendo dos Paulas. Bien por no venderse y ponerle nombres distintos a los personajes, cuando es común nombrar un hijo por un familiar mayor. Aunque confunda. Pero no tanto. En fin, aunque Volver difícilmente es una película para ver en familia, sí es sobre una familia, así que a todas esas personas que quieren ver más películas con familias... acá tienen una. Familia!

Almodóvar sabe lo que hace. Mientras hay quien dice que todas las tomas en una película tienen un significado más profundo que nada más ser tomas en una película, la realidad es que no. Las tomas son tomas. Pero tampoco exageremos. Algunas tomas sí tienen significado, y el modo en que Almodóvar filma el escote de Cruz es inteligente. Especialmente cuando después uno se da cuenta que no importaba tanto el escote como el cuchillo que estaba lavando, y que está en el centro de la acción de varias tomas poco ortodoxas que lo hacen destacarse.

Ya se habrán dado cuenta. Ésta no es más que otra crítica en extremo positiva sobre Volver, que fue recibida con muchísimo cariño de los jueces criticones del mundo. Claro, es Almodóvar. Viene siendo una especie de Microsoft español, pero con menos fallas de seguridad: aunque alguien lo odie, termina usando muchos de sus productos. Así es como estos párrafos humildemente se suman a esa fila de gente que halagó Volver. Si aportaré algo nuevo, lo dudo. Pero nunca es malo confirmar las cosas.

Hubiese estado bueno no tener que soportar como dos minutos de Cruz doblando una cantante popular. O canta ella, o que se calle. Lo perdono, aunque preferiría que no se repitiera. Resultó bastante vergonzoso y le restó al drama del momento.

Ignorando eso, la Penélope no me molestó. Es más, hasta hizo un buen trabajo. Me cuesta decir esto porque no la soporto. Puede que sea buena actriz, todavía no me decidí, pero simplemente, no la soporto. Me pasa con la gente sobrevalorada, si no comparto esa valoración instantáneamente, la empiezo a rechazar. Por suerte, está el señor genio Pedro Almodóvar, que puede sacarle una buena actuación a un personaje de video juego si quiere. Combinado con un guión impecable, sin demasiados agujeros negros, y que llegó a sorprenderme, no por ser extremadamente ingenioso, sino por saber distraer de lo probable, Volver está genial. Carmen Maura es una madre muerta encantadora, y Lola Dueñas, a pesar de ser más fea que el diablo después de lavarse la cara con ácido, habita su personaje con tanta precisión que no molesta verla.

Y ese personaje de Dueñas es sin duda uno de los más agradables de toda la película: una hermana tímida divorciada, peluquera en su propia casa, solitaria y buenita. Se gana los mejores momentos, en especial junto a Maura.

Las mentiras del personaje de Cruz, al principio parecen algo trilladas, pero en pocos minutos se vuelven representativas de una habilidad para retorcer la verdad que le va a venir muy útil. Y contribuye a las idas y venidas de la trama, con historias contadas a medias, testigos poco confiables y recuerdos que serían mejor olvidados. Volver tiene todo eso, y una ligereza de andar que lo hace delicioso y digerible.

9/10 J (nueve de diez Jorgitos)

Próximamente:

The Truman Show

Van Wilder

2007-07-26T18:30:00.000-03:00

Título: Van Wilder

Probable título en español: "Siete Años de Fiesta"

Director: Walt Becker

Guión: Brent Goldberg, David Wagner

Elenco: Ryan Reynolds, Tara Reid, Kal Penn

Género: comedia, romance

Año: 2002

Hay humores y humores. No me tomen a mal, soy el primero en reírme cuando alguien se cae, o cuando una viejecita adorable putea en una iglesia. Es completamente natural. Y siempre ayuda a las buenas comedias, de vez en cuando, tener uno de esos momentos graciosos en los que uno sabe que no debería estarse riendo, porque la gente decente, culta, no se ríe de esas cosas. Todo bien. Ahora, puede una película entera subsistir solamente de este tipo de chistes? La respuesta es sí, porque American Pie sigue alimentando familias enteras. Pero eso son finanzas. La calidad, la risa en serio, contradicción bienvenida... no aparece en Van Wilder, ni las incontables muestras del género que la acompañan.

Ryan Reynolds (Finder's Fee) es el personaje titular, un tipo genial, fiestero, que se pasó sus año de universidad de joda en joda, succionando el dinero de su padre sin llegar nunca a graduarse. Tara Reid (Josie and the Pussycats) es el forzadísimo interés romántico, una estudiante de periodismo que se rebaja a escribir un artículo sobre el señor Wilder. Y Kal Penn consigue su mayor papel hasta la fecha de estreno, como el devoto y excitado asistente, también, de Wilder. El padre se cansa de que el hijo no se gradúe, no le manda más dinero, muachacho despreocupado tiene que ayudarse a sí mismo, ya ven la dirección.

Es por productos como éste que la gente mayor, que controla al mundo con puño de hierro y un amor por el aburrimiento tan fiel que es admirable, que los más jóvenes entre nosotros son vistos como idiotas. Porque estas películas se hacen para el público adolescente, o a lo sumo universitario borracho. Ok, "universitario borracho" es redundante.

Todo en el mundo tiene errores; especialmente las ficciones, de continuidad. Esto pasa siempre, desde un corto asiático hasta un blockbuster de Marvel sufren eses momentos en que las zapatillas de alguien cambian de color, o un ventilador prendido en la toma siguiente está apagado. Y normalmente no se nota. Y cuando se nota, se perdona. Van Wilder no está plagado de estos pequeños errores más que ninguna otra película, pero es tan aburrida que me distraje buscándolos. Desde el principio, los ayudo con uno para que se entretengan: cuando Wilder está disuadiendo a un chico de cometer suicidio, sus brazos están alternativamente cruzados y descruzados entre tomas. Probablemente lo más cómico de toda la película, y ni se dieron cuenta.

Hay famosos chistes sobre cómo uno necesita licencia para manejar, pero no para reproducirse, y que los bebés deberían venir con manuales. Propongo una prueba, a ver qué piensan. Agarremos Van Wilder y el resto de películas inmaduras y aburridas, repletas de bromas sexuales y escatológicas. Si el sujeto reacciona positivamente ante la mayoría de las muestras, le revocamos su documento de persona, así no molesta a nadie.

En este caso, la tagline de la película ofrece una recomendación excelente. Dice "no seas un tonto... quédate en la escuela". Y tiene razón, porque ni en la escuela de cine te van a hacer ver Van Wilder, así que podemos estar a salvo de su canción de sirena afónica fumadora.

Lamentablemente, el film es justo: no sólo expone algunos senos, sino que también ofrece traseros masculinos. Claro, si lo van a ver por eso, alquílense una porno y la pasan mejor.

En una escena en particular, el protagonista se pasea por un vestuario de mujeres, donde lo aceptan como si fuera costumbre. Porque Van Wilder es ese tipo. Ese tipo que podría graduarse de ginecólogo sin haber ido ni a una clase. Ese tipo que no querés presentarle a tu hermana. Ese tipo simpático que cuando está hablando, sí, es genial y le servís un trago. Pero cuando te das cuenta que es "ese" tipo, en vez de querer pasar toda una película viéndolo ser más feliz de lo que vas a serlo vos en toda tu vida, preferís molerlo a golpes. Es una cosa media agridulce.

Tara Reid apesta. Ni siquiera es linda como para compensar cuánto apesta. La chica no puede ni actuar de Tara Reid. Sale pareciendo "rubia tonta #5", no importa que papel consiga. Para ni mencionar que siempre me hace pensar que está borracha. Creo que es por la voz. Suena a que se bajó una botella de whisky entera. Y que tiene el mismo valor de mercado.

En el otro lado del espectro, Ryan Reynolds personifica todos los buenos aspectos de "ese" tipo como Van Wilder. El muchacho tiene un timing cómico que no se puede aprender. Es talento. Pero no llega a elevar a Van Wilder, la película. Nada más al personaje, y no alcanza. Un chiste malísimo de una persona simpática, sigue siendo un chiste malísimo. Hasta da lástima, uno piensa que un proyecto de comedia con Reynolds podría ser genial. En cambio, Van Wilder.

Es el tipo de película para los fans incorregibles de American Pie. Van Wilder se queda corta de comedia, y trata de compensar con momentos que llegan a dar bastante asco, por lo gratuitos que son. Hasta a gente como yo que mira autopsias por Discovery Health con la cena. Suerte que no se puede transmitir olor por la pantalla. Todavía.

5/10 J (cinco de diez Jorgitos)

Próximamente:

Volver

The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring

2007-07-17T18:18:00.000-03:00

Título: The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring

Probable título en español: "Los Anillos del Amo: La Beca de la Llamada"

Director: Peter Jackson

Guión: Frances Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson

Elenco: Elijah Wood, Sean Astin, Viggo Mortensen

Género: acción, aventura, fantasía

Año: 2001

Se necesitan... agallas, para adaptar una vasta obra clásica con numerosísimos seguidores en todo el mundo. Se necesita talento para hacerlo de tal forma que no resulte ridículo en comparación con la fuente. La obra de Tolkien es un pilar de la narrativa fantástica moderna, es inmensa, es mitológica, está repleta de anexos en forma de mapas, idiomas, notas históricas. Lograr comprimir eso cinematográficamente no es poca cosa. Podría haber sido un desastre de proporciones tan épicas como la historia contada. Sin embargo, fueron las tres películas de la saga de The Lord of the Rings, que se han vuelto trilogía obligatoria y merecidamente alabada.

Elijah Wood (The Bumblebee Flies Away) interpreta a uno de los personajes literarios más queridos, un hobbit que responde al nombre de Frodo, y por esas circunstancias de la vida en su particular mundo, termina el portador de un anillo de destrucción masiva que corrompe las almas de todos aquéllos a los que se acerca. Para que no se compliquen más las cosas, tiene que llevar el anillo a un lugar seguro, acompañado por su fiel amigo Sam, en este caso Sean Astin (Dish Dogs). Pero no es tan fácil, porque absolutamente todos quieren el anillo, y algunos son gente fea y mala. Con espadas. Así se van uniendo a la trama un montón de personajes, entre ellos el Aragorn de Viggo Mortensen (28 Days), para ayudarlos o impedirlos.

Para no generar confusiones, vale aclarar: The Lord of the Rings no es Harry Potter. Pero bien podría serlo. Cuando se lo desliga de su extensísima mitología, y uno se entera que todos esos temas de corrupción del espíritu, en realidad terminan bastante bien, The Lord of the Rings no es una obras con personajes de profundidades insondables. Todo lo contrario. Los buenos son muy buenos, y los malos son muy malos. Mientras todos los humanos se babosean por el anillo omnipotente, su creador y principal antagonista no es humano en absoluto. Esa maldad que genera maldad no está presente inherentemente en la humanidad. La nuestra es pura reacción. Así que darle méritos sobre la Pottermanía basándose sólo en eso no es recomendable. La mayor distinción es que The Lord of the Rings es una de las bases del género fantástico. Todo lo que le siguió, tomó prestado convenciones, y lo hizo de forma perezosa y a medias. La ausencia de sorpresas narrativas puede ser frustrante, pero es típico de algo que luego pasó a ser deformado por trabajos posteriores. En su momento, The Lord of the Rings era lo que había y no se esperaba. Y el que se le haya hecho debido honor tanto tiempo después, habla bien de su maduración y permanencia como obra de referencia.

Tardaron tanto, no sólo por cuestiones tecnológicas. No se lea distinto, sin los efectos especiales que tiene The Fellowship of the Ring, no tendría ni la mitad del impacto. Pero a lo que voy es que cosas como ésta tienen longevidad para rato. No había necesidad de apurarse. Sí, si estuviera haciendo un podcast en este moment tosería "Harry Potter" por lo bajo. Historias de ese estilo hay que agarrarlas mientras están en la consciencia colectiva, porque se desvanecen pronto. The Lord of the Rings no. Casi podría afirmarse que algunos nerds innatos llegan al mundo con la historia vagamente ya delineada en la mente. Y los efectos especiales merecen exclamaciones que todavía no se inventaron. Valga la ironía.

Una de las quejas con The Fellowship puede ser que los tormentos que sufren los personajes principales resultan por momentos algo innecesarios. Uno no puede evitar pensar que si se juntaran todos los hombres libres del detrás del pequeñito Frodo, Sauron -que a todo esto ha sido reducido a un ojo grandote y feo- podría compartirse un poco la pesada carga. Sí, sí, que todos quieren el anillo. Pero ya con la magia de Gandalf asustándolos y algún que otro elfo tirando flechas, se puede controlar a las masas. Igualmente, mucho mayor el efecto dramáticos sobre los personajes, así que bienvenido. Aunque sólo sea un medio para un fin.

Viggo Mortensen consiguió el papel de su vida. Todo el elenco en realidad, a excepción de algunos otros actores mucho más establecidos. No se sacan a The Lord of the Rings de encima jamás, y es una bendición. Ya han hecho otros trabajos y se han destacado igualmente. En The Fellowship of the Ring, Mortensen tiene la mejor entrada. Aquéllos que no hayan leído los libros no van a saber si es bueno o malo hasta después de algunas escenas. Ni el nombre verdadero van a saber.

Esta primer parte de la trilogía hace algo que no es común, especialmente en primeras partes. Termina para el santo excremento. No porque no sea satisfactorio, aunque un punto suspensivo al final nunca lo es, sino porque el final feliz no sólo queda muy lejos, sino que parece imposible. La mejor forma de digerir estas películas es probablemente sin haber leído los libros y todas lo más juntas posibles. Lamentablemente, la mayoría no tuvimos ese privilegio. Peor, yo que siempre tiré más para el lado de la ciencia ficción, no abrí los libros hasta enterarme de que producían las películas. Me engañaron, mucho mejor era no ir preparado.

Creo que vi la edición extendida del DVD. Muchas escenas que no llegaron al cine, media hora me parece. Y suma, eh. Más de 200 minutos en total. Llegado un punto, uno empieza a sufrir tanto como los protagonistas en su viaje. En vez de dolernos los pies, nos duelen las nalgas. Asumo que así uno se identifica mejor con la tensión dramática?

Lo que mejor separa a The Lord of the Rings de otros trabajos fantásticos, es la presencia de los hobbits de Tolkien, y el cariño que inspiran esas criaturitas pacíficas, leales y valientes. Ellos van por la vida sin molestar a nadie, cultivando la tierra, comiendo y bebiendo, festejando ante cualquier oportunidad y honrando tradiciones y compromisos. Nunca se sintieron destinados a la gloria y la grandeza y nunca las necesitaron. Tampoco fueron levantados de la obra para ser usados en muchas otras, al menos no por su nombre, por cuestiones legales. Así los hobbits, tanto en ficción como en realidad, han podido permanecer sin manchas visibles a través del tiempo. Y siempre con hambre voraz y contagiosa.

The Fellowship of the Ring, en este momento y según los cálculos que encontré, porque no soy contador de ningún estudio, es la 13º película con mayor recaudación mundial de todos los tiempos. Eso es mucho dinero. Cuánto dinero? Ya tanto detalle no sé, pero en el año de su estreno ganó casi 900 millones de dólares.

En fin, The Two Towers y The Return of the King, las porciones que siguieron a The Fellowship of the Ring, son películas superiores. Sin embargo, la primera por sí sola llega muy lejos. Para ni mencionar que juntas forman una de las mejores trilogías de la historia del cine. Hay quien diría, sin ir más lejos, La Mejor. Yo me reservo el derecho a comparar dentro de unos años largos. De todos modos, no hay apuro, no?

8/10 J (ocho de diez Jorgitos)

Próximamente:

Van Wilder

The Libertine

2007-07-15T19:16:00.000-03:00

Título: The Libertine

Probable título en español: "No es Otra Película de Fortuna y Exceso"

Director: Laurence Dunmore

Guión: Stephen Jeffreys

Elenco: Johnny Depp, Samantha Morton, John Malkovich

Género: drama

Año: 2004

Muchos hombres huyen cuando una película planea representar eventos de épocas que involucran demasiadas pelucas, palabrerío y pomposidad. A mí me da lo mismo, también había peleas, prostituas y política. Eso es interesante. Mucho más interesante cuando en realidad el último grupo de cosas es el centro de atención. The Libertine difícilmente es un romance de época, con damiselas buscando marido y caballeros que hacen reverencia sin ironía. Por suerte.

Johnny Depp (Finding Neverland) es el libertino titular, un conde que sabe cómo divertirse y tiene los medios para hacerlo. No sólo eso, sino que es un escritor talentoso, respetado e intermitente amigo del rey, John Malkovich (Un Filme Falado) bajo nariz prostética. Mucho licor, obras de teatro y damas de la noche, eventualmente el conde se interesa en una actriz interpretada por Samantha Morton (Enduring Love) y el rey le pide que escriba una obra maestra para que su administración quede bien con la futura historia europea.

Parece que por lo que entiendo, la mitad del elenco de The Libertine se volvió a juntar un tiempito después para protagonizar en Pride & Prejudice. Por primera vez hay un motivo convincente para ver Pride & Prejudice aparte de Keira Knightley. Pero volviendo a The Libertine...

La tagline debajo del título promocionaba la película diciendo que "él no se resistía a la tentación, la perseguía". Correcto, pero sobresimplificado. El conde de Depp no perseguía la tentación nada más porque le tentara. Era un medio para un fin, y ese fin era su propia destrucción. A través de la película se nota que lo único que este hombre es capaz de disfrutar es el teatro, la narrativa, una rima o una palabra justa. Las mujeres, los hombres, el alcohol y todo el resto son meras distracciones entre estallidos de ingenio satisfactorio. Cuando ya va demasiado lejos, y su ingenio satisfactorio deja de ser universalmente apreciado, se entrega de lleno a los excesos que nunca llegan a traerle tango gusto como una buena obra de teatro.

Una escena memorable involucra un retrato del conde con su mujer, durante el cual él hace una observación sobre qué tanto las personas son animales en realidad, como monos y no seres civilizados. Por supuesto, la mujer se ofende, porque si bien la idea fue muy interesante, también fue lanzada vilmente para insultarla. La relación de la pareja podría haber sido más explorada, porque las pocas escenas se cuentan entre las mejores. Aunque también tiene que ver con el hecho que el conde no pasaba demasiado tiempo que digamos con la mujer. Así que se perdona.

The Libertine debería tomar orgullo por su originalidad. No sólo la principal fuente de iluminación son velas, y poco más que velas, sino que la historia se inicia y se termina con breves monólogos de Depp dirigiéndose a la audiencia. El último de éstos es tan inteligente como macabro, y si las secuencias finales resultaron un poco azucaradas, se asegura de que ése no sea el sabor de la conclusión de The Libertine.

Desde la primera vez en la película que lo invitan a tomar algo, el conde ya se agarra el costado como si se hubiera bajado más licor en su vida que un pez inmortal agua a través de las eras. Y en múltiples ocasiones alardea sobre su tenacidad alcohólico y el compromiso indisoluble que tiene con la bebida. Palabras que hacen eco cuando ya está arruinado, y sigue bajando vino aunque apenas puede tragar. Muy gracioso al principio, una tragedia en la resaca.

Todo en The Libertine no sólo es efectivo, sino que tiene su oportunidad de brillar. La dirección de Dunmore, en su primer largometraje, es evidente y casi documental, en especial durante una secuencia al final, en la cual Depp vocaliza un discurso muy bonito, dando vueltas para dirigirse a toda la audiencia que lo rodea. El guión de Jeffreys, al menos en los dos primeros actos, decide concentrarse en cosas que no son típica trama de historias de personajes fascinantes en caída libre. Las viñetas tienen cohesión, sin dejar cada una de caracterizar un poco más. Johnny Depp es Johnny Depp. Hasta se llama John el conde. Nació para este tipo de personalidades limítrofes. Y Malkovich es un misterio, interpretando a uno de esos reyes que se merecen, y creo que han tenido, sus propias obras y películas. Un misterio de los buenos, hombres de semejante estatura en papeles secundarios no deberían estar completamente justificados todo el tiempo. No se les haría justicia así.

Pequeño paréntesis: todos aquéllos que teman demasiada profundidad narrativa, no teman. También hay consoladores gigantes para los que se aburren fácil.

La joya escondida es Morton, que tarda en aparecer y desaparece bastante rápido. Normalmente resulta insoportable cuando una buena actriz interpreta a una mala actriz, como cuando la mina evidentemente preciosa se hace la fea con anteojos y maquillaje. Pero a Morton le sale bien. Lo de ser buena actriz y mala actriz y todo en el medio. No lo de evidentemente preciosa, me estoy concentrando en lo positivo acá.

En fin, The Libertine es una película de época hecha en esta época y con sensibilidades que no son características de ninguna de las dos. Le pertencen al protagonista, y que nadie más finja ser el dueño. Es algo distinto a lo que estamos acostumbrados, sin volverse una revolución genérica.

9/10 J (nueve de diez Jorgitos)

Próximamente:

The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring

Toy Story

2007-07-09T00:34:00.000-03:00

Título: Toy Story

Probable título en español: "La Historia de los Juguetes Vivos"

Director: John Lasseter

Guión: Joss Whedon, Andrew Stanton, Joel Cohen, Alec Sokolow

Elenco: Tom Hanks, Tim Allen, Don Rickles

Género: animación, aventura, comedia, familia, fantasía

Año: 1995

Peter Pan me perturba. Pero su filosofía es intrigante. Por qué apenas crecemos, y salen pelos en lugares anteriormente lampiños, y conseguimos trabajo, y tenemos cuenta bancara, ignoramos con aires de superioridad todo lo que cuando éramos pequeños tanto nos complacía? Si se puede crecer, y todavía disfrutar de las mismas cosas. No todas, y no del mismo modo, pero algunas y con otra perspectiva. Cuando la gente desestima la animación como cosa de chicos, en vez de sonar más adulta, sólo logra sonar deprimente. Y cuando yo tenga edad para que me den descuento en el cine, voy a seguir viendo Toy Story en mi casa.

Tom Hanks (Apollo 13) le da voz a Woody, un vaquero de juguete que, al igual que el resto de los juguetes del mundo, está vivo y cuando nadie lo ve tiene sus propias actividades y preocupaciones. Es el más popular en el cuarto de Andy, donde la pasa bien con sus otros amigos juguetes, incluyendo al Mr. Potato Head con más actitud del planeta y que suena como Don Rickles (Daddy Dearest). Hasta que a Andy le regalan un muñeco nuevo y moderno, el Patrullero Espacial Buzz Lightyear, que con presionar un botón tiene láser y frases cortesía de Tim Allen (Home Improvement). Con el pasar de un tema de Randy Newman, Woody deja de ser favorito, y una compleja historia de mentiras, envidia y violencia comienza.

Podría decirse que la moraleja de Toy Story, inevitablemente ha de tenerla, lidia con el poder de la amistad sobre todas las cosas. Pero por suerte, esas cursilerías no están en el centro del escenario. Los más jóvenes en la audiencia se van a quedar con la más simple, aunque bastante útil idea de tratar bien a sus juguetes. Algo que sirve desde vaqueros muñecos hasta computadoras. Zeus sabe que hay que cuidar las cosas. Los adultos nada más se van a divertir por 80 minutos, sin nunca sufrir sobredosis de dulzura. Todos ganan.

No se me ocurre nada malo que decir de esta película, después de haberla visto una y otra y otra vez. Lo cual no es cierto, porque también la vi algunas veces más. Hasta la relativamente molesta voz de John Morris interpretando a Andy es impecable. O sea, no hay niño sin tonos irritantes. Así consiguen comida, es instinto de supervivencia. Qué miedo que el pequeñito John Morris tenga mi edad. Cómo pasa el tiempo. Pero me alejo del punto.

Toy Story fue el primer largometraje completamente animado por computadora en tres dimensiones. Y recaudó cientos de millones de dólares en la taquilla mundial. Como diez veces lo que costó. Está bien, vamos, argumenten que era todo por la novedad de los gráficos. No, no son capaces de semejante simplificación. Hay que admitirlo, se merece cada dólar. Bueno, por ahí no. Estaría lindo alimentar algunas familias hambrientas, o curar el cáncer. Aunque una vez ya no haya hambre ni enfermedad, para divertirnos un rato, querríamos ver Toy Story.

La cosa es que la película no es nada más una serie de situaciones convenientes para ver dibujitos brillantes predicar lecciones de vida y vender mercadería. va más allá. Hay personajes. Esos dibujitos brillantes tienen más personalidad y conflicto interno que la mitad de la gente con la que fui a la escuela secundaria. Concedido, nadie lucha contra la drogadicción ni venga al asesino de su mujer. Pero por un lado tenemos temas de amistad, sincerísima y preocupante envidia, crueldad insensata y demasiado común, para contar sólo algunos. Y si hay alguien que no se identifique con el pobre de Buzz cuando se entera que no es único, y hay miles de otros como él que seguramente la están pasando mejor y ya sabían de entrada que no eran únicos, están mintiendo. Más universal que eso y estamos hablando de tener sistema circulatorio, así agarramos a todos los mamíferos del mundo.

Otro buen aspecto es que el villano de la película, un muchachito insoportablemente hiperactivo que destruye juguetes por diversión y tiene unos aparatos dentales salidos del infierno, existe. O sea, no es un loco obsesionado con dominar el mundo, ni un malvado estúpido con visión de túnel. Es ese vecino molesto que anda prendiendo cohetes toda la tarde, con el perro ladrando a todo volumen, que si el infanticidio siguiera siendo crimen pero con menor condena, ya estaría enterrado. Todos lo conocemos, todos lo odiamos y cabe la posibilidad muy seria de que crezca para ser asesino serial. O peor, burócrata.

El elenco es genial, liderado por un Tom Hanks neurotiquísimo como el juguete a punto de perder el trono que casi daba por sentado. Si bien no todas sus acciones pueden justificarse, compensa cualquier problema pecaminoso con un diálogo tan bien escrito que uno se olvida que es un muñeco. No sé si estaban en el guión, pero las dudas discursivas de Hanks son las de cualquier persona hablando. Más exclamaciones y medias palabras y las líneas parecen improvisación. Eso no es fácil de hacer, mucho menos con animaciones que cuestan por segundo más que mi departamento.

Ni siquiera desperdiciaron la oportunidad de demostrar lo increíblemente terrorífica que es la idea de juguetes vivos, como es demostrado en la obligatoria escena donde el antagonista recibe su merecido.

Ya pasada la década larga, puede que se quejen que la animación no es infalible, que las figuras humanas tienen peor articulación que cualquier video juego en el mercado y que las texturas de los fondos son demasiado limpias y estáticas. Claro, sólo harían esto si son de los que nunca ven películas viejas en blanco y negro, porque no tiene color y es insoportable. Esa gente que hace tan endemoniadamente atractiva la censura, en lugar de la libertad de expresión. Pero bueno, creo que no son mayoría. No son mayoría, no?

Como el primer largometraje animado en tres dimensiones, Toy Story podría haberse hecho la tonta, y puesto por completo lo visual sobre la historia, la caracterización, las voces y la comedia. En cambio, parece que tuvieron todas las ideas que nunca había tenido la animación tradicional, y unas cuantas más. Es decir, los protagonistas no son animales que hablan, ya es un paso en la dirección correcta. Toy Story va a sobrevivir hasta que yo tenga nietos. O hasta que la gente de mi edad tenga nietos, no quiero darle falsas esperanzas a mi madre. Es algo que funncionó y funciona en demasiados niveles como para caducar.

10/10 J (diez de diez Jorgitos)

Próximamente:

The Libertine

Elizabethtown

2007-07-05T22:29:00.000-03:00

Título: Elizabethtown

Probable título en español: "Bonito Pueblo"

Director: Cameron Crowe

Guión: Cameron Crowe

Elenco: Orlando Bloom, Kirsten Dunst, Susan Sarandon

Género: comedia, drama, romance

Año: 2005

Nunca van a tener sentido las comedias románticas. Por un lado, no son tan cómicas. Por el otro, los protagonistas tienden a ser tan molestos, neuróticos y malcriados, que uno prefiere verlos como víctimas en una película de terror que como descorazonados en su vehículo de elección. Esto lleva a una regla con pocas excepciones, que dice que mientras más se conozca el proyecto a sí mismo, y los realizadores se concentren en un solo aspecto y dejen que fluya naturalmente, mejor les va a ir. Elizabethtown es esa rara, nunca perfecta, película que mezcla de todo y le agrega algún ingrediente secreto, y al final funciona sin demasiados hipos.

Orlando Bloom (Haven) se saca la mayor parte del acento para intepretar a un diseñador de zapatillas que lo ha perdido todo. Bueno, no todo, pero un fracaso muy público le costó la carrera. Resulta que el padre se muere, entonces Orlandito tiene que ir a recuperar sus restos a su pueblo natal, el titular Elizabethtown. En el avión conoce a una azafata, la encantadora Kirsten Dunst (Wimbledon), que por conveniencias narrativas, le exige compañía. Mientras tanto por otro lado, Susan Sarandon (THe Exonerated) eleva los procedimientos como la fresca viuda que no sabe qué hacer, así que hace de todo.

Los múltiples toques idiosincráticos que llenan a Elizabethtown de personajes pintorescos, diálogo ingenioso y mucha comedia, son nivelados por la muerte del padre del protagonista. Mientras la madre busca encapsular años de vida en unos pocos días, la hermana llora y él, sorprendido en el medio de su propia existencia ausente de la familia, como que encuentra todo curioso. La separación entre su familia inmediata y familia extendida es un ejemplo perfecto de lo poco que los hijos conocemos a nuestros padres, y cómo este misterio sólo se hace evidente e irreparable tras su fallecimiento. Cosas que pasan desde que hay familia.

Sí, Susan Sarandon eleva todo. Esa mujer es legendaria, y si la película en principio puede impresionar como entretenimiento para jóvenes, esperemos que el aporte de Sarandon haga notar que hay algo para cualquier edad. Su discurso en un tributo al marido, y consecuente interpretación de "Moon River" al son del tap, no podrían haber sido interpretadas por nadie más con tanta gracia.

Si las situaciones y el diálogo deberían poner de buen humor y hacer reír hasta a los hormonalmente amargos e histéricos, la música debería poner a bailar hasta a los tiesos y torpes como yo. Bueno, por ahí no bailar. No exageremos. Pero las canciones que no reconocía, me hacían tamborilear los dedos, y las que sí, cantar a todo pulmón. Provoqué una ola de mudanzas en el edificio. Hasta dejé los créditos al final, rodando a todo volumen mientras hacía otras cosas.

Cameron Crowe (Vanilla Sky) no se ha superado necesariamente, pero sí hizo algo que no es difícil de apreciar, y puede tomar mucho crédito, la mayoría del cual se lo merece. La dirección aporta lo que aporta cualquier dirección sin volverse lamentablemente "artística". Hay tomas de Bloom narrando que no tienen precio. Y el guión es el alma de todo Elizabethtown, que vive del diálogo.

Y si todas las azafatas son como Kirsten Dunst, tengo que viajar más.

Como Elizabethtown vive del diálogo, sufre un poco en el departamento de la trama. Es decir, lo que pasa se ve venir, en gran parte porque no pasa nada. Esto puede resultarle frustrante a algunos, fascinante a otros, o completamente irrelevante a la gente como yo. Cuando las conversaciones y los detalles de escena a escena son lo que son en películas de este estilo, nadie necesita un giro inesperado. Es más, gracias a Zeus que no caen rayos repentinos ni nada que se les parezca.

Una porción considerable del humor en el film, es de la variedad negro. Así que si nunca en su vida podrían imaginarse que un funeral es el lugar preciso para soltar una risotada poco elegante, no la van a pasar muy bien. En cambio, si les parece que la única fuente de comedia irremediable es la tragedia, bienvenidos sean, tomen asiento y no hagan mucho ruido con el pochoclo.

De paso, no pestañeen al principio, o se pierden a Alec Baldwin (The Last Shot), que si compartía alguna escena con Sarandon le hubiese subido el puntaje a Elizabethtown como dos litros de vodka suben el alcohol en la sangre. El últimamente renacido Baldwin interpreta al jefe del protagonista, el ricachón que se atraganta con la pérdida millonaria de la zapatilla, obsesionado con el número dos y autoridad mundial indiscutible del calzado. Baldwin provee su tono de voz seco y entrega seria que lo caracterizan en la comedia, y su única aparición en Elizabethtown es memorable, por decir poco.

Qué concluimos con todo esto? Que Elizabethown es efectiva. Mejor que la mayoría de las cosas que se producen, pero no algo que le va a gustar a todo el mundo, ni que no permite discusión sobre su mérito cinematográfico. También concluimos que mientras el espectador tenga buena salud, Elizabethtown lo va a poner de buen humor. Es imposible que falle, y eso ya es algo que vale la pena destacar y recomendar.

7/10 J (siete de diez Jorgitos)

Próximamente:

Toy Story

The Godfather: Part II

2007-07-02T19:02:00.000-03:00

Título: The Godfather: Part II

Probable título en español: "Apadrinando La Secuela"

Director: Francis Ford Coppola

Guión: Francis Ford Coppola, Mario Puzo

Elenco: Al Pacino, Robert Duvall, Diane Keaton

Género: crimen, drama

Año: 1974

Algunos lo consideran una institución cinematográfica. Algunos piensan que fue la mejor película de todos los tiempos, seguida por la mejor secuela posible. Todos sabemos que inició múltiples carreras que harían historia. Algunos dicen que cambió la forma de hacer cine. Algunos que era un semental italiano. No, perdón, ése es Stallone, me confundí. La cosa es que The Godfather, y la segunda parte que voy a tratar ahora, son obras muy queridas por mucha gente.

Al Pacino (Serpico) vuelve a interpretar a Michael Corleone, en esta ocasión ya habiendo heredado el imperio criminal de su padre, con Robert Duvall (The Outfit) como el abogado consegliere nuevamente. Diane Keaton (Sleeper) expande un poco el papel de mujer sufrida y algo tontita. El resto de la trama viene a ser la misma idea que la primera: negocios mafiosos e idas y venidas, todas muy serias. A eso se le suman flashbacks al pasado del difunto Don Corleone original, para agregar detalles y contar una historia extra. Dos por el precio de una.

Diane Keaton hace algo muy difícil. Agarra un personaje como la esposa convenientemente ingenua de un poderosísimo empresario criminal, y la interpreta sabiendo que ella es en realidad igual de mala que el resto. Sí, no mata a nadie, llora, pare bebés, apoya a su marido mientras él le diga que busca un negocio legítimo, quiere a sus hijos. Pero Pacino también los quiere, son buenos chicos, obedientes y calladitos. Al final del día el personaje de Keaton busca que la mantengan en un ambiente lujoso, y también preservar su moralidad recta ante los ojos del público. Cuando se da cuenta que las dos cosas son difíciles de conseguir, y que su hijo puede terminar como el padre, todo al demonio. No por Michael, sino por las desmedidas y contradictorias aspiraciones de su mujer.

La discusión sobre los méritos de las secuelas en general es una larga y tendida, que a menudo provoca menciones de la segunda parte de The Godfather. Pueden dividirse a las secuelas en dos categorías: por un lado, las que sólo retienen elementos del original en forma de los personajes. Mismo protagonista, distinta aventura. Mírenlas en cualquier orden y denle dinero a los inversores. Por el otro lado, las secuelas más puras, como Jehová manda, que continúan y expanden el fértil universo de los originales. Part II es purísima entonces. La historia de Michael progresa naturalmente, y al mismo tiempo, el universo se expande con los flashbacks a la juventud de su padre, que no están relacionados directamente. Es decir, el padre no está en coma y alucinando, o sentado y recordando. Son dos tiempos separados que no comparten información entre ellos, sino exclusivamente con el espectador. Durando más de tres horas, esta particularidad lleva a dos posibles conclusiones. O Coppola ama tanto la historia que no quiso editarse, y efectivamente nos dio dos capítulos por el precio de uno aunque hubiera podido separarlos y ganar el doble con películas separadas; o como tenían poco material y para no quedarse cortos ante la duración de la primera, rellenaron con lo que encontraron. De cualquier modo, diversión para toda la familia que no sea demasiado joven para ver violencia explícita.

The Godfather es, entre otras cosas, sobre la familia. Se retrata un extenso grupo de parientes, para quienes lo más importante, según sus costumbres y la forma de vida a la que aspiran, es la familia. Esto, en un núcelo familiar apropiado, es tácito y resulta cierto. Entre los Corleone, en cambio, hay que repetirlo continuamente. Y por qué? Porque son extremadamente disfuncionales, y tienden a poner otras cosas antes que la familia, lo cual lleva a traición, decepción y asesinato, normalmente en ese orden. El conflicto de la aspiración a tener la familia como prioridad, y la innata incapacidad de hacerlo suceder, están al centro de toda la historia. Si en The Godfather verdaderamente la familia viniera primero, no habría nada que contar. Serían una aceitada e infalible máquina criminal. En cambio, la gente habla de más y genera trama.

Parece que en la época del padre de Michael en realidad eso no pasaba tan a menudo, probablemente porque era el inicio de la familia Corleone. Menos bocas que se desboquen. En vez de tener la misma fórmula de intriga corporativa que tienen los segmentos con Pacino, los flashbacks, de la mano de un Robert De Niro (Mean Streets) en plena forma, relatan el ascenso de un líder criminal. Quieren saber cómo se pasa de empleado en un almacén a capo mafioso? Miren Part II y presten atención.

En un elenco repleto de personajes, cada uno con su propio actor de envidiable talento luchando por prominencia, muchos resultan menos que memorables en comparación con las potencias a las que se enfrentan en pantalla. En The Godfather original, las mujeres eran adornos que en realidad sólo simbolizaban el potencial de familia y la "dicha" doméstica. En esta ocasión ese papel lo cumplen los niños, y a las damas se les da la oportunidad de hacer algo. Ya mencioné que Diane Keaton vale más de esposa contradictoria que de novia abandonda. También pasa con Talia Shire (The Godfather) como la hermana de Michael, que pasó de ser la gritona maltratada por el marido, a una irresponsable que desprecia a la familia por resentir a su hermano. Eventualmente se transforma en madre sustituta para sus sobrinos, regresando al hogar y al seno familiar, como resultado inevitable de la seguridad que se le provee y la responsabilidad que le fue inculcada.

Al principio de Part II, al igual que en el original, hay una fiesta al aire libre, y el padrino recibe gente que le pide favores y le ofrece negocios. Y al final hay una secuencia de muy anticipados asesinatos, con Michael, el autor intelectual, a salvo de recriminaciones en un espacio diferente. El impacto de esta película es tanto mayor habiendo visto The Godfather original, que en realidad no se sostiene por sí sola. Y eso en términos narrativos es algo bueno, indica la ausencia de desperdicio. Cuando Part II termina, los espectadores hemos pasado más de seis horas en total con esta gente y sus idas y venidas. Un personaje no se define por una acción única, sino por las que realiza a través de los años, y The Godfather y su secuela desarrollan múltiples personajes impecable, exitosa y detalladamente.

Y De Niro remata a un gordito con un disparo en la boca. Ven, hay algo para todos.

The Godfather, la original, no es perfecta. Pero hay que verla, aunque no vean Part II, porque es un clásico de aspiraciones clásicas. No puede negarse ni su influencia, ni su valor de entretenimiento. Pasa los mismo con Part II, pero potenciado, en parte por la historia acumulada de los personajes, en parte por el contraste entre la trama principal y los flashbacks, y en parte porque la realización general dio un salto positivo entre el original y la secuela. Mírenla, gócenla y saquen sus propias conclusiones.

9/10 J (nueve de diez Jorgitos)

Próximamente:

Elizabethtown

Breaking and Entering

2007-06-27T14:25:00.000-03:00

Título: Breaking and Entering

Probable título en español: "El Robo del Siglo"

Director: Anthony Minghella

Guión: Anthony Minghella

Elenco: Jude Law, Juliette Binoche, Robin Wright Penn

Género: drama, romance, thriller

Año: 2006

Qué cosa, eh. Hay historias que necesitan ser contadas. Hay historias contadas una y otra vez que jamás pierden resonancia. Hay otras que se benefician de sacudir el formato, pasar del teatro al cine, o de la novela gráfica a... bueno, al cine. Y hay otras historias que parecen ser excusas preparadas a medias para expresar algún tipo de comentario social que nada más puede llegar a entenderse después de un par de copas de vino entre pseudointelectuales demasiado pretenciosos. Breaking and Entering es de las últimas.

Jude Law (All the King's Men) hace de Jude Law, pero en vez de actor, arquitecto. Va por la vida cambiando el paisaje urbano y compartiendo departamento con Robin Wright Penn (Sorry, Haters) y la hija de ella. Hija molesta si las hay, aunque simpática. Eventualmente, se cansa del hogar tenso, y sigue a un chico que le robó el estudio hasta la casa. Se hace "amigo" de la madre, o Juliette Binoche (Quelques jours en septembre), y trata de seducirla. Porque bueno, es Jude Law arquitecto.

Hagamos la gran Memento y empecemos por el final. Breaking and Entering empieza y sigue. Y después da la vuelta, y sigue para otro lado. Después se arrepiente y se acuerda que tenía otros personajes, y los reintroduce como si siempre lo hubiese tenido en mente. Y cuando el reloj da casi las dos horas, se da cuenta que la gente se pone incómoda, y termina. Termina de tal modo que le faltaba el "y vivieron felices para siempre". Si creen que les estoy arruinando el final, no se preocupen, es completamente inesperado. Como una bandada de palomas saliendo volando de mi recto. No se lo cree ni el Papa.

Está bueno como la película es sutil. Jude Law está en el medio de dos mujeres, no? Robin Wright Penn, sin marido y con una hija que viene a ser autista pero sin comprometerse mucho al diagnóstico. Una especie de innegable déficit de atención y superávit de azúcar. Por el otro lado, Juliette Binoche, sin marido y con un hijo que en vez de ir a la escuela, se la pasa robando aparatos electrónicos con el tío. Los primeros tienen tanto dinero que hasta van a ver especialistas, sí sí, plural. En cambio, Binoche es costurera y no tiene espacio en el departamento para un piano. Hola, diferencia de clases y similitudes humanas, tanto tiempo sin vernos. Cómo? Nos vimos en cientos de otros proyectos y la pasamos mucho mejor? Cierto, cierto, ahora me acuerdo.

Por la información que conseguí, Breaking and Entering tuvo un estreno teatral limitado, y recaudó menos que yo pidiendo limosna en la peatonal vestido de harapos. Pero hay que admitirlo, puedo ser adorable si me esfuerzo. Ya sé, la taquilla no indica nada definitivo. Nada más me alegro que nadie se rompió las nalgas viendo la angustia urbana de Law por dos horas en el cine. Breaking and Entering no da para el cine. Ni para el sillón de casa. Puede estar buena para ver acostado sobre muchos colchones con sábanas egipcias mientras alguna modelo me da uvas en la boca. Así tengo algo con que distraerme. Lamentablemente, nadie me advirtió esto de antemano.

Anthony Minghella (Cold Mountain) hizo bien en dirigir su propio guión, así ningún pobre desgraciado carga con la mitad de la culpa en el costado de la dirección. Que es, en realidad, uno de los pocos aspectos positivos. Minghella puede dirigir, sabe dónde poner las cosas, la gente, las luces, la cámara. A veces se nota demasiado que la progresión dinámica sirve a los propósitos de las escenas, y llega a ser frustrante por el guión. Las escenas separadas tienen una especie de encanto. Pero cuando se las junta para hacer una historia entera, son muy poco apetecibles. Todo eso de coherencia narrativa y desarrollo de personajes... bueno... eh, lo dejamos para otra película, total. Esto es nada más Minghella comentando sobre clases sociales.

El arquitecto de Law renueva áreas urbanas que están dominadas por la pobreza y el crimen, y las llena de naturaleza y formas estéticamente placenteras. Entienden la crítica? La metáfora? No? A ver, qué tal si ponemos un montón de plantas artificiales en un basurero, que en realidad es estiércol que con un poco de cariño y tiempo puede hacer crecer plantas de verdad? Ahora ven adónde va Minghellita?

Breaking and Entering fue promocionada con la tagline debajo diciendo que "el amor no es un crimen ordinario". Si al menos el film tratara de ser algo distinto a lo ordinario, quizás la frasecita resonara un poco más. Como están las cosas, parece el estribillo de un tema de Beyoncé.

Una escena destacable, les cuento así no pestañean y se la pierden, involucra a Law y Binoche tomando un bañito juntos. Tiene una cualidad de conversación honesta, cosa que le falta bastante a Breaking and Entering. Exceptuando esa escena y el personaje de Martin Freeman, no hay nada. Ok, "personaje". Es el mejor amigo y socio del protagonista. Ésa es toda la descripción, y seguro que Minghella no tuvo ninguna otra visión más profunda.

Suma un par de puntos también por la inclusión de muchos movimientos de esa cosa rara que es el parkour. El ladroncito que motiva a Law a liderar la trama sin sentido ni sensatez, se mueve por el paisaje urbano como un acróbata profesional, aprovechando cualquier ladrillo, poste o toldo. El parkour, no me pregunten, así llaman a la práctica esa, es algo lindo de ver. No hace a la película, pero si la afirma un poco.

Después de dos horas, lo único indiscutible y certero con lo que nos deja Breaking and Entering, es una perniciosa noción de que Jude Law tiene un fetiche por las mujeres con hijos problemáticos de otros hombres. Si lo comparten, les va a encantar. Sino, algo de cianuro es el bocadillo recomendado.

5/10 J (cinco de diez Jorgitos)

Próximamente:

The Godfather: Part II

Indigènes

2007-06-23T22:58:00.000-03:00

Título: Indigènes

Probable título en español: "Combate"

Director: Rachid Bouchareb

Guión: Rachid Bouchareb, Olivier Lorelle

Elenco: Roschdy Zem, Samy Naceri, Jamel Debbouze

Género: drama, historia, guerra

Año: 2006

Momento de conocimiento trivial: cuántas películas bélicas existen? O lo que sería más fácil de responder, e incluso más vendría al caso de indigènes e, irónicamente, incontables otros proyectos: cuántas historias para películas bélicas existen? Mientras la respuesta a la primer pregunta es elusiva, la segunda se responde con bastante facilidad, dependiendo de quién esté respondiendo. Un par de historias, como mucho. Estemos en la guerra que estemos, parece que históricamente hay poco espacio para creatividad en films del género.

Roschdy Zem (Le Petit lieutenant), Samy Naceri (Bab el Web) y Jamel Debbouze (Angel-A) interpretan a un grupo de fracasados pobres miserables norafricanos que se ofrecen como carne de sacrificio para que Francia los use en la Segunda Guerra Mundial. Todos distintos, pero con el mismo propósito. Buscan más que nada ser aceptados como franceses, en el país que ellos consideran la madre patria aunque nunca en su bendita vida lo vieron. Escenas típicas bélicas siguen.

Indigènes puede satisfacer a todos. Por un lado, tiene suficiente melodrama para que se le agüen los ojos a una chica adolescente. Por el otro, tiene suficiente acción para que los chicos adolescentes estén pegados al asiento. El resto, también disfruta eso, aunque no lo admita, y de paso puede fingir que le interesaba el contexto histórico. Lo que quiero que quede claro es que a pesar de ser una película que muchos vamos a tener que ver con subtítulos, no le envidia las secuencias de acción a nadie. Literalmente, van de buenas a excelentes y en orden cronológico. El enfrentamiento final de los protagonistas contra un grupete de nazis desubicados, es perfecto.

Lo cual no significa que el resto de Indigènes también lo sea. El mencionado melodrama y contexto histórico están presentes, y son efectivos. Pero no mucho más. Lo que es peor, uno está consciente del obvio propósito de muchas escenas, y es casi seguro que en algún lado escucharon todo el lío que se armó en Francia con las pensiones de estos muchachos norafricanos cuando estrenaron la película. Les pagaron. Ahora, cuando el cine afecta política, lamentablemente se vuelve política. Nada en contra de Indigènes, pero por ahí hubiese estado mejor verla antes que se volviera un medio para una causa.

Esa última escena de combate que mencioné, contra los nazis desubicados, es perfecta. Perfecta como escena de acción. Pero ilustra muy bien algo que siempre me molestó en las películas bélicas, y es que se nos pide mucho compromiso emocional con unos muchachos que ofrecieron sus servicios como maquinitas de matar, por un cheque deprimente y un sentido de patriotismo demasiado hinchado. Especialmente en Indigènes, tenemos gente peleando por Francia, cuando Francia los trata como perros enfermos. En la escena en cuestión, los protagonistas principales son por unos momentos los únicos representantes del ejército francés en un pintoresco pueblito. Los pocos civiles están escondidos, y llegan marchando un par de docenas de alemanes. Como mucho. Ninguno de los cuales es Hitler, ni el asistente. O sea, es muy frustrante ver hombres grandes dispararse mutuamente por motivos que ni ellos mismos llegan a comprender. Son peones voluntarios, y en todas estas cintas de guerra, glorificados. Me cuesta soportar esa contradicción como espectador de un drama serio. Como comepochoclos mirando una película de acción, la paso genial.

Samy Naceri se lleva el premio a "actor francés que no es desconocido pero que yo no conocía y es porque soy un baboso que casi nunca mira cine europeo". Es de esperarse, no hubo muchos nominados este año. Naceri tiene el privilegio de interpretar al único personaje entre los principales que tiene sentido. Es decir, que no es un muchachito enceguecido por sueños de patria francesa y hermandad entre hombres. El tipo quiere su sueldo, y meter mano de vez en cuando en los bolsillos de algún que otro cadáver enemigo para vender relojes y medallas. Con eso planea una vida mejor, que incluye casar al hermano, que lo acompaña constantemente en marcha y batalla. Ahora, eso sí puedo entenderlo.

He desarrollado una teoría. La única razón por la que todavía nadie empezó la Tercera Guerra Mundial, es porque todavía nos quedan películas que hacer sobre la Segunda Guerra Mundial. A la primera la vienen dejando de lado, pero la segunda sigue produciendo año tras años. Nadie quiere dividir a las audiencias, así que hasta que no terminen con las películas, no va a haber tercera. Puede que me equivoque.

Indigènes sufre por eso, aporta un componente nuevo, pero nada más. Y ni siquiera un componente que no hayamos visto antes, vestido distinto. La película saca bastante combustible de las tensiones entre africanos y europeos. Es cierto, es interesante y dudo que haya sido retratado en cine hasta el cansancio. Pero bueno, a fin de cuentas es sobre discriminación, detalle más, detalle menos. Y si pasa un día entero en que no veo un episodio de una serie, o una película, o una historia en el noticiero sobre un caso de discriminación, es un día que me quedé dormido.

Vengo diciendo, Indigènes es una película bélica efectiva. Nada más, pero nada menos. También efectivo es el drama entre los protagonistas, que no innovan a menos que consideremos innovador al soldado ratero de Naceri. Diría inusual, pero difícilmente innovador. Dejado él de lado - aunque cuando es momento de hacerse el macho por la patria, lo hace... por el hermano - el resto es un conjunto variado de jóvenes nobles, de familias paupérrimas, con aspiraciones idílicas. Nadie quiere que les vaya mal, pero en el mundo real gente así no es la regla, y que les vaya bien mucho menos.

Se aprecian los títulos entre escenas, que nos avisan el lugar y la época en que está sucediendo la acción. Por si alguien no se hubiera dado cuenta que la cosa pasaba en la década de 1940 en Europa. Como me hubiera sido mi casa. Sin duda alguna.

En fin, Indigènes es una buena película de guerra, para la gente que le gustan las películas de guerra. Si les molesta el patriotismo inentendible o las batallas entre muchachitos uniformados, entonces busquen otra opción para el sábado a la noche. Pero si guerra quieren, guerra tendrán. No los va a decepcionar. Yo pasé un buen rato, y me olvidé a las dos horas.

7/10 J (siete de diez Jorgitos)

Próximamente:

Breaking and Entering

The Time Machine

2007-06-19T19:42:00.000-03:00

Título: The Time Machine

Probable título en español: "A Través del Tiempo"

Director: Simon Wells

Guión: David Duncan, John Logan

Elenco: Guy Pearce, Jeremy Irons, Orlando Jones

Género: ciencia ficción, aventura, acción

Año: 2002

Es un milagro que se produzcan películas sin material fuente, ya sean novelas, cuentos cortos, artículos periodísticos, hechos reales, juguetes, obras de arte, tatuajes vistos al pasar, series de televisión canceladas o e-mails en cadena. Muchísimas veces uno ni se da cuenta. Especialmente cuando no está familiarizado con este material fuente. Así que aviso, no leí la novela de H.G. Wells, aunque tengo ganas. Igualmente, The Time Machine difícilmente tiene altas aspiraciones literarias. Lo cual trabaja a su favor.

Guy Pearce (The Count of Monte Cristo) logra parecer intelectual por unos minutos. Sufre una pérdida personal, y para repararla, por supuesto se pasa cuatro años diseñando una máquina funcional para transportarlo a través del tiempo. O sea, tiene una crisis psicótica, pero con mucha mucha suerte. La cosa es que termina yendo al futuro, porque nadie puede resistirse a ese viajecito. Ahí conoce a un holograma de Orlando Jones (Unbakeable) que le da unas lecciones de historia, también conocidas como "conveniente exposición" y eventualmente a Jeremy Irons (The Fourth Angel) bajo muchísimo maquillaje gótico.

Guy Pearce podría estar vestido de teléfono celular y recitando pasajes de la Biblia en el hebreo original, y sería una actuación fascinante. Este tipo no sabe cómo no actuar. Es una potencia. The Time Machine es contada casi enteramente desde su perspectiva, y gracias a las divinidades de turno, porque si alguien puede llevar una película entera es Guy Pearce. Si no le pagaran tanto, estaría inclinado a mandarle donaciones. Pasa sin mucho esfuerzo de un científico tímido y distraído, a un científico obsesionado y fascinado, a un héroe de acción que se olvida por completo que era científico. Bueno, lo último no es el toque más genial del film, pero con Pearce en la delantera, ni nos damos cuenta.

Toda película sobre viajes en el tiempo que se respete tiene que decidir su mecánica. Con sólo pensar en 12 Monkeys me cae la baba y me sube la fiebre. Claro que The Time Machine no tiene ese nivel de coherencia interna y misterio absurdo. Lo que sí tiene es una visión muy steampunk de las cosas que no le queda mal. Hay momentos para vestirse de smoking, y otros en los que una remera casual y cómoda no es cuestionada. The Time Machine está cómoda en ese aspecto, tratando de responder por qué el personaje principal no puede alterar la historia. En eso no tiene un éxito abrumador, especialmente cuando sí la cambia, al menos en detalle. Pero parece que no se suscriben a la vieja idea que matar un mosquito cambia todo. Por suerte, en realidad uno se olvida de esa pregunta, que supuestamente es el motivo del viaje entero. Resulta ser casi la definición de "excusa para embarcarnos en una aventura bastante entretenida".

Hablando de la trama, y todo lo que esto conlleva, no apesta. Todo lo que hace el personaje sí tiene un motivo. La cosa es que no está demasiado presente. Y con el tono en general de The Time Machine, con la misma idea de viajar en el tiempo, el motivo tan serio de la pérdida personal, es superfluo. Muy bien por ponerlo en la mezcla, pero si cualquier persona pensara que con suficiente trabajo, en unos años puede diseñar una máquina del tiempo, con o sin motivo directo, la diseñaría. Aunque sea para ganar la lotería un par de veces. Es justamente este motivo, preciso y olvidado, aunque reiterado en acción y no diálogo, lo que hace notar que la historia se mueve a un paso lo bastante vertiginoso como para nunca aburrir. Ese pecado jamás es cometido, y es uno de los mortales para el cine.

La dirección de Wells (The Prince of Egypt), especialmente en las escenas que involucran a la titular máquina y la gráfica y preciosa manera en que funciona, es un toque bienvenido. Este hombre sabe cómo retratar grandeza y trabajar con efectos especiales, lo que no significa que entorpezca los momentos más calmados. Hay algunos toques trillados que pueden resultar molestos, pero afortunadamente no se multiplican fuera de control.

The Time Machine empieza en el pasado, continúa por el futuro, y después se va muy al futuro. Siempre que uno está lidiando creativamente con la posibilidad de escribir historia antes que suceda, hay margen de exageración. Después de todo, yo sigo esperando mi coche volador, representaciones futurísticas de principios de siglo. Nadie más se siente traicionado? Nadie más se pregunta cómo se controlaría el trñáfico? Pero me alejo del punto. La cosa es que si confiamos en esta película, vamos a tener problemas pronto. Siempre me asombra que los autores escojan fechas tan cercanas para eventos cataclísmicos. Casi ni se dan oportunidad. Esto no molesta demasiado en The Time Machine, en gran parte porque todo se ve a través de los ojos de un protagonista del siglo IXX. Así que ficcionalmente, sí se dan bastante tiempo para margen de error de predicción falsa.

Entiendo que hay un número de escenas que no llegaron a la película, aunque sí aparecieron en varios avances, donde se mostraba el espectáculo del futuro en menor intensidad. Esto es, habría intervalos donde se ven construcciones previas a las futuristas en mayor detalle. Lo cual de haber llegado a aparecer en la versión final, hubiese sido una lástima, porque The Time Machine se beneficia por la velocidad con que asombra visualmente. Todo el film tiene una actitud épica, aunque su escala sea considerablemente menor. Más escenas con paisajes y situaciones menos impresionantes hubiesen sido un error que podría haber disminuido la gracia de los procedimientos.

Ah, si no me equivoco, The Time Machine, y otras adaptaciones de la misma obra de Wells, son las únicas películas que ofrecen datos sobre cómo pueden andar las cosas en el siglo 8028. Así que para ustedes, curiosos, eso puede ser un incentivo.

La música, compuesta por Klaus Badelt (Teknolust), es de tal calidad que vale la pena acordarse el nombre de este muchacho. La grandiosidad con que trata los momentos grandiosos, y la ternura con la que se acerca a los momentos más íntimos, es un trabajo clásico que pasa a través de todas las proporciones imaginables. Uno empieza a sospechar que tiene una orquesta escondida en la casa. Yo nada más encontré una misteriosa cuerda de violín en el botiquín. Seguro no tenía nada que ver. La cosa es que la música hace que a uno se le hinche el pecho con suspenso y emoción, cómo sucede con aventuras épicas clásicas. Definitivamente aporta mucho a The Time Machine.

Ahora, para ser 90 minutos de entretenimiento sin pretensiones filosóficas, The Time Machine cumple con las expectativas. Si estuviéramos buscando una exporación innovadora de la mecánica del viaje en el tiempo y las implicaciones reales y morales, o personajes desarrollados, en vez de efectos especiales y buenas secuencias de acción, deberíamos buscar alguna otra alternativa. Y tampoco se recomienda ver The Time Machine muchas veces... yo cometí ese error. No esperen impactantes revelaciones, y disfruten los momentos de mayor velocidad, que son irrepetibles. Y no se la pierdan, tampoco. Porque tiene bastante que ofrecer.

9/10 J (nueve de diez Jorgitos)

Próximamente:

Indigènes

The Painted Veil

2007-06-12T16:51:00.000-03:00

Título: The Painted Veil

Probable título en español: "El Viaje del Rencor"

Director: John Curran

Guión: Ron Nyswaner

Elenco: Naomi Watts, Edward Norton, Liev Schreiber

Género: drama, romance

Año: 2006

De vez en cuando aparece una película que si no fuera por la definición y el elenco, uno juraría salió directamente de principios de siglo. Sí, puede que, como The Painted Veil, esté ambientada en esa precisa época. Y basada en una novela que si no me equivoco publicó su primera edición, ilustrada en las paredes de una caverna. Pero aun así, podría haber sido un ejercicio en modernidad, a menudo sucede. Sin embargo, ésta es una de esas cosas que ya casi nunca se hacen. Una adaptación con aspiraciones clásicas muy bien logradas.

Naomi Watts (King Kong) sigue probando que nunca en su vida va a verse mayor que veinte años menor de lo que en realidad es, interpretando a una muchacha solterona según los standards británicos de de la década de 1920. De capricho inmaduro para escaparse de la molesta familia, se casa con un aburrido médico muy parecido a Edward Norton (The Illusionist), que le propone matrimonio antes de tener que regresar a su trabajo en la capital china. Allá se la lleva entonces, y por casualidad, le termina presentando al personaje de Liev Schreiber (Oil Storm), un señor con mayor encanto que el predecible médico de Norton. Pobre médico es engañado, se enoja, y para joder a la esposa se la lleva a una aldea rural china donde él planea estudiar una epidemia de cólera y ella puede aburrirse como dios manda.

Una advertencia para la gente en extremo sensible como yo. En The Painted Veil hay monjas. Monjas por doquier, comprando niños chinos pobres para cristianizarlos. Sí, seguramente morirían rápido como adición a familias numerosas, pero la alternativa parece ser vivir con monjas. La cosa es que me asustan las monjas, con sus votos de castidad y pobreza y sus hábitos largos. Seguro esconden de todo ahí abajo. Horrores indescriptibles.

La película basa su trama en el rencor. El personaje de Edward Norton se ofrece de voluntario para ir a la aldea enferma, y le da la opción a la mujer de ir con él, o sufrir un humillante y público divorcio. Lo genial es la exploración de los personajes. The Painted Veil trabaja con estereotipos, Naomi Watts sería insoportable si no fuera porque es encantadora. Su personaje es una jovencita inmadura y malcriada, agradable en modestas dosis pero irritante sin moderación. El médico de Norton es menos espontáneo que un reloj atómico, un profesional tímido y callado. Y lo poco que nos enteramos del amante de la señora, es que hace bien su trabajo y es un reconocido mujeriego. El típico hombre que maniobra sus días a través de la sociedad respetablemente para poder pasar sus noches tranquilo violando todos los preceptos que en la jornada pretendió apoyar y defender. Es en la calma con la que vamos conociendo a esta gente que The Painted Veil triunfa. Los giros en la historia son tan vertiginosos como las cruvas de una regla. Lo que cuenta son los personajes, y como nunca se manejan con absolutos, del mismo modo que una persona de verdad. No sólo eso, entre ellos lo relativo siempre es distinto, se demuestra cómo nunca hay dos perspectivas coincidentes.

Es asombroso cómo The Painted Veil exprime tanto de tan poco. Igual que una de esas películas clásicas, o novelas rusas románticas, los personajes son simples pero desarrollados tanto como gente en serio. Todo sirve un propósito, y un propósito evidente. Los niñitos chinos no sólo insinúan que parejas casadas deben formar familia, se quieran o no, sino que están ahí para acentuar la compasión provocada por la aldea con cólera. Los adultos chinos son tan antagonistas que no elicitan el mismo efecto de los infantes inocentes. Las monjas son apoyo y obvio punto en común de los dos protagonistas. Ella necesita algo que hacer con sus días, él las tiene para que lo ayuden caritativamente con su trabajo. El vecino británico es una alternativa alegre y despreocupada a la deprimente interacción entre el resto del elenco.

Se destaca, cosa extraña porque a menudo pasa desapercibida, la cinematografía. Los tonos en la China rural son exóticos y a la vez hostiles, de algún modo incómodos, comparados con las breves pero seguras escenas en la civilización. Este aspecto refleja sin error lo que atraviesan los protagonistas, de vuelta ambos sufriendo el mismo sentido de peligro y desubicación, pero cada uno por su lado.

The Painted Veil recibió premios entre otras cosas por su banda sonora, incluido el Golden Globe, al que le tengo bastante respeto. De esto no cabe duda: la música es preciosa, siempre en tono con lo que sucede, y en ocasión hasta más interesante que la porción visual. Especialmente al principio, en la fiesta donde Watts pasa de largo a Norton, la música vale más que las imágenes, y al final, justo antes del epílogo, cuando tenemos el privilegio de oír una encantadora y dulce canción francesa.

Puede ser un film difícil de conseguir, desafortunadamente, dependiendo en qué región se encuentren. Tuvo estreno limitado y quedó enterrado entre ofertas del mismo calibre pero con mayor prestigio y publicidad. Es una lástima. Se puede encontrar, seguro, pero casi nadie va a tropezarse con The Painted Veil por ahí, y mucho menos verlo promocionado sin cesar en ninguna parte. Mucho peor, me acabo de fijar y creo que ni apareció acá en Argentina. Me tengo que mudar.

El crédito por la genialidad de esta adaptación va probablemente al buen señor Ron Nyswaner (Filthy Gorgeous), que escribió un guión impecable. Nunca aburre, nunca exagera, cualquier indirecta, por más directas que sea, nunca lo es por completo. Si bien las caracterizaciones son trilladas, lo son debidamente, para tratar un tema que ya casi nunca se ve en el cine actual. Una especie de desilusión inevitable, la desconexión natural que sufren las personas que piensan pueden conectarse entre ellas. Con medios ordinarios, Nyswaner consguió un fin complejo y justificadísimo.

The Painted Veil jamás aburre, y promete mucho menos de lo que entrega, lo cual es fabuloso e inusual. Llega a la extraña y certera conclusión de que el amor puro y eterno es privilegio de seres divinos. Los seres humanos nos tenemos que conformar con el frágil amor circunstancial, y convencernos de que es igual de significante. Ah, y encima seguro le encanta a las mujeres. No se pueden quejar, hay algo para todos. Una película que vale la pena ver en repetidas ocasiones.

8/10 J (ocho de diez Jorgitos)

Próximamente:

The Time Machine

28 Days

2007-06-11T18:49:00.000-03:00

Título: 28 Days

Probable título en español: "Un Mes de Sobriedad"

Director: Betty Thomas

Guión: Susannah Grant

Elenco: Sandra Bullock, Viggo Mortensen, Dominic West

Género: drama

Año: 2000

Qué se puede decir de 28 Days sin menospreciar un tema tan fértil como la adicción. Se puede decir, tal vez, que por cada excelente exploración de un tópico interesante, hay cosas como esta película, que se esfuerzan casi expresamente para hacer quedar mal a todos los participantes. No tanto, Sandra Bullock seguro se creía que estaba haciendo algo serio. El problema con 28 Days es que es un insoportable sermón de más de 100 minutos. Y lo único que hace es solidifcar el concepto de que aquél con pocos vicios, no tiene demasiadas virtudes.

Sandra Bullock (Forces of Nature) hace su mejor imitación de actriz como una escritora que ni sabemos qué escribe, que tiene un romance apasionado con los espíritus del licor. Vive una vida de excesos con su novio, británico decadente Dominic West (Out of Hours), hasta que estrella un coche contra una casa, borracha y en ropa interior. Aunque el público demandaría unos días en la cárcel del pueblo si fuera verdad, como es la querida Sandrita la mandan a rehabilitación. En uno de los centros más preciosos que jamás se haya visto. Donde lo único que tiene que hacer es no beber ni drogarse por cuatro semanas, y pasarla bien con gente simpática, jugar con caballitos, esas cosas terapéuticas. Si se lo aguanta puede volver a tomar cuando salga. Pero no, hay lecciones que aprender, guapos extraños que conocer también, por algo Viggo Mortensen (A Perfect Murder) hace voto de presencia. Bueno, ustedes se imaginan.

28 Days se confunde. Tiene los elementos para ser un drama, quiere ser un drama, trata de proponer tragedias, conflictos humanos, fundamentos inevitables. En cambio, nos confronta con la difícil vida de un simpático homosexual alemán y otras yerbas sacadas del horno donde se cocinan las sitcoms de la década pasada. Es más, si se descuida, puede hasta hacer un buen chiste. Cuando el drama y la comedia se funden, es el mejor logro narrativo que puede esperarse. Después de todo, pocas vidas son pura tragedia, y muchas menos son nada más que comedia. Ahora, cuando en vez de fundirse combaten, se rinden intermitentemente para cederle paso al otro, o se van los dos y le dan la bienvenida al aburrimiento, no estamos ante algo narrativamente exitoso.

Son los personajes los que causan esto. Las situaciones, extrayendo la mencionada terapia equina y alguna que otra más, no son tradicionalmente hilarantes. Pero cuando Sandrita llega a rehabilitación, se encuentra con todo un grupo de estereotipos cómicos. Cada personalidad exagerada lo suficiente para que sea imposible tomarla en serio. Hasta la protagonista en realidad, aunque sea ella la única que también tiene estereotipos dramáticos. Ah, no, claro, está la adolescente morocha con mala vida familiar que se corta porque así "duele menos". Un artículo de Cosmopolitan tiene más profundidad.

Hay que admitir, antes que me caratulen de amargo, 28 Days tiene un mensaje adorable. Es como una fuente romana llena de cachorritos juguetones con un coro de ángeles en el fondo sentados sobre un arco iris. Si abusan de cualquier sustancia, les conviene recuperarse. Eso es lo que pretende decirnos la película, como muchas otras, excepto que ésta no lo susurra al oído, ni muestra los horrores de la adicción. En cambio, lo escribe con letras mayúsculas en una pancarta y la cuelga detrás de un avión, y nos muestra lo divertido que puede ser estar con amigos en rehabilitación. POrque eso es lo que se ve, rehabilitación. Sandrita vomita un poco, tiembla un par de noches, y ya está. El resto es joda. Muy noble la cosa. Quizás demasiado.

La dirección de Betty Thomas (Dr. Dolittle) es completamente inofensiva, excepto cuando manda algún que otro flashback, siempre desde la perspectiva de Sandrita. Como para que nos demos cuenta del cambio temporal, pone todo en filtros sepia, y ángulos infantiles. Y antes de la rehabilitación, cuando Sandrita está borracha, también, no hay epiléptico que se salve. Todavía veo lucecitas. Susannah Grant (Ever After) nos otorga un guión incorrecto. Se equivocó. Quería escribir un buen drama, y empezó por el final. Todo parece un epílogo aburrido de una historia divertida. Ah, y esos flashbacks en sepia, son mayormente de la madre borracha de la protagonista borracha. Entienden? Entienden? Porque la madre tomaba, la nena qué hace? Toma! Qué loco, che. Más excusas traumála con violaciones o palizas del marido. El elenco lo encabeza Sandra Bullock. O sea, bien podría ser una obra de escuela primaria. Ella trata de salirse de las comedias románticas, y termina haciendo una comedia romántica en rehabilitación. Es medio irónico. Viggo Mortensen aparece poco, haciendo de un jugador de baseball mujeriego. Con algo tenía que pagar el alquiler antes de Lord of the Rings. Y Dominic West es el exagerado novio de Sandrita que tiene la suerte de no ir a rehabilitación. A todo esto, es el malo de la película, porque se la pasa ebrio y de buen humor. Énfasis en buen humor. Malvadísimo, vieron. A mí me pareció el único simpático y honesto, pero bueno, no importa. Lo que importa es que éste también estaba pagando el alquiler antes de hacer 300.

Uno de los problemas también es el tema. Se pide demasiada compasión de la audiencia, cuando lo que estamos viendo es gente que decidió hacerse daño a sí misma. El suicidio, por lento que sea, es voluntario. Es como cometer un crimen. Uh, mató a alguien y está en prisión, pobrecito. Se emborrachó y tiró abajo una pared ajena, y ahora está en rehabilitación, pobrecito. A algunos nos cuesta no otorgar responsabilidad de vez en cuando. Por algo tenemos discernimiento. Excepto cuando estamos borrachos. Je, más ironía. Lástima que no estaba en 28 Days.

Claro, también pasa que esta gente está en rehabilitación. Que es la consecuencia más dura y horrible que puede experimentar un adicto. No, esperen. Eso es morir indigente en algún callejón, o tener que combatir la abstinencia en la cárcel mientras un gordo te amenaza el traserito. Lo mejor que le puede pasar a un adicto es terminar en rehabilitación, en un establecimiento limpísimo, precioso, con todas las comodidades, comida, compañía... es frustrante, la verdad, pasar 100 minutos con Sandrita quejándose cuando está mejor que el resto del mundo. Si ése fuera el mensaje de la película, genial, pero no lo es. Se supone que nos dé lástima la pobre borracha hija de madre borracha con el novio borracho.

Ayudaría si todos los adictos en recuperación, al menos en 28 Days, no fueran un montón de fundamentalistas morales y extremistas en contra de todo excepto el tabaco. Los infames Doce Pasos no son más que patraña religiosa disfrazada de asistencia psicológica, los mantras, las canciones, las terapias equinas, por el amor de todo lo que es sagrado, esas cosas bastan y sobran para arruinar vidas. Parecería que rehabilitación equivale a lavado cerebral. Es el típico extremo, ya ni aceptamos bebedores sociales en nuestro pequeño club de gente amargada que vive "un día a la vez". Si ése es el caso, desperdicié más que 100 minutos en 28 Days, fue como el 7% de mi existencia. Gente demanda por menos.

Habrán notado, no tengo una alta opinión de 28 Days. Todo lo contrario. Son films de esta calaña que le dan mala fama a todo el cine norteamericano. En fin, si cuando terminan de ver esta... "película", tienen la necesidad de bajarse media botella de whisky para sacarse el mal sabor intelectual, no se sientan mal, como a 28 Days tanto le gustaría. No es la bebida del demonio. Lo que sí es, es bastante poco, van a necesitar terminarse la botella después de semejante desastre cinematográfico.

2/10 J (dos de diez Jorgitos)

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The Painted Veil

Die Höhle des gelben Hundes

2007-06-07T12:29:00.000-03:00

Título: Die Höhle des gelben Hundes

Probable título en español: "La Niña y el Perro"

Director: Byambasuren Davaa

Guión: Byambasuren Davaa

Elenco: Batchuluun Urijindorj, Buyandulam Daramdadi, Nansal Batchuluun

Género: drama

Año: 2005

Die Höhle des gelben Hundes no es una película normal. Sí, tiene guión, pero el elenco es una familia de verdad, que nunca trabajó frente a una cámara en su vida. Y la trama es muy delgada, casi no hay. No pasa nada hasta que uno está convencido de que no va a pasar nada, y se jode, porque pasa algo. Es un proyecto hermoso, y algo muy diferente. No es solamente una alternativa para los pretenciosos que no quieren ver películas entretenidas y de presupuesto millonario, es directamente una alternativa para todos. Hay muy pocas cosas que se le parezcan.

"Familia modelo sin necesidad de modelar."

El film se centra por completo en una familia nómade de Mongolia. Batchuluun Urijindorj es el padre, que atiende al rebaño y desaparece de vez en cuando para ir hasta la ciudad con una motocicleta para hacer negocios necesarios. La madre, Buyandulam Daramdadi, atiende al rebaño y a los hijos, se encarga de las tareas del hogar. La hija mayor, Nansal Batchuluun, va cada tanto hasta la ciudad para ir a la escuela, atiende al rebaño y juega sola y con su hermana y hermano menor. Un día encuentra un perrito y se lo lleva hasta la casa, que es una preciosa carpa en realidad. El padre no lo quiere, porque sospecha que estuvo con lobos y puede poner en peligro al rebaño. Y ésa es la historia.

Quién hubiera pensado que un cuento tierno sobre una nena y un perro podría ser algo tan magnífico si no lo hacía Disney? Sí, después de verla un par de veces, el perro es una metáfora muy obvia, pero no importa. Die Höhle des gelben Hundes es un film humilde, dueño de una paz de espíritu envidiable. No tiene un mensaje escrito con letras mayúsculas, a cada cual lo suyo. El perro no es un héroe indiscutible, el padre no es un mal padre, y la hija no es una hija molesta. Es un trozo de vida, vida a la que no estamos tan acostumbrados ya, al menos acá en el occidente urbano.

No sé mucho de Mongolia. Sé que es el país más grande sin fronteras marítimas. Si eso les sirve de algo. Tampoco sé mucho del cine mongol. Recién me entero que hay cine mongol. Uno asume, pero no sabe hasta que lo ve. Les puedo garantizar que no hay un solo cuadro en Die Höhle des gelben Hundes que no sea hermoso. Todo tiene lugar en el campo abierto mongol, donde hay extensísimas llanuras algo onduladas, rodeadas de montañas altas y rígidas. Sobre el tiempo para admirar el paisaje, porque la película es la definición de lento, y es imposible no
apreciarlo.

No importa en cuántos festivales de cine para la familia, o cuántos premios de cine infantil que haya ganado, Die Höhle des gelbden Hundes no es para chicos, al menos ningún chico que yo conozca. Sí, lo puede ver una familia, mientras esté compuesta de adultos responsables y relajados. La cosa es que es definitivamente lenta. No hay nada de acción ni peligro tenso. Tiene humor, pero no es una comedia, no hay chistes puntuales a la Shrek. La gracia viene de compartir las intimiades e idiosincracias de una familia real, y una de las pocas en pantalla que logra ser dulce sin ser empalagosa. Los padres son buena gente, trabajadora y tierna, y los hijos son mucho más adorables que irritantes. Tantos escritores y actores podrían aprender una cosa o dos. Los infantes se van a sofocar de aburrimiento mirando Die Höhle des gelben Hundes, no hay perrito lindo que lo salve de eso. A ellos no les van a interesar las serenas reflexiones ni los inocentes descubrimientos diarios de una nena que puede o no parecérsesle. A mí sí me interesaron, y también las extranjeras costumbres de una familia nómade cuya existencia pertenece a mi lista propia de descubrimientos diarios. Tanta globalización, tanta globalización, es refrescante ver evidencia de que algunos estilos de vida no se extinguen, se adaptan lo mejor que pueden.

Byambasuren Davaa (Die Geschichte vom weinenden Kamel) dirige esto con tanta sinceridad como su elenco de gente ordinaria sigue su dirección. Si no fuera porque la cámara casi no se mueve, podría confundírselo por un documental sin entrevistas o un video casero. El guión es algo enteramente natural, probablemente escrito con velocidad y el aporte honesto de la gente que iba a tener que recitarlo. Debe haber sido un gusto trabajar con la familia Batchuluun, que parecen vecinos soñados. Dudo que sigan por el camino de la actuación, pero ya con esto tienen asegurado un lugarcito en el buen recuerdo. Muchos actores o son figuras públicas usadas como promoción, o están tan conscientes de sus cursos de expresión dramática que no llegan a transmitir nada más que emociones genéricas. Pero la vida no usa sentimientos perfectamente etiquetados como combustible, sino que funciona con cuestiones a menudo contradictorias, y si tenemos suerte, serenas como las presentadas en Die Höhle des gelben Hundes.

Puede que no me esté explicando tan bien como quisiera, pero lo más probable es que ésta sea una de esas benditas cosas que "no son para todo el mundo". Bueno, seguramente sea ése el caso, y es una lástima. Porque Die Höhle des gelben Hundes me hizo pasar un rato placentero, entretenido, relajado, interesante y me dejó en extremo satisfecho. Ojalá haga lo mismo por ustedes, o al menos no la juzguen por el resumen de la trama. Échenle un vistazo si tienen la oportunidad, que películas así hay pocas y tardan tiempo largo en aparecer.

10/10 J (diez de diez Jorgitos)

Próximamente:

28 Days

Drive Me Crazy

2007-06-05T19:34:00.000-03:00

Título: Drive Me Crazy

Probable título en español: "Enredos del Corazón"

Director: John Schultz

Guión: Rob Thomas

Elenco: Melissa Joan Hart, Adrian Grenier, Stephen Collins

Género: comedia, drama, romance

Año: 1999

Qué emoción, una comedia romántica. No hay nada que genere mayores expectativas, que sentarse a ver una de estas grandes producciones, a las cuales les sobra tanto presupuesto como inteligencia en su análisis de las relaciones humanas. Los personajes siempre parecen tan reales, tan llenos de química y conflicto interno importante. Los giros en la trama nos mantienen pegados al sillón, pero también con cada uno crece nuestro entendimiento de los complejos procesos que tienen lugar dentro de los protagonistas, esos sutiles cambios y revelaciones con las cuales se construye un personaje coherente. Hasta la última oración, este párrafo es una de las mentiras más definitivas que he contado en casi veinte años.

Melissa Joan Hart (Sabrina, the Teenage Witch) y Adrian Grenier (The Adventures of Sebastian Cole) interpretan a un par de adolescentes, en vísperas del baile que celebra los cien años de la fundación de su escuela secundaria. Ella es una histérica que quiere controlar todo, él es un rebelde marca registrada que quiere beber café y ser existencial. Ella se queda sin pareja para el baile, a él lo deja la novia. Obviamente, tienen que fingir estar juntos para causarle celos a sus respectivos blancos románticos. Ah, y Stephen Collins (7th Heaven) tiene como dos escenas haciendo del padre ausente de la protagonista. Énfasis en ausente. Vieron, así se desarrollan personajes, carajo.

Sí, lo peor son los personajes. A eso se tiende a reducir todo. Gente encantadora en tramas mundanas entretiene, pero cuando se tiene gente que nada más es remotamente interesante cuando se emborracha, no conseguimos nada. A menos que toda la película suceda durante una fiesta cervecera o en una licorería, yo qué sé. La cosa es que ambos ella y él son gente buena, que encaja en cualquier parte y con cualquier grupo con sólo proponérselo. Ella tiene sus prioridades bien puestas, por ejemplo, rechaza un viaje a Brasil para andar en globo aerostático, porque tiene que ir al bailecito ese del centenario. Y yo rechacé una invitación a pasar Halloween en la mansión de Playboy porque tenía que lavar la ropa. No, esperen. No funciona así la cosa.

Si los personajes son insoportables, aunque sea la trama debe tener algo que ofrecer. Es más, puede que hayan estado tan ocupados diseñando una historia innovadora que derribe todas las barreras conocidas, que se olvidaron de hacer protagonistas. Pero no, tenemos gente mintiendo para poner celosos a otros. Bueno, "mintiendo". Pasando tiempo juntos. La mentira es como tácita en realidad. Uh, qué dilema moral atrapante. Uh, cuánto sarcasmo. Hay diferencia entre grupitos dentro de una escuela secundaria. Unos son populares y alegres, otros no tanto, pero igual graciosos. Todos la pasan bien, pero por algún motivo, los segundos quieren integrarse con los primeros. Aunque sean menos interesantes todavía. Y menos interesante equivale al interés que genera la tía Cecilia cuando anuncia que tiene una nueva receta para su famosísimo estofado de porotos picantes.

"Usamos la misma ropa, tenemos mentalidad de rebaño. Entienden? Entienden?"

Algo que podía haber llegado a ser buena comedia, es la interacción entre el protagonista masculino y su par de amigos, uno relajado y otro en extremo mula de la gente popular. Pasa que el primero no tiene presencia, hasta el punto de ser intercambiable por un maniquí, y el segundo no aporta absolutamente nada. Hay mucho que indica que Drive Me Crazy tiene tan poca comedia en realidad, que no es comedia romántica. Pero tantos años de ver comedias románticas que no me hacen reír, la verdad me han dejado insensible.

Hay un momento de honestidad en toda la película, pero estoy casi seguro que fue incluido por casualidad, así que ni cuenta. Resulta que el muchacho basketballista al cual el personaje de Hart le tiene puesto el ojo, se tropieza en un partido y se cae encima de una porrista. Desde ese momento, está "enamorado". Perfectamente ilustrado el espíritu de la adolescencia, aunque no haya sido intencional.

Ése es un problema intermitente. Parecería que todo el asunto está dirigido a la demográfica juvenil entre nosotros. Y me incluyo, soy joven. Sin embargo, lo único que logra con esta especificidad es trivializar cada escena. Drive Me Crazy es eso, una película trivial. Nunca hay un sentido de conflicto inevitable, todo es fabricado para que los personajes tengan algo que hacer. En vez de caer en la trampa de sobredramatizar tanto que rascarse la nariz se vuelve un acto épico, comete el error de no tener ningún momento de drama efectivo. Combinado con la arriba mencionada ausencia de comedia, y qué tenemos? Nada. Es frustrante.

Bueno, pero pongamos toda esta mediocridad propuesta en manos de un director revolucionario. Volvámonos locos. Filmemos con ángulos tan extremos que nos hagan íntimos con los lóbulos de las orejas principales. Cortemos mucho y después poco y después mucho y después poco. Y que la iluminación sea natural, así parece que los estamos espiando. O no, mejor seamos mínimamente competentes. Como televisión de bajo presupuesto, finjamos que estamos dirigiendo una telenovela diurna mexicana. Creo que esa fue la secuencia de pensamientos de John Schultz (Bandwagon) cuando estaba tratando de decidir qué estilo usar para Drive Me Crazy. Lástima.

Qué es peor que una comedia romántica común? Drive Me Crazy. Le sacamos la comedia, le sacamos el drama que es lo que debería impulsar el romance, entonces... qué queda? Hora y media de aburrimiento. Ya estaba prendiendo la luz para hacer sombras chinas antes de la primer interacción entre muchacho y muchacha. En otras palabras, mejor ver American Beauty por veinteava vez. Y quemen cualquier negocio con copias de Drive Me Crazy.

1/10 J (uno de diez Jorgitos)

Próximamente:

Die Höhle des gelben Hundes

Lake Placid

2007-05-29T17:30:00.000-03:00

Título: Lake Placid

Probable título en español: "Cocodrilo Diabólico"

Director: Steve Miner

Guión: David E. Kelley

Elenco: Bill Pullman, Bridget Fonda, Oliver Platt

Género: acción, comedia, terror, thriller

Año: 1999

Ábstenganse amargos. Creo que ésa es la advertencia más apropiada para al menos la mitad de todos los productos hollywoodenses. Por algo es la industria del entretenimiento, y si uno no quiere ser entretenido, entonces no tiene por qué contratar sus servicios. Impotentes y prostitutas son mala combinación. Eso era un poco de sabiduría popular que quería dejarles, pero veo que también viene al caso, qué buena suerte la mía. A lo que iba, Lake Placid es entretenimiento. Lo único profundo que tiene es el lago.

Bill Pullman consiguió trabajo como uno de ésos tipos que parecen oficiales de policía, pero en realidad trabajan en reservas naturales y cosas así. Guardabosques glorificados. Lógicamente, cuando parten al medio a un buzo en un apacible laguito, tiene que intervenir. Pero no sólo él, afortunadamente, o sería un poquito aburrido el unipersonal. Bridget Fonda tenía que pagarel gas, entonces hace el papel de una paleontóloga que viaja desde la gran ciudad para estudiar un misterioso colmillo y termina toda emocionada con la aventura y el señor Pullman. Y al cuarto de película, Oliver Platt aparece en un helicóptero, interpretando a un millonario excéntrico. O sea, el mismo personaje que hace siempre. Hay que admitir, ya es un experto.

Lake Placid y los críticos no se llevaron bien. Sí se llevó bien conmigo la primera vez que la vi, hace unos buenos años, por cable y a la madrugada. Es una comedia de terror, y si vamos a mezclar géneros, ésos son dos ganadores. Mejor que ser un musical de acción, no? Los elementos de comedia superan con creces a cualquier susto que pueda proporcionarnos un cocodrilo gordito, especialmente en esta época. Es decir, alguien va a ver películas de terror para asustarse todavía? No creo. Los sustos son el equivalente a que te salte de repente encima un sobrino con taquicardia inducida por azúcar: vale más no verlo venir que el factor terrorífico. Eso sí, triunfa con una cierta sensación de expectativa incómoda, en las escenas que sabemos algo va a pasar. Así que ese elemento lo tiene. Mezclado con la comedia en el guión del morboso y verboso Kelley, las cosas funcionan.

Si son amantes de los animales, sin embargo, no van a pasarla bien viendo cómo sufren las pobres vacas, osos, cocodrilos y demás. La gente tiene momentos difíciles también, pero en general salen triunfantes. No, no les arruiné la sorpresa. Es más, si Lake Placid no tiene algo entre la mezcla de géneros, es sorpresa. Ni una, eh. Y conté.

Kelley, más conocido por televisión que otra cosa, aporta un guión completamente predecible. Esto no es negativo necesariamente, porque dentro de esta predicción también se encuentra una continuidad sólida. El hecho de que se nos avise de la presencia de osos antes de ver oso alguno, habla bien de ausencia de trampas narrativas. A nadie le gusta que aparezcan osos de la nada!

Es cierto, sin embargo, que Lake Placid falla en varios aspectos, especialmente en uno importante, que es crear un sentido de urgencia. Uh, cuidado, hay terrible cocodrilo en un lago, qué peligro, solucionemos este inminente problema o sino... sino no pasa nada en realidad. Nada más nadie se meta al agua. Pero es cierto, de suceder esto en verdad, habría autoridades oficiales picando al pobre bicho constantemente hasta sacarlo. Qué raro que lo más decepcionante sea también los más verídico. Esto habla de nuestra desilusión con el mundo que nos rodea. Y no tiene nada que ver con Lake Placid. Lo que quiero decir es, si encuentran una máquina de matar en el agua, quédense en tierra y ahórrenle trabajo a la gente. Por algo no tenemos branquias. Pullman y Fonda son dos actores que tampoco hacen demasiado por construir una presencia en pantalla atrapante. Se los quiere, los conocemos, parecen buena gente, pero deberían hacer más televisión que cine. No porque sea la prima maltratada, pienso todo lo contrario. Pasa que Pullman y Fonda tienen habilidad histriónica, sólo que necesitan probablemente unas buenas diez horas para establecer personajes. Con ochenta minutos no les alcanza.

Lake Placid ese ese tipo de película que no es para todos, no porque sea tan excéntrica y absurda que solamente los críticos pretenciosos van a adorarla, por lenta y existencial. Sino porque tiene una cualidad de "tan mala que es buena". Nadie puede juzgarla en serio cuando se ríe de sí misma con bastante éxito. Es la película a la que se hace referencia entre amigos si se van de vacaciones a un lugar poco satisfactorio, cuando salen a pescar, o la que miramos una y otra vez entre chistes y hongos alucinógenos. Tuvo poco éxito, pero tendrá una larga vida.

Al igual que la carrera de Oliver Platt, genio indiscutible, gordito simpático que parece tener ácido y no sangre en las venas, siempre lleno de energía, hablando tan rápido que no se le entiende, pero si lo ponemos en cámara lenta su discurso está repleto de coherencia y creatividad. Sí, es el mismo personaje desde que empezó a actuar, pero un personaje necesario, bienvenido y perfectamente diseñado tras tanto interpretarlo. Entre las actuaciones algo delgadas de Pullman y Fonda, Pratt es aire fresco.

En conclusión, Lake Placid es un film para apagar las luces y las neuronas críticas, agarrar algunos bocadillos, quizás algo de licor, un par de amigos y pasar un buen rato sin pensar en como nos van a matar los terroristas que financió el gobierno, o qué deprimente es la existencia del ser humano con esta maldita consciencia de sí mismo. Es decir, diviértanse o vayan a otro lado. Yo me divertí, y estoy seguro que ustedes también pueden.

7/10 J (siete de diez Jorgitos)

Próximamente:

Drive Me Crazy (me parece)

X-Men

2007-05-17T19:17:00.000-03:00

Título: X-Men

Probable título en español: "Ex Hombres: La Película"

Director: Bryan Singer

Guión: David Hayter

Elenco: Hugh Jackman, Patrick Stewart, Ian McKellen

Género: acción, aventura, ciencia ficción, thriller

Año: 2000

Éste es el progenitor de los nuevos. El siglo XXI abrió bien para las adaptaciones de comics. En un ambiente donde la gente seria y responsable toma como ejemplo de falta de madurez cualquier interés en lo fantástico, X-Men fue y cambió opiniones, o al menos probó lo contrario. Y en el mismo ambiente, millones de personas estaban seguras que con efectos especiales y personajes de historieta no podía haber drama que valiera la pena. Bueno, también estaban equivocados.

Hugh Jackman (Oklahoma!) se ganó la lotería actoral para encarnar al icónico Logan, mutante sufrido si los hay. En esta ocasión termina uniéndose al personaje de Patrick Stewart (A Christmas Carol), mutante poderoso si los hay. Logan se incorpora a la institución que ayuda a mutantes jóvenes, y eventualmente al equipo que protege a la comunidad de mutantes violentos. Mutantes violentos como el que interpreta Ian McKellen (Cirque du Soleil: Journey of Man), que casi no parece ridículo con la capa de Magneto. Como verán, mucha mutación.

Son los efectos especiales lo primero que se nota en realidad. Ya sé, allá arriba estaba hablando de sustancia, pero no se me amarguen. Todo contribuye. Si quiero ver a un muchacho producir una rosa de hielo de la nada, y en una escena dejar sentada continuidad para dos película que siguen a ésta, lo voy a hacer. Y si el mundo tiene tiempo para entretenerse un rato, va a hacer lo mismo. De paso disfrutando ver cómo la piel de Hugh Jackman, cuyo personaje es capaz de regenerarse tras cualquier herida, se abre y se cierra constantemente. O también cómo Magneto se pone malo y hace sandwiches de coches patrulleros. Es decir, si los productores no iban a usar los 75 millones de dólares que tenían de presupuesto para alimentar huérfanos o financiar estudios médicos, por lo menos pusieron su dinero en algo interesante.

Como dije antes, Hugh Jackman se ganó la lotería. Sin duda alguna el personaje más popular de la saga de X-Men, y uno de los más interesantes también, quienquiera interpretara a Logan en una adaptación modestamente exitosa sería una estrella indiscutida. Ni hablar si la película tenía éxito, y generaba secuelas. Mucho menos si el sujeto terminaba siendo alguien como Jackman, que nació para dejarse crecer el pelo y la barba, y romper todo. Pero sin gozarlo demasiado.

La cuestión que dificulta discutir este tipo de películas, es el asunto del material fuente. Algunos ni lo conoce, otros le tienen cariño, y a otros les obsesiona. Nótese que aquéllos que lo conocen y aborrecen son minoría oculta. Entonces, yo me encuentro en el campo de los aficionados encariñados. No un fanático empedernido, tampoco un obrero sexagenario retirado. Sin embargo, el trato que se le da a ciertos personajes que en el comic tuvieron su momento de fama, no es adecuado. Acá pasan como extras con mucho maquillaje. En realidad son personajes desarrollados, repletos de historia y potencial narrativo. Lo mismo se repite en las continuaciones: se utiliza como recursos a personajes que deberían ser protagonistas. Es una lástima. A veces estaría mejor que ni aparecieran, en vez de hacer voto de presencia para desperdiciarse como villanos de stock. Sin duda alguna, los efectos especiales se destacan. Secuencias de acción, una en una estación de trenes y otra en la Estatua de la Libertad, quedan para la biblioteca de la memoria como las mejores logradas del film. Le hacen honor al espíritu de los comics en el aspecto de la aventura, mientras el resto hace honor al drama.

Hablando de drama, hay algo en X-Men, esta primera de la franquicia, que les falta a las otras dos. La relación entre el personaje de Jackman y el de la maravillosa Anna Paquin, que interpreta a una adolescente incapaz de tocar a alguien sin drenar su energía, es el corazón de la película. Y cuando digo "corazón", no hablo de ternura, ni lecciones morales, ni cachorritos flotando sobre nubes de caramelo. Hablo de una de las relaciones humanas más sensatas que pueden verse en pantalla, especialmente en proyectos de esta envergadura presupuestaria, que tantos asumen ponen todo recurso en cegarnos con visuales espectaculares, cuando en realidad cada tanto nos abren los ojos con demostraciones de entendimiento literario completamente realizado. No es que los personajes de Jackman y Paquin desaparezcan en las secuelas, pero no tienen el peso en conjunto que llevan con tanta gracia en la X-Men original. Mucho se ha dicho desde los comics y hasta las películas sobre la historia de los mutantes en X-Men tomando múltiples líneas paralelas con asuntos concernientes a la homosexualidad. Desde quienes ocultan su mutación, hasta quienes la creen enfermedad, y cosas así. Para algunos, esto suma a la historia una capa de seriedad y relevancia que la eleva sobre lo que podría haber sido. Para otros, es comentario liberal disfrazado de entretenimiento, y habría que quemarlo junto con los herejes libros de ese brujo Harry Potter. Para el resto, entre los que me incluyo, no podría importar menos. Mientras más evidente sea la intención, más me preocupo del mundo real y no de la historia en la que debería estar sumergiéndome. Para ni mencionar que X-Men siempre ha tratado con la discriminación en general, así que limitarlo a la homosexualidad es bastante prejuicioso de por sí.

Muy bien, para completar el círculo vicioso, X-Men es el progenitor de las buenas películas basadas en comics que nos trajo este cuestionable y joven siglo. Como progenitor, merece su porción de crédito, pero no se confundan. Fue seguido por X2, que lo superó técnica y narrativamente. Y luego por The Last Stand, que está compuesta por 90 de los minutos más impactantemente entretenidos que se pueden experimentar. X-Men es genial como introducción, con una historia que depende por completo de presentar personajes desarrollados e interesantes, pero que no se sostiene sola por mucho más que hilos delgados. Todo lo que le sigue es, en una capacidad u otra, mejor. En un mundo ideal, no existirían estas comparaciones, pero como aprendimos de la película misma, o si somos gente decente en carne propia, no vivimos en un mundo ideal. Así que X-Men hay que verla, aunque sea para disfrutar por completo de las maravillas que le siguieron luego. Pero tampoco hay que volverse loco y tatuarse la tapa del DVD en el torso.

8/10 J (ocho de diez Jorgitos)

Próximamente:

Lake Placid (si no me equivoco)

Barnyard

2007-05-15T23:25:00.000-03:00

Título: Barnyard

Probable título en español: "Granero: Vacas Locas"

Director: Steve Oedekerk

Guión: Steve Oedekerk

Elenco: Kevin James, Courteney Cox, Sam Elliot

Género: animación, comedia, familia

Año: 2006

Después de un breve renacimiento con la tercera dimensión, en la forma de gemas como Toy Story y Finding Nemo, la animación se puso perezosa. Realizadores hollywoodenses regresaron a las viejas fórmulas de antropomorfizar animales, imponer algún valor vigente en forma de moraleja y producir proyectos pasajeros, sin personalidad ni espíritu propio. Bueno, Barnyard no es tan terrible, pero tampoco es algo que no hayamos visto antes.

Kevin james presta su voz a una vaca... o un toro... no, no, dice vaca en los créditos. Ok, a una vaca macho, asumimos, que tiene que responsabilizarse por los animales de una granja cuando su padre, con el grave tono de Sam Elliot, se encuentra con el inevitable destino de los padres en las películas de animación. En el camino se acerca a una vaca embarazada de otro, para entablar obligatoria relación romántica y darle trabajo a Courteney Cox.

Qué buena música. Nuevamente, no es nada original, pero nunca un banjo sonó tan bien como en Barnyard. Sí, un banjo. Resulta que estos animales de granja tienen cultura granjera. Poco atractivo e higiénico en la vida real, pero con colores brillantes, canciones llenas de ritmo y una animación decente, no se ve nada mal. Algo que ayuda a pasar el tiempo es que el protagonista, con la perfecta voz de Kevin James que debería hacer mucha más animación, es una vaca divertida. Y no, no acabo de decir que Kevin James es grotescamente feo, dejen de asumir lo peor. A lo que iba, si bien todo el mensaje de la película, obviamente, es que hay que tomar responsabilidad y no estar siempre de fiesta, si en algún momento me encuentro en una situación donde debo escoger una vaca animada para que me acompañe a pasar el rato, elegiría a la de Barnyard. Me perturbarían las ubres como a absolutamente todo el mundo desde que vieron los benditos avances, eso sí. Probablemente conozcan esta película por su nombre informal, adoptado por muchos espectadores: "la de los toros que no son toros porque tienen ubres". Y dios que están ahí las ubres. No me perturbaron tanto por ser una imposibilidad natural, sino por estar todo el tiempo ahí, rebotando en la pantalla. Es como ver los genitales de Bambi.

El elenco entero hace un trabajo decente. A James le sale completamente natural el personaje, y podría escucharlo toda la vida. Tiene una ligereza verbal envidiable. Courteney Cox tiene menos líneas de diálogo en la película que de cocaína en el trailer, y ni siquiera me molesté en reconocerle la voz, pero tampoco me molestó. No como las ubres. Sam Elliot es un instrumento musical humano. Si yo tuviera una voz así, no me mandarían a callar tan a menudo. La dirección de Oedekerk no es nada especial, y el guión está repleto de momentos dignos de risas satisfactorias, aunque termine yendo por el camino más típico. Este camino típico, sin embargo, tiene sus típicos momentos dramáticos y solemnes, que son manejados impecablemente, y hasta llegan a emocionar si uno se descuida o emborracha.

No se asombren si después de ver Barnyard tienen un repentino deseo de salir a comprar un teléfono Motorola, porque parece que pagaron el salario de todo el equipo con una increíblemente intrusiva colocación de producto. Bien por la violencia. Uh, perdón, no estoy haciendo apología. Y no es nada más que ver animales de granja peleando sea extremadamente divertido. Pasa que los malos de la película son bastante malos, y Oedekerk casi no se censura. En múltiples ocasiones pensé que iba a terminar viendo sangre de vaca. No sucedió, pero por la misma magia del cine que les dio ubres a los toros. La cosa es que al drama previamente mencionado le vino muy bien ese toque explícito de peligro y crueldad. Que contrasta con uno de los pollitos más tiernos en la historia del cine. Sí, lo dije. Ya saben que me enternecen los cachorros animados de cualquier especie. Esto me está haciendo acordar a lo que decía de Ice Age y su continuación, y me complace anunciar que Barnyard tiene personajes humanos desarrollados a la perfección. Arriesgaría declarar que se llevan las mayores risas. Se puede hacer una película entera con los humanos del pueblo y dejar a los animales en paz. Animales que incluyen roedores contrabandistas expertos en artes marciales. Tenía que quedar en registro eso.

La animación en Barnyard es mejor de lo que esperaba. Esa pereza hollywoodense a la que aludí en el primer párrafo ha llegado al punto de infiltrarse en el aspecto visual de las películas, lo cual es sorprendente considerando que 90 minutos de colores brillantes bailando venden más que 120 minutos de sustancia narrativa, pero no viene al caso. Barnyard en ningún momento me pareció errónea en movimiento ni diseño general. Tampoco apuntaba a realismo, por supuesto, pero como caricatura es más que bonita. Especialmente las escenas que tienen lugar en el granero del título, que los animales por las noches convierten en bar para festejar y pasarla bien. Muchos personajes involucrados en distintas actividades al mismo tiempo, y la atención al detalle y la consistencia se aprecian.

Si fuera algo mínimamente innovador, Barnyard llegaría más lejos. Si contribuyera más sorpresas que el hecho de no ser aburrido o molesto, valdría más la pena. Es el tipo de película animada que uno no se arrepiente de ver, pero tampoco va a andar nombrándola como uno de los grandes clásicos, de animación o en general. En fin, sirve para muchísimas risas, que no va a poder repetir en una segunda visita. Cuando estén de humor para entretenerse con vacas fiesteras, échenle un vistazo.

7/10 J (siete de diez Jorgitos)

Próximamente:

X-Men

Boogie Nights

2007-05-13T12:40:00.000-03:00

Título: Boogie Nights

Probable título en español: "Veladas Casuales"

Director: Paul Thomas Anderson

Guión: Paul Thomas Anderson

Elenco: Mark Wahlberg, Burt Reynolds, John C. Reilly

Género: drama

Año: 1997

Admitámoslo, una película legítima sobre la industria pornográfica, con este tipo de elenco, es algo que nos hace salivar. Al menos si somos gente honesta y con sentido de la trayectoria. Algunos temas son tan fructíferos, y sin embargo tan ignorados, que capturan nuestra atención. Ya sabemos que los soldados la pasan mal en la guerra, que las mujeres hermosas no encuentran hombres decentes, que el asesino serial mata a los protagonistas sólo porque son sobrenaturalmente estúpidos, que animales parlantes hacen mejor comedia de la que deberían. Pero ni idea de con cuánto éxito se puede dramatizar cosas como la industria pornográfica. Daría otros ejemplos, pero los agoté con los clichés de arriba.

Mark Wahlberg (Traveller) tiene el papel principal de estrella porno en ascenso, tutelado por el exitoso director que encarna Burt Reynolds (Raven). John C. Reilly (Boys) brilla interpretando a otro actor de cine condicionado, con algunas millas más bajo el cinturón, guardadas junto a los gramos que le sobran. Es un típica historia en la que se consigue algo, se lo abusa, se lo pierde, y se lo recupera al final. Excepto que en este caso no es el amor de una mujer o el respeto de una comunidad, sino un grupo de amigos pornógrafos.

Boogie Nights es otra de esas encantadoras películas que no es para todos. Tiene los probados y aún efectivos elementos del drama actual, no hay nada nuevo ahí. Pero ver a todos estos actores hablando e interpretando pornografía, puede no ser el bocadillo favorito de muchos. Ellos se lo pierden. La juventud del personaje de Wahlberg es evidente, en parte porque la vocaliza. Ya me imagino muchos conservadores escandalizados por los actos en los que este muchacho de 17 años se involucra. Ni hablar de la bendita Heather Graham, que se roba sus escenas como una chica sin nombre que siempre anda sobre patines y no terminó la escuela secundaria. Claro que tampoco completó su educación el protagonista, pero eso tiene muchísimo sentido, considerando que es bastante tonto. Muy tonto. Evidenciado continuamente, a veces con humor y ternura, otras con rabietas y fantasías infantiles. Boogie Nights es un ejemplo impecable de drama: los jóvenes no van a encontrar demasiado entretenimiento, y los niños no van a entender nada. Algunos adultos se van a escandalizar. Así que verán, tiene una cierta audiencia limitada. Dudo que menos de dos segundos de Heather Graham desnuda compensen eso. En fin, es casi un trabajo clásico dramático. Hasta el catalista del descenso es un indicador de cambio indiscutible, sucediendo durante una fiesta de año nuevo. Y no cualquier año nuevo, década nueva, estrenando 1980 y sus horrores.

John C. Reilly es la pieza que se destaca en un elenco repleto de profesionales talentosos, que juntos deben tener más premios que poros. Su contribución tiende a ser más del tono cómico que dramático, y su personaje en general no tan desarrollado como los muchos otros, pero sí poseedor de una particularidad extraña. El personaje de Wahlberg eventualmente se ve amenazado por actores más jóvenes que entran al negocio. Sin embargo, al de Reilly no le toma mucho tiempo hacerle espacio al de Wahlberg en un principio. Es algo sobre lo que pensar.

Boogie Nights está repleto de líneas que vale la pena repetir, la mayoría saliendo de la boca despistada del protagonista. Entre ellas "Sí, bueno, esto es nylon italiano importado" y muchas más. La evidente fascinación con el órgano sexual masculino que plaga la película desde el primer momento hasta el último puede volverse un poco molesta, pero se la tolera considerando el tema a tratar. Aunque a veces cruzara territorio y se volviera no tan entendible como conviene. La época de la ambientación es perfecta para la historia que se cuenta. Después de todo, fue un tiempo interesantísimo para la pornografía, repleto de cambios e innovación revolucionaria. Pero algo positivo, tanto para conservadores como liberales, es que en realidad Boogie Nights no es una película sobre películas porno. Es una película sobre películas. Es el cine como arte y producto que se estudia, y los personajes, por supuesto. A no confundirse, esta gente tiene tanta pasión por sus films para adultos como cualquier director reconocido legítimamente. Esto se nota a distancia, al igual que los millones de pecas en la espalda de Julianne Moore. Es decir, basta ya de acumular melanina arbitrariamente, podrías ser atractiva si no estuviera contando pecas como estrellas en una noche despejada de verano. Pero divago. Habrán visto que termino mencionando a una variedad de actores, no sólo a los principales, y esto es porque Boogie Nights no tiene un solo protagonista. No sería nada sin su multitud de papeles secundarios, completamente desarrollados, y cada uno tomando centro del escenario en un momento u otro. Un gusto inusual y bienvenido.

Cómo Boogie Nights será recordado, no es difícil decir. O sea, se estrenó hace diez años. Ustedes se lo acuerdan? O se acuerdan de Magnolia, el film con el cual Anderson siguió su carrera? Alguien se acuerda de los conflictos con el estudio, la reacción mezclada de la audiencia, el apoyo de los críticos que igual no pudo hacer demasiado para impulsarlo como un éxito? Exitoso fue, tuvo su modesta ganancia con el tiempo. Y yo soy uno de los que recuerdan a Boogie Nights con cariño. Aunque no tanto cariño como a Magnolia.

Bueno, vamos a decir la verdad. Si son demasiado mojigatos o necesitados de adrenalina y efectos especiales para estar atraídos a Boogie Nights, se van a perder de muchas cosas en la vida. Si no tienen la suerte de encontrarla en cable, como me pasa a mí casi todas las semanas, vayan a buscarla. Si viven en un país totalitario que la censuró, múdense. En otras palabras, no se pierdan Boogie Nights. Porque esa transmisión semanal, la miro casi siempre. Con eso quiero decir que se agrega a mi querida Filmoteca de películas merecedoras de ser vistas más de una vez. Y a mucha honra, seguro.

9/10 J (nueve de diez Jorgitos)

Próximamente:

Barnyard

Brothers of the Head

2007-05-12T15:35:00.000-03:00

Título: Brothers of the Head

Probable título en español: "Cabezas Hermanas"

Director: Keith Fulton, Louis Pepe

Guión: Toni Grisoni

Elenco: Harry Treadway, Luke Treadway, Bryan Dick

Género: drama, música

Año: 2005

Cuánto vale la rareza? Si la escasez de un bien es suficiente para aumentar su precio, entonces Brothers of the Head es el equivalente de un tesoro pirata. No queriendo decir que no haya cientos de películas igualmente confusas, experimentales y giroscópicas. Pero sí señalando que aunque esté acompañada, siempre han sido y serán minoría estos proyectos tan fuera de lo típico, tanto en narración como representación.

Harry y Luke Treadway hacen su debut cinematográfico, al menos por lo que pude encontrar, interpretando convenientes hermanos, pero en este caso ficticio, siameses. Como no podía ser de otra manera, son vendidos por su padre a un promotor que planea convertirlos en su próximo show exitoso, transformándolos en una sensación musical con la ayuda del personaje de Bryan Dick (Twenty Thousand Streets Under the Sky), que los ayuda a maniobrar instrumentos y composición. Les dije que era rara.

Y es en esa rareza donde puede perderse para mucha gente la historia. Uno pensaría que ya de por sí tener siameses apretaditos, uno tocando la guitarra y el otro cantando, constituiría el elemento inusual que llevaría a la narración a algún desenlace, con los obvios conflictos entre hermanos que hemos visto una y otra vez. Pero no. El hecho que sean siameses por supuesto influye, pero los personajes de los Treadway son una especie de monstruo. No por provocar indescriptible horror, sino por tener una personalidad indescifrable, construida de retazos que los realizadores nos muestran fragmentados. Ah, porque no mencioné que está filmada como un documental. Las conocidas cabecitas parlantes, las cintas de archivo poco legibles, trozos y pedazos de vida que pretenden contar una historia, todo está presente. Es por eso que la rareza del estilo puede hacer que algunos se pierdan las ideas presentadas. Digo rareza sabiendo que cada año hay más de un trabajo de ficción filmado como documental, pero no tanto como Brothers of the Head. Es uno de ésos que hay que verlo. Si pueden soportar de todo, entendiendo poco. En el "de todo", se incluyen insinuaciones de incesto que no pueden negarse, y hasta llegan a casi materializarse, al menos tanto como posible. La relación entre los hermanos es completamente dinámica, son dos criaturas que nacieron como lo hicieron por un imperativo natural. A menudo resultan una sola persona con dos cabezas, si bien cada uno tiene personalidad completamente separada y reconocible por su propia parte. Es un maravilloso logro de caracterización. Y admitidamente, algunas veces asustan. La actitud, las expresiones, la situación, el trabajo de cámara, y el hecho constantemente aludido de que ellos tienen su mundo en el que nosotros como audiencia y el resto de los personajes nunca vamos a entrar. Se miran y se entienden, se susurran al oído y no los escuchamos.

Keith Fulton (Lost in La Mancha) y Louis Pepe (Lost in La Mancha) combinan con experiencia admirable tantos géneros y estilos como demanda una historia contada por muchas personas, ninguna de las cuales es el protagonista. Nos dan nada más que impresiones, anécdotas. Estudian un sujeto mudo en el presente, el personaje de los siameses, que merece ser estudiado. Hacen que el pasaje de un viejo documental a una entrevista, a una dramatización, a una película dentro de la película, sea dinámico y aceptable. Es más, uno no puede imaginarse la historia de Brothers of the Head contada de otra manera.

Brothers of the Head puede definirse, entre otras cosas, como un ejercicio en lo grotesco. Tanto visual como conceptualmente, la totalidad del film está fuera de lugar con lo que conocemos. Hasta su estreno en este siglo XXI que nos rodea, está en tajante contraste con la ambientación de las falsas tomas de archivo en la década de 1970. Nada en la película queda cristalinamente claro, para bien o para mal. Cada cual es dejado en libertad de extraer su propia interpretación, de darle importancia a las secuencias que decida. Personalmente, yo no pude dejar de pensar cómo la música de los hermanos parecía ser un producto absoluto, aunque las letras hicieran referencia a su estado psicológico. Son personajes que sin la intervención del promotor no hubiesen hecho música. Y la elección de música, y no cualquier otra forma de arte, es sin duda para beneficiar al show que vende entradas. No tantos van a comprar un libro escrito por siameses, como los muchos que irían a verlos en concierto. El énfasis puesto en el talento de los hermanos me resultó indicatorio de una superficialidad inherente, y completamente humana, de parte de todos los personajes. Si Brothers of the Head puede ser un ejercicio en lo grotesco, también puede directamente ser un ejercicio de estilo. Grotesco y verdadero, se mezclan para dar una visión bastante particular. Con "verdadero" quiero decir que las entrevistas, los trozos de documental, están muy bien logrados, con el diálogo y monólogo interrumpiéndose de tal forma que nos hace pensar en una ausencia de guión, así como nos sucede lamentablemente en la vida real. A veces no sabemos qué decir, a veces no sabemos qué estamos diciendo. Y a veces en un ensayo un bebé se baja una botella de cerveza. Bueno, eso indica decadencia rockera, pero valía la pena mencionarlo. Porque tampoco pude evitar pensar que si bien las actitudes de los hermanos fueron potenciadas por el ambiente artístico de exceso, igualmente eran criaturas no destinadas a ser ordinarios, siameses o no. Como personajes, dejan la impresión de estar naturalmente repletos de algo inusual. Qué sea eso, está en cada espectador. Yo veía como alternativa al mundo del espectáculo una buena vida de sadomasoquismo y el ocasional homicidio de indigentes. Por algún lado hay que descargar. Otros pensarán otra cosa, porque los hermanos son personajes completos, pero no nos los muestran completamente. He ahí un buen pedazo de genialidad. Eso y la película dentro de la película, una biográfica sobre los hermanos titulada Two Way Romeo, que dramatiza todo hasta el cansancio, haciendo comentario sobre el cine en general. Obvio, pero bienvenido.

En qué quedamos entonces, con Brothers of the Head? Pongámoslo así... si van a comprar mascotas, y sin dudarlo terminan evaluando perros, gatos, pececitos y gorriones, no les va a interesar la película. En cambio, si van a comprar mascotas, y terminan atraídos a lagartijas, arañas, monos y hormigas, Brothers of the Head no los va a defraudar. Se desvía de la norma. Ahora, yo nunca en mi vida tuve una mascota, el ejemplo no se me aplica. Pero me tomo la libertad de recomendar Brothers of the Head como algo que en realidad nunca han visto, y sobre lo cual van a pasar mucho tiempo pensando. No lo van a querer ver de vuelta, pero van a estar reflexionando un buen rato.

8/10 J (ocho de diez Jorgitos)

Próximamente:

Boogie Nights

Ice Age: The Meltdown

2007-05-10T23:16:00.000-03:00

Título: Ice Age: The Meltdown

Probable título en español: "Cubitos Derretidos"

Director: Carlos Saldanha

Guión: Peter Gaulke, Jim Hecht, Gerry Swallow

Elenco: Ray Romano, John Leguizamo, Denis Leary

Género: animación, aventura, comedia, familia

Año: 2006

Cuántas secuelas que tiene el mundo del cine, no? Ni hablar de los terremotos, los infartos, las escuelas... no, eso es nada más "secuelas" con las letras cambiadas de lugar. Un viejo mito dice que las secuelas tienen una tendencia a ser peores que el original en el cual se basan, con las excepciones agregadas de la Biblia y The Godfather. Bueno, hay muchas razones para que eso sea sólo un mito, y Ice Age: The Meltdown es una de ellas.

Todo el elenco de voz principal del original vuelve, con Ray Romano (Everybody Loves Raymond) a la cabeza como un mamut muy solitario y malhumorado. El personaje de John Leguizamo (AKA), un perezoso con actitud y aspiraciones, le hace compañía, quiéralo o no. Y el tigre con la voz de Denis Leary (The Secret Lives of Dentists) sigue por ahí con ellos, porque se hizo bueno. La cosa es que el hielo se empieza a derretir, y en vez de huir del frío y devolver a un bebé, esta vez tienen que escapar de una inminente inundación. Misma premisa, ligeramente distinto resultado.

Ahora tenemos la adición de un interés romántico para el mamut de Romano. Una simpática mamut, claro está, que se cree zarigüeya. La unión de estos dos no se siente demasiado forzada. Después de todo, Romano cree que es el último de su especie, así que literalmente no les queda nadie más en el planeta con quien estar. No se necesita un exceso de química para entender la atracción. Visualmente The Meltdown es mejor que su predecesora, cosa común entre proyectos de animación, pero realmente brilla en unas pocas escenas subacuáticas que siguen a unos villanos depredadores descongelados de otra época. Sacan un poco de la delgada trama, pero ganan en fascinación ocular. Varios personajes nuevos se suman a los ya conocidos, y todos son una grata sorpresa. Se destacan rápido los buitres proféticos que anuncian la inminente llegada de su comida, en forma de carroña protagonista.

Nuevamente, como en el original, es el más ignorado de los tres personajes que toman centro del escenario el que asombrosamente aporta más con su actuación vocal. Denis Leary como la voz del tigre dientes de sable reformado, tiene una entrega de líneas, las pocas que le dan, impecable. En esta ocasión, su trama personal involucra un miedo al agua bastante natural en los felinos, que le causa vergüenza, como poderoso depredador que es. Será un tigre bueno, pero sabemos que detrás de escenas sigue matando por sustento. Cuando el perezoso de John Leguizamo pretende enseñarle a nadar, es la comedia hecha perfección.

Hay varias referencias a la película anterior sembradas en The Meltdown, que van a deleitar a más de uno. No tanto a mí, que Ice Age me pareció buena pero nada especial, así que en realidad apenas noté estas referencias y las fui reconociendo muy tarde. Igualmente, lo mejor que Ice Age siempre tuvo para ofrecer, no involucraba a sus personajes principales, sino a una pequeña ardillita prehistórica en perpetua búsqueda de una preciada nuez. Regresa esta vez, para seguir haciéndole precioso tributo a las viejas caricaturas de la Warner Brothers. Sí, cada tanto la pobre ardillita parecía sufrir con semejante severidad, que me daba lástima, pero las creativas formas en que se las arreglaron los realizadores para alejarla constantemente de su nuez son una fuente interminable de risas. Pequeño paréntesis: si es suficiente para causarles gracia la idea de ver un mamut escondiéndose detrás de un arbolito, The Meltdown les va a gustar. Y van a ser como yo. Otros personajes que se agregan al elenco y son en exceso bienvenidos, son un par de zarigüeyas. Cada línea de estos bichos se merece al menos una sonrisa, sino una risotada capaz de generar denuncias policiales por ruidos molestos. Ignoren la forma extraña en que primero aparecen, porque vienen para quedarse y mejorar con cada escena. Un descubrimiento alarmante que hice mientras viendo The Meltdown es que un cachorro de cualquier animal, animado y con ojos grandotes, es adorable. No hay cómo evitar enternecerse por culpa de una imagen generada por computadora. Ahora entiendo a veces a la gente que siente cosas. Con razón están tan alterados todo el tiempo, es feo. La mayor mejoría entre la Ice Age original y The Meltdown, no es una adición, sino una ausencia. Ya no hay humanos mudos que nos aburran y nos saquen del mundo animal, confundiendo tanto el centro de la historia como la suspensión de la incredulidad mientras estamos viendo cuadrúpedos parlantes. No hay ningún ser humano a la vista, y eso me hizo muy feliz. Sólo entorpecían a la película anterior.

Sigue siendo imprescindible para elevar este proyecto la presencia de esa persistente ardillita y su nuez. Llega a opacar a la trama central con sus viñetas y no deja de crear nostalgia por el viejo Road Runner. Casi espera uno que saque algún aparato marca Acme para asegurar su posesión de la nuez, y termine fallando terriblemente. La mencionada trama central, obviamente no es gran cosa. En dos líneas se resume todo y no es nada creativo. Tan poco creativo de hecho, que no me pude sacar la idea de que era una gran alegoría bíblica a cada rato. Desde que el buitre comenta sobre un bote que puede salvarlos, pensé "arca". Cada vez que los mamuts iban de lado a lado, pensaba "de Noé". En un momento se parten las aguas, literalmente. Y la ardillita termina yendo al paraíso! Por ahí fue mi impresión nada más. El elenco todo ha en realidad mejorado desde Ice Age, y saben cómo hacer que los personajes les pertenezcan. The Meltdown terminó siendo uno de los films más taquilleros de todos los tiempos, llegando a recaudar casi 650 millones de dólares en todo el mundo, habiendo sido producido por sólo 75 millones. Las críticas no fueron generosas, pero en ésta estoy con el pueblo.

La animación de este tipo, tiene que hacer reír. Todas las otras consideraciones salen por la ventana, o al menos quedan relegadas a un segundo lugar. Con eso en mente, The Meltdown entrega lo que promete: una continua serie de bromas bastante bien entrelazadas y efectivas. El único detalle es que estoy seguro que ninguna de estas bromas sería ni la mitad de graciosa en una segunda visita a la película. Es por esta razón que no entra a la Filmoteca, pero todo lo anterior es argumento para que la vean. Aunque sea una vez.

9/10 J (nueve de diez Jorgitos)

Próximamente:

No más reconstrucción de archivo!

The Marine

2007-05-10T23:13:00.000-03:00

Título: The Marine

Probable título en español: "Soldado"

Director: John Bonito

Guión: Michelle Gallagher, Alan B McElroy

Elenco: John Cena, Robert Patrick, Kelly Carlson

Género: acción, drama, thriller

Año: 2006

Quieren adrenalina? Quieren testosterona? Quieren explosiones? Quieren ver mujeres bonitas que aunque hacen nada más de pedazos de carne no se sacan la ropa y me confundieron? Quieren compensar por tener un pene pequeño? Entonces The Marine es para ustedes.

John Cena, el luchador profesional... sí, ya empezamos. Bueno, Este toro con dedos hace su debut actoral como el marine del título. Que es un marine. Porque lo repite mucho. La cosa es que no sigue una orden, es así de macho, y lo despiden. Entonces está muy triste por no poder seguir siendo marine, que es lo que es, porque lo repite mucho; y tiene que volver a casa donde lo espera su mujer, esposa trofeo y excitable por esteroides, interpretada por Kelly Carlson (Nip/Tuck). Qué depresión, no? Para alegrarlo, le propone irse de viaje, y en una estación de servicio se cruzan con un grupo de criminales tan estúpidos como estúpidos, que la terminan secuestrando; liderados por Robert Patrick (Cold Shoulder) haciendo lo mejor que puede y divirtiéndose como loco. Obviamente, ningún marine digno dejaría que se encarguen las autoridades. Listo, película instantánea.

Quiero recomendarles ya desde un principio que si planean ver The Marine, tengan lista cerca una bolsita por si tienen que vomitar. Es una película de acción como las viejas, que no toma rehenes... aunque sí, bueno, eso es toda la trama. Por lo menos a cada rato matan gente. Aunque no tanta como deberían, ni de modos tan espectaculares como quisiéramos. La bolsa para vomitar es por si son gente con discernimiento y se dan cuenta de que mientras algunos mueren de hambre, otros financian cosas como ésta. En fin, mencioné que el protagonista es un marine. Porque es un marine. Y muy poco más. Tan poco más de hecho, que no me queda nada que decir de él aparte de eso. Al menos como personaje. Es un marine y listo. El equivalente del papel que interpreta el sobrino del que hace catering, vieron, "Cajero de Banco". Hasta ahí llega. Si algo llega a destacarse, son los coches. Es básicamente una película de acción de carretera, no típica de marines, pero qué sé yo. A mí ni me gustan los vehículos tanto como a otros, pero se los ve bonitos, especialmente mientras están en condiciones todavía en el desarmadero de unos aliados de los criminales. Una vez tocan el asfalto, los hacen papilla. Ah, y todos los criminales son increíblemente "cool". Tienen músculos, armas, voces graves, minas en bikini caminando por ahí. Pero también son increíblemente estúpidos. Esta última parte es en verdad increíble. No digo que no exista gente estúpida, ya saben que creo son mayoría y nos rodean constantemente. Lo que quiero decir es que si alguien en realidad fuera tan impulsivo, violento, distraído e idiota como estos villanitos, hubiera fallecido antes de cumplir 20 años.

John Cena. Éste es el señor que está en muchos cuadros de The Marine. Un señor que ha hecho carrera de inyectarse anabólicos para pasar masa de sus testículos a sus brazos. Éste es nuestro protagonista. He leído por ahí a algunos desubicados que dicen que tenía presencia en pantalla. No sé qué pantalla estaban viendo, o si definen presencia como "llenar espacio con un cuerpo tan masivo que debe superar el peso límite a cargar por los coches que maneja". No sé. Pero John Cena no puede actuar, al menos por ahora. Esto no va contra todos los luchadores profesionales, podemos estar de acuerdo en que desde un principio... más o menos... The Rock hizo una transición genial al cine. Hasta me lo imagino en unos años saliendo de tanta comedia y acción, y metiéndose en algún drama en serio. Me lo creería, cuello de metro de diámetro y todo. John Cena no. El hombre es el eslabón perdido. Si no fuera porque se afeita todo el cuerpo para mostrar bien su definición muscular, sería fácilmente confundido con un gorila. Lo cual no es una mala teoría, habrá que investigar si es o no primate superior.

Por lo menos The Marine nunca nos mintió. Desde el trailer se sabía que apestaba. Y yo la vi igual. Por qué? Porque a veces no puedo predecir la calidad de algo, pasó con The Departed. No pensaban que iba a poder poner una referencia a The Departed hablando de The Marine, no? Pero pude, siempre se puede. No sólo el trailer nos avisa en qué nos estamos metiendo. Los créditos iniciales concluyen con el título de la película, al lado del cual hay... no sé, es John Cena creo, pero parece un muñequito GI Joe, con las mismas articulaciones. Chiquitito y regordete, saludando militarmente. Y la primera escena, en la que rompe todo y todos, sacando armas hasta del ombligo, para rescatar a algún soldadito. Cuando termina de crear caos, no está agitado. Habla como si recién se despertara de dormir una siesta. Cierto, yo me agito bajando escaleras, pero si mataste a media docena de personas entre fuego, disparos y puñetazo limpio, tenés que bombear un poquito más de aire. Les gustan las explosiones? Sí, a mí también. Hay muchas en The Marine. Se estima alrededor de una docena, redondeando para arriba. Les gustan las leyes de la física? Porque si ése es el caso, se van a decepcionar. Parece que los realizadores se olvidaron que cuando algo inmenso estalla, hay otra cosita que se llama "onda expansiva". Es decir, nada más pararse justito al lado del último centímetro de llama expulsada, no es suficiente para salir completamente ileso. La gente se cae, casi sale volando. Bueno, no en The Marine. Ni la ciencia puede detenerlos. Admito buenos fragmentos de una escena nada más. Es algo así como una clase sobre la anatomía de un coche de policía. A toda velocidad en el medio de la ruta, y más allá, se va cayendo pedacito a pedacito. Y sí, está bueno. Ya sé que vengo haciendo muchas preguntas, pero permítanme una situación hipotética. Digamos que tienen un martillo y quieren matar a alguien. Esta persona está indefensa. Golpean el estómago o la cabeza? Preguntas como ésa tienen respuesta en The Marine. Respuesta incorrecta, pero respuesta al fin.

The Marine viene ganando algo más de 20 millones de dólares en taquilla desde que estrenó. No sé cuánto habrá sido el presupuesto, pero si todas esas explosiones eran miniaturas, quizás recuperó algo. O si convencieron a Cena de cobrar con frijoles mágicos.

Hay buenas películas de acción, y después hay cosas como The Marine. No hay Robert Patrick que lo salve, ni Kelly Carlson que nos distraiga. Tiene la falla fundamental de no existir más que como una secuencia de escenas de acción menos satisfactorias que un bife de hueso. Va directo al Basurero, y si quieren verlo, que sea con amigos para reírse un rato de tanta idiotez.

3/10 J (tres de diez Jorgitos)

Próximamente:

Reconstrucción de archivo

X2

2007-05-10T23:09:00.000-03:00

Título: X2

Probable título en español: "XX"

Director: Bryan Singer

Guión: Michael Dougherty, Dan Harris, David Hayter

Elenco: Patrick Stewart, Hugh Jackman, Ian McKellen

Género: acción, aventura, ciencia ficción, thriller

Año: 2003

Este subgénero de adaptaciones cinematográficas de comics que tanta popularidad ha tenido en esta primer década del siglo XXI, tiene ambos exponentes positivos como negativos. En un extremo del espectro hay producciones vergonzosas, exageradas e irrespetuosas por completo al material fuente. En el otro extremo, hay obras que se han convertido en hitos del cine, sabiendo manejar los conflictos dramáticos de personajes bien desarrollados, en contextos extraordinarios repletos de valor de entretenimiento. Acá en esta última categoría, entra X2.

Patrick Stewart (Star Trek: Nemesis) vuelve a sentarse en la silla de ruedas como el Profesor Charles Xavier, poderoso mutante que busca por medios no violentos la integración pacífica de todas las personas. Hugh Jackman (Kate & Leopold) también regresa para esta secuela, interpretando a Logan, personaje icónico de los comics si los hay. Un tipo resentido, de pocos amigos, cuyo cuerpo se cura de todas las heridas. Y tiene un esqueleto de metal. O sea, le duele, pero sana. Mucho más interesante que otros, no, señor Kent? También en el elenco, Ian McKellen se disfraza con gusto para darle rostro y cuerpo a Magneto, otro villano que ha hecho historia en la página ilustrada. La contrapartida de Xavier, es un mutante poderoso que ve a su calaña como los verdaderos señores de la Tierra. Por algo pueden romper todo, rehacerlo y volverlo a romper. Plan divino, gente.

Bueno, sí, X2 es una secuela. Y qué? La disfruté tanto como X-Men, pero fui capaz de apreciar que en general, puesto simplemente, es una mejor película. Hay que ser imparcial y admitirlo. Es más, hasta la pasé un poquito mejor con la última de la trilogía, X-Men: The Last Stand, pero no me ven publicándolo. Porque X2 se destaca, desde un punto de vista objetivo. En técnica, en narrativa, en todo. Es lo que alimenta a este subgénero de adaptaciones. No sólo tiene la capacidad de generar más ingresos que Bill Gates diseñanado un virus, sino que a veces hay producciones que le hacen competencia decente a películas mucho más respetadas, con personajes y situaciones impecablemente representadas. Algo que no sucede a menudo, es que X2, aun siendo secuela, puede verse más o menos bien sin haber atestiguado X-Men. Tiene su principio y su fin, bastante bien definidos. Hay espacio para más, y viene de antes, pero no es necesario ver lo anterior para pasarla genial. Aunque, como con X-Men, si conviene conocer un poquito la mitología que dio a luz a estos films. Porque con más personajes que un país pequeño, seguramente algunos pueden confundirse. Aparte se lo goza más, y resulta menos estrafalario en ocasiones. Sin conocer esta mitología, solamente puede disfrutar estas películas algún fanático ciego de la acción y los efectos especiales. Ciego metafórico, obvio. Dicho eso, que siempre hay que analizar con las secuelas, X2 es un ejemplo perfecto del subgénero. Desde el primer momento, nos sumergimos en la acción, con un atentado mutante contra el presidente de los Estados Unidos, y una banda sonora que lo acompaña que casi me hizo caerme del sillón. Después bajé un poco el volumen, y todo bien. Los superpoderes de los muchachitos y muchachitas tienen una predecible tendencia a no ser los más creativos. No estamos trabajando con una obra de reflexiones filosóficas. Es más... algunos parecen bastante inútiles, al menos en comparación con otros. Pero todos son muy bonitos. Los efectos especiales se llevan el premio. Bueno, un premio, quiero darle más premios. Cuando los militares invaden la escuela del Profesor Xavier, se pasa de la risa, al suspenso, a la acción, a la risa, al drama, al suspenso, etcétera. De todo. No, no lo puse en orden porque no tomé nota de eso. Estaba muy ocupado mirando la película, vieron.

Es difícil hacer casting para las adaptaciones de trabajos que han generado conjuntos de seguidores fieles e interesados a través de largos períodos de tiempo. Una cosa es hacer Harry Potter dos minutos después que se seca la tinta del libro, o producir la vigésimo séptima adaptación de alguna novela rusa. Otra muy distinta es traer a la pantalla personajes muy queridos, por mucho tiempo, y por primera vez. Eso fue hecho impecablemente con el elenco de X-Men, y es repetido con el mismo elenco en X2. Vale mencionarlo, porque a veces rotan. Éste no es el caso, y Hugh Jackman puede nuevamente mostrar músculo y actitud en el papel por el cual se lo va a recordar toda su prometedora carrera. E Ian McKellen puede dejar los clásicos y el teatro un rato, para hipnotizarnos como uno de los villanos más convincentes de la historia. Y cuando tiene diálogo con su amigo/enemigo encarnado por Patrick Stewart, casi hay que dejar de mirar, porque tanta precisión y capacidad histriónica puede dañar las córneas.

No, no me está agarrando el estrógeno, pero pasa con algunos personajes. Son Goku, en Dragon Ball por ejemplo. Y Logan en X-Men. Cómo demonios se pasa ese cabello de la página a la realidad tridimensional, cuando parece desafiar la gravedad y al menos otras dos leyes de la física Newtoniana? Aparentemente, sin problemas. La melena de Hugh Jackman es leal al personaje que interpreta hasta el último pelo de las demasiado largas patillas. Y casi no distrae. Lo que no distrae en absoluto son los efectos especiales... esperen, será ese pelo un efecto especial? Es decir, cuenta? No sé, no importa. La cosa es que la era de la informática complace a todos los sentidos y propósitos. Gracias a las computadoras podemos transmitir datos en un abrir y cerrar de ojos, y en un abrir y cerrar de ojos también podemos perdernos alguna parte de una secuencia visual extraordinaria, como las muchas contenidas en X2. Se logra con la historia del film hacer docenas de guiños a la extensísima mitología del comic original, lo cual gente como yo aprecia. Asumo que los que conocen la fuente todavía mejor, lo aprecian más. Claro que también deben sufrir más al notar que ciertos personajes que una vez fueron fascinantes y se irguieron en el centro de la acción del comic, aparecen en la película, pero son relegados, disminuidos, vueltos un residuo de una idea. O sea, bien porque aparezcan. Mal porque no los respeten apropiadamente. Quizás hubiera sido mejor inventarse algunos personajes nuevos que ocupen esos lugares tan pasajeros. Así en vez de perder oportunidades, se las crea. Entre las escenas más memorables, se encuentran el escape de Magneto de su prisión de plástico, que hace notar lo genial que sería poder mover metal. Con un poquito se hace tanto, no se necesita tener coches o vigas disponibles. Y también una de las mejores secuencias de acción mano a mano de la década, con Logan y Deathstrike haciéndose trizas. Deathstrike, uno de esos personajes lamentablemente poco desarrollados. En fin, con tanto mutante yendo de acá para allá, con nombre y apellido y todo, es sólo una pequeña porción de éstos que atrapa nuestra atención. Lo bueno es que puede ser que para cada persona esta porción sea diferente, así que seguro cada par de ojos mirará lo que le convenga.

X2 se ganó a audiencias y críticos por igual, siendo reconocida como una de las mejores películas basadas en comics, lo cual sin duda alguna es. Llegó a reunir más de 400 millones de dólares en la taquilla mundial, sobrepasando a su predecesora, y con mucho mérito.

En qué concluimos entonces? Que X2 es una de las mejores películas de comics que hay? No, tengo que decir que no. Directamente, X2 es una de las mejores películas que hay. Está en buena y numerosa compañía, pero no se limita al género que pertenece, lo sobrepasa y al mismo tiempo lo fundamenta. Otra alegre adición a la Filmoteca del blog, porque verla una sola vez es como dormir media hora. Uno descansa, pero quiere repetir la experiencia.

8/10 J (ocho de diez Jorgitos)

Próximamente:

Reconstrucción de archivo

Rear Window

2007-05-10T21:54:00.000-03:00

Título: Rear Window

Probable título en español: "Detective Aficionado en Silla de Ruedas"

Director: Alfred Hitchcock

Guión: John Michael Hayes

Elenco: James Stewart, Grace Kelly, Wendell Corey

Género: misterio, thriller

Año: 1954

A riesgo de sonar el cuádruple de mi edad, tengo que decir, ya casi no se hace películas como antes. Ir al cine solía ser una experiencia única e irrepetible, ahora los mejores proyectos tienden a poseer la resonancia de una película hecha para televisión, repitiendo en cable durante las horas bajas de la madrugada. Justo cuando se te van cerrando los ojos, y pensás "si no se termina en media hora, me voy a dormir". Es bueno refrescarse de vez en cuando con producciones que tengan edad para ser abuelas de American Beauty.

James Stewart (Tomorrow's Drivers) interpreta a un fotógrafo de pierna rota, confinado temporariamente a una silla de ruedas, que se divierte espiando a los vecinos de su complejo de edificios. Grace Kelly (Dial M for Murder) es el obligatorio interés romántico, Wendell Corey (Hell's Half Acre) el conveniente detective amigo que le da una mano legítima al protagonista cuando la necesita. En fin, tanto mirar vecinos, eventualmente alguno va a hacer algo lo bastante sospechoso como para ameritar dos horas de cinta.

Rear Window es una obra maestra. Quería dejar eso sentado en registro, porque juzgando por los dos párrafos anteriores, vengo sonando algo desencantado. Todo lo contrario. Siempre le he tenido cariño al buen Hitchcock, y de pequeño devoré mucho de su obra. Eso fue hace casi una década, y ahora, bajo esta nueva luz que me provee mi apasionada juventud, es un gusto volver a visitar las producciones que ya eran sólo una sombra en mi memoria. La trama de Rear window sigue la progresión básica que se imaginarán, así que en lugar de aburrirlos con detalles de la historia, voy a ver si puedo entretenerlos con detalles de la atmósfera. Por ejemplo, hay un perro. Personalmente nunca he sido fanático de las cosas vivas incapaces de comunicarse claramente, pero este perrito tiene su gracia. Lo bajan y suben del patio en una cestita, desde un balcón. Ah, y también tiene su papel en la trama, por supuesto. Hay una siempre presente sensación claustrofobica en la película, considerando que la herida del protagonista lo mantiene confinado, tiene sentido. Uno se empieza a dar cuenta después de unos minutos, que no sale del departamento, que se ve todo de la misma única perspectiva. Era lo que se esperaba, pero también temía yo que no fuera así. Afortunadamente, lo es, e incomoda de un modo fascinante.

A decir verdad, algo curioso me llamó la atención. No sentí tanto la mano dura de Hitchcock detrás de cámara, como el trabajo del elenco. Especialmente Grace Kelly. A pesar de interpretar a un personaje que no es particularmente idiosincrático, y de tener una voz que me resultó tanto enigmática y exótica como menos que atractiva, cada momento que estaba en pantalla era un buen momento. No nos sobran mujeres así de elegantes hoy en día. Tranquilos, no creo que cuente como necrofilia. Aunque... sí, hay toda una tesis de eso. Mejor me callo.

El diálogo en Rear Window es algo que nunca se detiene. No quiero decir que siempre haya gente hablando, sino que cada oración es una perlita de sabiduría, o al menos magia verbal. Wendell Corey se lleva el premio con las líneas "Qué dicen si nos sentamos todos y bebemos unos lindos tragos amistosos también, eh? Nos olvidamos de todo esto. Podemos contar mentiras sobre los buenos días de la guerra". No tiene precio. Y Rear Window está plagada de diálogo rápido y mordaz, que saca varias sonrisas. El set es magnífico, y se nota desde las primeras tomas. Logra expresar esa sensación de proximidad entre vecinos, que cualquiera puede estirar el brazo y tocar al otro, y hasta un miope como yo puede malinterpretar algo que vio y empezar un rumor vicioso. Como estampa de la época, un poco más limpio que en la realidad es posible, pero le da un toque teatral, se siente parecido a ver una obra en un escenario. Ayuda también que sea set único. En una de las primeras tomas tenemos el privilegio de echarle un vistazo a algunas de las fotografías tomadas por el protagonista, que le valen su trabajo. Y con eso ya entendemos que el hombre sabe lo que hace, al menos con una cámara. La aparición de Hitchcock, cosa que sucede en la mayoría de sus películas, no me tomó por sorpresa. De repente ahí está, dándole cuerda a un reloj en la casa de un músico que se pasa la película componiendo una canción. Completamente extraño y fuera de lugar. Seguro algún malpensado hasta creyó que era una especie de guiño homosexual. Qué malpensado que soy. Todos los vecinos tienen sus idiosincracias, y llegamos a conocerlos tan bien como el protagonista. Hasta parecen simpáticos. Una pareja escapa del sofocante calor de la temporada, pasando las noches sobre un colchón en el balcón. También son los dueños del perro. La banda sonora es impecable, nunca se inmiscuye, pero está siempre, ahí en el fondo, donde pertenece. Se destaca cuando el músico trata de componer su canción. Y me la acuerdo siempre que mis seres queridos me gritan que me calle, cuando me pongo a cantar "That's Amore". Perdón, se me quedó pegada.

El papel del músico fue interpretado por Ross Bagdasarian, un verdadero compositor y pianista. Si bien el último acto del film al final pone en peligro a los protagonistas, todo lo anterior es un ejercicio en especulación ociosa y conversación trivial, que nunca deja de entretener, sin volverse trillado. Estaba cruzando los dedos porque fuera de este modo hasta el último minuto la primera vez que la vi, pero lamentablemente esa última porción tiene acción. Buen suspenso, eso se aprecia. Hubiese preferido un experimento en el desarrollo intelectual de una idea nada más desde el diálogo, bien confinados los personajes en la seguridad del departamento, pero no se puede ganar el mundo y quejarse de no tener el sistema solar. No soy tan ambicioso.

Tomando todo esto en cuenta, quisiera subirme a la cima de una montaña, y con el megáfono apropiado para no lastimarme la garganta, gritarle al mundo que mire Rear Window. Porque soy bueno, y quiero que sean tan felices como yo. Se agrega instantáneamente a la Filmoteca del blog, y a la mía propia para ver una y otra y otra vez. Es una de esas cosas que el tiempo sólo mejora, como el vino o la perspectiva.

9/10 J (nueve de diez Jorgitos)

Próximamente:

Reconstrucción de archivo

Fantastic Four

2007-05-10T21:50:00.000-03:00

Título: Fantastic Four

Probable título en español: "El Cuarteto"

Director: Tim Story

Guión: Mark Frost, Michael France

Elenco: Ioan Gruffudd, Jessica Alba, Chris Evans

Género: acción, aventura, fantasía, ciencia ficción

Año: 2005

Pensé que este día no llegaría, damas y caballeros. Pensé que mi amor por el cine me impediría desear el fin de una película, más allá de mi ansiedad por futuros compromisos de cuya asistencia me prevenía. Lamento mucho haber sido testigo, voluntario aunque tardío, del punto más bajo en el subgénero moderno de la adaptación del comic a la pantalla.

Ioan Gruffudd (The Little Things) no le hace honor al nombre de Reed Richards, quien junto con Jessica Alba (Sin City) como su interés romántico y Chris Evans (The Orphan King) como el hermano de esta última, se ven expuestos a cierta radiación cósmica que les da poderes sobrehumano. Ya saben, los Fantastic Four. Obviamente, hay un cuarto integrante, éstos no son los mosqueteros, pero no quiero ni poner el nombre, para no asociar permanentemente al gran actor que lo interpreta con este mediocre y decepcionante proyecto.

Parecería que Hollywood es incapaz de hacer una película adaptada de comics que involucre heroínas sin equivocarse catastróficamente, ya sea en cuestiones de éxito monetario o conceptual. Fantastic Four no tiene cualidades que la rediman. Hasta el gusto de ver Jessica Alba es diluido por el hecho que es la Mujer Invisible. Así que, bueno, se la ve menos que lo recomendado para apoyar un film entero en su presencia. El problema mayor, y eso es decir mucho considerando las docenas de problemas menores, es el tono. Donde las últimas producciones de Marvel involucrando a Spider-Man o X-Men lograron sin cuestionamiento expresar las posibilidades dramáticas que han elevado al comic a la altura del resto de las narrativas, Fantastic Four parece una comedia. Por género, no lo es. Nada de malo con aliviar un poco la tensión de vez en cuando... pero vale que haya algo de tensión para eso. El conflicto principal es tan complejo e interesante como un panqueque mojado. Los personajes tienen la profundidad intelectual y emocional de un plato. Ni siquiera un plato hondo para sopa.

Hay que dar crédito donde crédito se debe, y éste va con mucho cariño a Ioan Gruffudd, un actor galés que hizo lo impensable: fue capaz de tomar un personaje que nunca me gustó, y hacerlo completa e irreparablemente insoportable. Reed Richards está muerto para mí. Podría elaborar una lista de cada detalle en los cuales este hombre falla en su interpretación, pero me doy cuenta que si sumo estos detalles, el resultado es la totalidad del personaje. Por lo tanto, todo. Claro, también se debe al guión que decidió hacerlo de cartón en vez de goma, a la dirección que probablemente fue tan útil como un mapa del dormitorio a la cocina, pero no puedo sacarme de la cabeza que en las manos de un actor con carisma mayor, las líneas, las expresiones al menos, podrían haber sonado menos como un atentado contra mi paciencia y más como una persona de verdad hablando.

Al menos, los efectos especiales son buenos. Claro, también lo son en Spider-Man y X-Men, así que parece que ni con eso supera a cualquier producción de presupuesto. No hay que olvidarse que la audiencia a la cual Fantastic Four está dirigida está compuesta por amas de casa aburridas, por no decir desesperadas... cómo? No? Es para la gente que le gustan los comics y las películas que los emulan? Ah, digo, por todo el melodrama indigno de telenovela diurna que nos hacen tragar como si fuera diálogo emotivo. Disculpen, me habré confundido. Entonces apesta. La historia tiene una progresión lo suficientemente lineal como para que la siga un ciego sordomudo. Ven, algo bueno. No discrimina. Claro, esto sería si en realidad hubiera historia, y no una presentación de los personajes, seguida por el villano convenientemente enloqueciendo. A todos nos gusta un villano loco de vez en cuando, pero hay que tener una cierta calidad establecida para poder salirse con ésa sin parecer perezoso. Mencioné que acá la mayor calidad aparece cuando ruedan los créditos finales y nos ahorran el martirio de más escenas? Fue un momento horrible cuando vi, en primer plano, a mi tan querido Stan Lee, genio creador de las maravillas clásicas de Marvel como los verdaderos Fantastic Four, efectuando su obligada aparición en la película, como hace con todas basadas en sus personajes. Sólo pude rezar para que fuera una cuestión contractual y no señal de aprobación tácita. Afortunadamente, después de maldecir los cielos, me acordé que hay guerras y enfermedades por el mundo, y no pareció tan grave. Pero si ni siquiera lo mejor de la humanidad es tan bueno ya, no nos queda mucho de que aferrarnos. Uno de los aspectos más dramáticos y bien desarrollados de Fantastic Four, original, eh, no este vómito cinematográfico, eran los problemas que tiene The Thing. La radiación o lo que fuera, lo vuelve un hombre de piedra, más feo que boxeador fracasado, y es rechazado casi por todo el mundo. Este aspecto está presente en el film, lástima que también está enmarcado por bromas malas y música que parece sacada de un sketch de comedia. Ya sé, estoy diciendo muchas cosas negativas, pero todo sobre está película es mucho. Los buenos son muy buenos, los malos son muy malos, Jessica Alba es muy atractiva, los efectos son muy especiales. Si alguna vez pensaron que menos es más, les concedo la completa razón.

Ahora se nos viene encima la secuela, Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer, en donde vuelve el Doctor Doom como villano, asumo que igual que en este film, sin tener nada que ver con los comics más que el nombre. Se le agrega The Silver Surfer y si tenemos... buena o mala suerte, Galactus. Si todo esto significa algo para ustedes porque conocen toda la mitología original, entonces pueden o no entrar en pánico. Hay que ver si estos personajes ayudan a hacer un mejor proyecto, o si verlos en pantalla descuartizados por la mediocridad de los realizadores arruina algunos de los mejores recuerdos de su niñez. Allá ustedes. Esto sí puedo decirles con certeza, especialmente a los que no estén familiarizados con las historias originales: no hay forma de que la secuela sea peor que Fantastic Four! Ven, así se gana un punto.

Quiero que ahora se tomen un momento para reflexionar. Éste es el párrafo final, en el que les recomiendo, en mi opinión, cuánto tiempo de su vida deben invertir en la película comentada, ya sea cero minutos o un par de horas. Y quiero que adivinen qué diría, porque no lo voy a decir. Voy a decirles con mucha alegría que pueden ver sin desperdicio de reloj cualquier Spider-Man, la primera, la segunda, las dos. Voy a decirles que Fantastic Four es el primer film en ganarse un espacio en la categoría "Basurero" que debería aparecer en la barrad de la derecha. Y voy a dejar que saquen sus propias conclusiones.

1/10 J (uno de diez Jorgitos)

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Be Cool

2007-05-10T21:47:00.000-03:00

Título: Be Cool

Probable título en español: "El Hombre Musical"

Director: F Gary Gray

Guión: Peter Steinfeld

Elenco: John Travolta, Uma Thurman, Vince Vaughn

Género: comedia, crimen, música

Año: 2005

Las secuelas son cosas que pasan, para alegría de algunos y miseria de otros. Desde la existencia de la historia narrada, la han seguido secuelas. Hasta la Guerra Mundial tuvo una secuela, aunque no se la merecía. Es cierto, tuvo personajes más interesantes y recaudó más, pero igualmente pareció innecesaria. Al contrario, en los ocasionales puntos donde Get Shorty falló, Be Cool se luce, diez años más tarde.

John Travolta (Ladder 49) repite su papel de Chili Palmer, un personaje no muy desarrollado, pero tan carismático que lo recuerdo de nombre y apellido. Palmer, un cobrador de la mafia vuelto productor de cine, ahora se vuelve productor de música, asociándose con la viuda de un amigo, interpretada por Uma Thurman (Kill Bill: Vol 2). Las cosas se complican cuando le pone el ojo profesional a una cantante ya representada por el personaje de Vince Vaughn (Dodgeball: A True Underdog Story).

Be Cool es una secuela, y debe ser tratada como tal. Todos los que vayan por ahí diciendo que puede erguirse como una película única, no hacen notar cuánto pierde si se le permite hacer eso. Por lo tanto, para disfrutarla en su entereza, hay que ver Get Shorty. Podría ser peor, podrían tener que amputarse una pierna. Eh, un poco de perspectiva, por favor. Esperaba bastante de la película, habiendo visto y apreciado la original, y no me defraudó en absoluto. Tiene buen humor, por todas partes, aun más que la anterior. Tiene a The Rock como un guardaespaldas gay. Eso es un guardaespaldas gay más que Get Shorty. Aunque no es una competencia. Pero va ganando. En esta ocasión, en vez de sumergirnos... bueno, echarle un rápido vistazo, a la industria del cine, nos encontramos en la industria de la música. Ese extraño cosmos de actuaciones en vivo y grabaciones, de rapperos y estrellas pop mezclados como atún y chocolate blanco, de cantantes que piensan que saben actuar. Me detengo en ese último item, porque siempre me han irritado. No lo tomen a mal, tampoco quiero ver actores cantando. U oírlos. Ya entienden. Sin embargo, el elenco de Be Cool, y qué elenco, está condimentado con varios artistas del audio. Y no me molestó. Ya sé, ya sé, herejía. Qué le vamos a hacer, los tiempos cambian. Parecería que ahora muchos músicos saben interpretar personajes distintos a los que interpretan sobre el escenario. Con tanta habilidad camaleónica, puede que no tengan personalidad propia, pero a quién le importa, pueden comprar una de diseñador.

La diferencia más pronunciada entre Get Shorty y Be Cool es la dirección. Ya no de la mano de Barry Sonnenfeld, nos guía en cambio F Gary Gray (The Italian Job), y es una distinción en extremo bienvenida. Durante las dos horas, no se entromete, no entorpece la trama ya predeciblemente complicada. Y en esas dos horas, extensas por algunas actuaciones musicales, llega incluso a hacerse notar sin hacerse odiar. Hay que darle crédito, sabe lo que hace con la música.

Recordar que estamos viendo una secuela no es muy difícil, desde el principio tenemos la advertencia de labios de Travolta: "Odio las secuelas". Nosotros desde afuera podemos reírnos, pensando que odiar las secuelas es lo mismo que odiar las películas. Para compensar por la ausencia de Gene Hackman, ausencia costosa de compensar si las hay, tenemos la adición al elenco de Harvey Keitel, en un excelente guiño al film original. De los cuales hay muchos. Es por eso que decía antes, no haber visto Get Shorty y ver Be Cool, es un error. Al menos la mitad de las escenas, y casi toda la trama, tienen referencias y similitudes propuestas con la película anterior. Agrega mucha gracias, es la recompensa del espectador ávido, como la segunda temporada de una serie de televisión. Si se cuidan las semillas, crece un lindo árbol, y Be Cool es encantadoramente frondoso. Ahora, Get Shorty hizo bien con las películas que incluyó como ejemplo de lo destacado en la industria del cine. Pero... Be Cool no logra el mismo efecto con la música. Hay bastante mala, sino en sonido en letra, o ambos. Aunque como por cada tema molesto que nos da ganas de adelantar tres minutos y golpearnos la cara contra la pared, hay uno bueno que nos da ganas de repetirlo y cantar en conjunto como camaradas, se neutraliza. O sea, si el cine fuera una ecuación matemática, en este aspecto nos daría cero. Por suerte nunca presté mucha atención a las matemáticas, así que no cuenta en negativo. Uh, cuánto juego de palabras. Felicitaciones también por hacer que los personajes manejen cadáveres con guantes puestos. A menudo tanto drama como comedia cometen la negligencia de olvidar los pasos básicos para no incriminarse en el delito. Otros detalles que elevan a Be Cool, de bastantes que no voy a comentar, son The Rock interpretando un "monólogo" de Bring It On, que es imperdible. Me reía antes que empezara. Y Uma Thurman hablando con un policía tras la muerte de su marido. Con minifalda, sonrisa y una remera ajustada que dice "VIUDA".

Be Cool, con mucho mérito, recuperó los más de 50 millones de dólares de su presupuesto, recaudando un total mundial de casi 100 millones. Total mundial suena importantísimo, pero es todo lo contrario, porque mientras mayormente distribuida esté una película, va a acumular dinero internacional como un técnico de computadoras acumula acné. En fin, fue exitosa. Y Joe Perry tiene diálogo!

Entonces, ustedes, como seres humanos que son, deberían buscar entre los estantes de algún videoclub, o las carpetas de algún vendedor ilegítimo de DVDs por la calle, Be Cool, para después verla, costándoles dos horas de sus preciosas vidas? Sin duda alguna. Habiendo ya visto Get Shorty, no digan que no les avisé. Como a menudo sucede, aunque es una película genial, no sirve demasiado para ver múltiples veces, así que no entra a la filmoteca oficial del blog. Pero la recomiendo al fan del cine más que aspirina a alguien con dolor de cabeza.

9/10 J (nueve de diez Jorgitos)

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What a Girl Wants

2007-05-10T21:13:00.000-03:00

Título: What a Girl Wants

Probable título en español: "Papá y mamá: Diferencia de Nacionalidades"

Director: Dennie Gordon

Guión: Jennie Bicks, Elizabeth Chandler

Elenco: Amanda Bynes, Colin Firth, Kelly Preston

Género: aventura, comedia, drama, familia, romance

Año: 2003

Es lo que es. Se pasa rápido, para ser lo que es. No deja de serlo, por ser lo que es. Disculpen, estaba viendo si podía componer una canción sobre películas que son siempre iguales las unas a las otras y no tienen nada que ver con ninguna realidad humana que conozca. No asuman que éste es el caso de What a Girl Wants. Porque asumir está mal. Tendrían razón, pero asumir está mal.

Amanda Bynes (What I Like About You) interpreta a una muchachita que vive en USA con la madre, papel que pertenece a Kelly Preston (For Love of The Game). La madre había quedado embarazada de un británico que conoció viajando, igualito a Colin Firth (Hope Springs). Pero la familia del señor no le tenía mucho cariño, siendo ella tan relajada y ellos ingleses fríos y aristocráticos, así que la terminaron alejando. Entonces su hijita, una vez crecida, decide ir en busca de su padre. Porque en las películas, hay que tenerlo todo y con un buen postre al final.

What a Girl Wants en realidad tiene mucho misterio. Bueno, un solo misterio, pero que me tortura hace años. Cómo hacen las mujeres para ponerse una tiara y que no se les caiga? Lamentablemente, el film no responde este esencial interrogante. Las escenas entre la adorable Bynes y Firth son las únicas que tienen un cierto carisma, considerando que son un par de actores capaces de recitar diálogo y hacerlo parecer una conversación. Esto es cuestión del destino, porque tienen menos dirección general que moscas mareadas, pero no se los puede culpar. También triste es que no tienen muchas escenas compartidas, al menos que cuenten, hasta después de que consumimos media película. Una vez pasa el columpio, en este sentido es cuesta arriba. Otra interrogante que surge de ver What a Girl Wants, es cómo el personaje de Bynes llegó a vivir más de cinco años en este mundo, siendo tan extremadamente torpe? La comedia física puede ser un beneficio, mas casi nunca resulta. Es más, acá hasta arruina las pocas escenas que llegan a producir risa. Apenas pensaba "bien, me estoy riendo, no hagan que se caiga, no hagan que se caiga"... ya sabía que era inevitable. Entre las demostraciones de falta de coordinación motriz, se incluyen accidentes que involucran dunas, piernas, paredes, pasarelas, armas y botes. Sí, las conté. Era necesario.

La dirección de Dennie Gordon (Joe Dirt) no se entromete en absoluto. Ahora, vamos a probar una pequeña teoría: las películas deben tener al menos una combinación de buena trama, buen director, buen elenco... es decir, necesitamos dos de esas cosas. Un elenco decente solo no llega a ningún lado, para eso miro un programa de entrevistas. Siendo tan débil desde el punto inicial como lo es, What a Girl Wants podría haberse beneficiado de mayor dirección por parte de Gordon, sin embargo, nada. Podrían haber programado las cámaras, dejado a los actores que hagan lo suyo, y listo, el presupuesto se desinflaba con un sueldo menos.

Esta película es nada más que un síntoma de una enfermedad antigua y ya bien diagnosticada. Cuando aquéllos a cargo se toman muy en serio ese dicho de que "no hay nada nuevo bajo el sol", ni siquiera se esfuerzan. Y ésa es la razón por la cual no hay nada nuevo bajo el sol. Alerta de círculo vicioso. No sólo hablando de historia, también el casting. El inocuo e innecesario interés romántico de la protagonista es interpretado por el mismo muchachito británico que un año después pasaría a seducir otra jovencita norteamericana alimentada a base de Disney y azúcar, Hilary Duff. He aquí el tercer misterio, una suerte de metamisterio en realidad. Al menos en esta década, el pibe tiene la presencia en pantalla de un extra glorificado. En sus mejores momentos, en los peores se destaca más un empapelado poco creativo que él. Entonces, qué es lo que los directores de casting le ven? No sé, asumo que conectó bien con las adolescentes. Otra británica que noté aparece en What a Girl Wants es la chica que pasaría a hacer Hex. Así que, por supuesto, apenas la vi desperdicié tiempo esperando que matara algún demonio, le inyectara algo de acción a la cosa. Pero no, predeciblemente, nada de demonios. Cada buen momento de la película, como por ejemplo la abuela de la protagonista practicando tiro en el patio trasero de la mansión, y fallando miserablemente, es diluido por la comedia física con la que deciden cerrarlo. A excepción de uno solo, involucrando un candelabro, que parece haber sobrevivio intacto como ocasión digna de gracia.

Con todo dicho y hecho, no me quedó bien claro qué es lo que una chica quiere. Para el final de What a Girl Wants, la protagonista se despide con madre, padre, novio, universidad prestigiosa, y todos sus antagonistas en situaciones menos que ideales. Qué final, eh. Faltaba que alguien se gane la lotería. Quizás hubiese sido más fácil enumerar lo que una chica no quiere, y ahorrarnos un poco de tiempo. Si les resulta suficiente pasar 105 minutos con Amanda Bynes, entonces por todos los medios, no se nieguen el gusto. En cambio, si quieren un poco más de sustancia con su cine, o al menos calidad, no se molesten y miren Water o algo por el estilo.

5/10 J (cinco de diez Jorgitos)

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Turistas

2007-05-10T21:08:00.000-03:00

Título: Turistas

Probable título en español: "Las Vacaciones de tu Muerte"

Director: John Stockwell

Guión: Michael Ross

Elenco: Josh Duhamel, Melissa George, Olivia Wilde

Género: aventura, drama, terror, misterio, thriller

Año: 2006

Pueden haber sido las bajas expectativas. Si les sirve de consuelo, cúlpenlas. Personalmente yo no necesito consuelo. Después de ver las terribles críticas, seguía algo entusiasmado por ver Turistas. No hay nada de malo en disfrutar de alguna que otra actriz bonita escapando de un carnicero amateur. Pero sí pensaba que iba a ser casi insoportable: según los valientes que la vieron antes que yo, cada minuto es una tortura equivalente a las que pasan por la pantalla. Con toda la humildad que puedo producir, creo que tengo un problema glandular, creo que mucha gente se equivocó, al menos parcialmente.

Josh Duhamel (Las Vegas) interpreta a un muchacho que acompaña a su hermana, la encantadora Olivia Wilde (The OC), a vacacionar en Brasil. Un autobús a medias construido en el que van recorriendo la ruta vuelca, conocen al personaje de Melissa George (The Amytiville Horror) y algunos otros turistas desafortunados, la pasan bien en un bar que encuentran por ahí en vez de esperar el otro bus... y después las cosas se ponen feas cuando se despiertan después de haber sido drogados y víctimas de un robo. No les queda nada, apenas hablan el idioma, y encima es una película de terror, así que es evidente que alguien va a querer matarlos. Qué mala suerte, caramba.

Es cierto que los brasileños, hasta los últimos cinco minutos de Turistas, no son retratados en la mejor luz. Si una no es prostituta, el otro es ladrón, o asesino, o drogadicto, o traidor, o tiene muy pobre higiene personal. Ahora, no me parece que tan terrible. Agarren cualquier país del mundo, y van a encontrar múltiples ejemplos de ciudadanos que exhiban en una medida u otra esas características. Nadie es inmune. Los protagonistas de la película tuvieron una mala experiencia, la Cámara de Turismo de Brasil o lo que fuera no tiene porque ponerse tan nerviosa. Al menos me tienen a mí para explicarles a todos lo que quieran oírme: todos podemos ser víctimas del tráfico de órganos humanos hasta en la esquina de nuestra casa. Ya pueden sentirse más seguros, no? Típica advertencia gráfica que siento es imperativo expresar; si tienen algún problema viendo cómo un médico sin demasiado motivo mata a un hombre atravesándole el ojo con un palillo hasta que llega al cerebro, no miren Turistas. Son cosas que pasan. Y si el lenguaje vulgar hiere sus sensibilidades cristianas, otra razón para alquilar algo de Disney. Después me preguntan por qué no quiero irme de vacaciones y cada vez que puteo me sale "fuck".

Sí, Turistas no existe para hacernos pensar. Existe para hacernos sentir. No particularmente una conexión intelectual o emocional con los personajes, tanto como un solidario "yo en su lugar estaría en posición fetal en el medio de la selva". Hay que admitirlo, estamos viendo una peli de terror, no una obra cinematográfica histórica como Brazil. Es decir, estamos viendo Brasil, pero no Brazil. Ustedes me entienden. Así que entre una muy bonita escena en donde el mencionado bus vuelca y se va por una colina, de un modo poco funcional para un vehículos; los paisajes tropicales, que pueden no ser tropicales porque no sé bien qué se considera tropical, pero parecen bastante tropicalescos; cuevas subterráneas llenas de pececitos y agua cristalina, Turistas tiene cosas que ofrecer. Nuevamente, no serán de las más artísticas, pero no todo tiene que ser arte. No quisiera vivir en un mundo donde el único cine es el dramático independiente, tanto como no quisiera vivir en uno donde las pantallas sólo muestren gente bonita cortada en pedacitos. Es a éste último sub-sub-subgénero que pertenece el film en cuestión. Sigue también la probada ley que dice que aquel personaje con menos líneas cuando las cosas se ponen feas, es el primero en morder la bala. No literalmente, pero con los mismos efectos. Siento la responsabilidad de desalentar las malas críticas casi directamente. Hay quienes se quejaron de la explotación de la violencia en Turistas. Es hora que nos demos cuenta que el sexo y la violencia, en orden alfabético, son dos aspectos intrínsecos de la humanidad, siempre lo han sido y lo serán por siempre, y en la actualidad son el pan y el queso del cine. No hay ninguna vergüenza en tanto explorarlos como explotarlos. Una persona sin libido y/o temperamento difícilmente es persona en absoluto. Para pertenecer al género que pertenece, bueno, Turistas no se llega a destacar, pero tampoco decepciona. Todo en perspectiva, muchachos. Uno entra pensando que va a ver gente genéticamente afortunada soportar la mala fortuna de encontrarse en una situación desesperante donde no van a durar mucho, al menos enteros. Y eso es lo que consigue. Ya resulta bastante exitoso el proyecto. El elenco es obligatoriamente agradable a los globos oculares, habiendo los productores gastado lo que se ahorraron en guardarropa en efectos de lluvia y otras secuencias destinadas a humedecer tantas pulgadas cuadradas de piel como sea posible. Si los críticos temen porque las nuevas generaciones se entretienen fácilmente con violencia gratuita y sexo promiscuo, me parece que es temor desperdiciado: mejor asustarnos cuando nuestros líderes espirituales se entretienen con lo segundo, y nuestras agencias de seguridad pública con lo primero. Igualmente, es una excusa, tengo muchas. A la mayoría nos divierte ver violencia y algún que otro pezón. Es naturaleza humana. Como segunda excusa, menciono que si no vemos violencia en el cine y la televisión, la vamos a buscar en las calles. Uh, qué miedo, no? Con certeza, la trama no es nada que muchos escritores envidien, pero nos lleva del punto A al punto C pasando por el B. Caracterización, innecesaria. Alegorías, innecesarias. Entretenimiento, garantizado y bienvenido.

Cualquier película que moleste a un gobierno, brasileño o no, tiene un cierto picante extra. Entre otras cosas, Turistas causó indignación publicitándose con falsas advertencias de peligros en sitios web de viajes. Es una anécdota, no cambia nada.

En fin, deberían pasar 90 minutos en compañía de este film? Sí, si les gusta el género y/o el elenco, lo van a disfrutar. No tiene nada nuevo que ofrecer, pero tampoco va a arruinarles la fe en el cine, y dudo que alguien fuera a usar esos 90 minutos en algo más productivo. Siéntense, relájense, y agarren un pañuelo por si la sangre les salpica la cara.

6/10 J (seis de diez Jorgitos)

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Diary of a Mad Black Woman

2007-05-10T21:02:00.000-03:00

Título: Diary of a Mad Black Woman

Probable título en español: "Querido Diario"

Director: Darren Grant

Guión: Tyler Perry

Elenco: Kimberly Elise, Steve Harris, Shemar Moore

Género: comedia, drama, romance

Año: 2005

Desde tiempos inmemoriales, los hombres se han vestido como mujeres para brindarnos comedia de la mejor y peor calidad. También por otras razones, pero no vamos a ahondar en eso ahora mismo. Con Diary of a Mad Black Woman, Tyler Perry se sale con la suya: cuando él está en pantalla, nos hace reír. Cuando no, los tonos dramáticos en muchísimas ocasiones llegan a resonar con claridad. Y cuando se pone los zapatos de romance contemporáneo, sigue los mismos pasos que miles antes y se asegura que solamente aquéllos con un mínimo de tres ovarios puedan soportar las escenas. Mas no teman. Excluyendo esos momentos necesarios para que la trama tenga algo de positivo a lo cual las mujeres puedan aferrarse, el resto de la película es excelente.

Kimberly Elise (The Manchurian Candidate) interpreta a la protagonista, una señora extremadamente ilusa con quien gran parte de la población femenina puede identificarse. Habiéndole dado demasiadas oportunidades a su pésimo matrimonio con el personaje de Steve Harris (The Practice), en realidad nada más porque tiene el ingreso bruto de una nación pequeña, aunque ella crea y pretenda hacernos creer que estaba enamorada; la situación llega al punto sin retorno en el que él la abandona a ella. Y cómo la abandona. Eso es el principio del film, con mucho más drama que comedia. Posteriormente conoce al obligatorio interés romántico que le devuelve la fe en la humanidad, interpetado por Shemar Moore (Motives), sin demasiada personalidad. Pero no la necesita, nada más tiene que ser bueno y proveer a la mujer con consuelo y esperanza. Qué tierno, no? Sí, demasiado. Aunque no se podía esperar menos.

Película independiente basada en una obra de teatro de la autoría del mismo hombre que redactó el guión, Diary of a Mad Black Woman, con sus defectos de cuento de hadas, igualmente tiene agallas para meterse con asuntos difíciles sin minimizarlos casi hasta el final. Ya sea drogadicción, crueldad humana, traición y engaño, el odio que puede llegar a generar intimidad desperdiciada, muchos temas complicados se presentan en su mayoría como son: irreconciliables con una vida de paz sin arrepentimientos. Steve Harris la da vida a uno de los maridos más despreciables del cine, pero no uno de ésos abiertamente despreciables, no. Él espera a que se cierren las puertas para mostrar su verdadera identidad, y de éstos el mundo está repleto, así que bien por la fidelidad a eventos reales, o al menos realistas.

Tyler Perry interpeta varios papeles, como tanto comediantes que le han precedido, y logra en cada escena la risa que se propone. Esto no es decir poco, hay filmotecas inundadas de comedias que no tienen nada de humor, y lo único que hacen es regurgitar viejas nociones de lo que es divertido, mucho mejor desarrolladas en otras épocas. Poniéndose el traje de señora madura con sobrepeso, y llevando un arma en la cartera a todas partes, el señor Perry es el miembro del elenco que con menos tiempo en pantalla del que nos gustaría, imbuye de idiosincracia y alegría a toda la película. Pasada la marca de la mitad, la historia toma un muy satisfactorio giro "a la Misery", como acertadamente comenta uno de los personajes de Perry. Por supuesto, es contrarrestado con toda la cursilería propia de un romance incipiente entre dos personas bastante aburridas, que como en tantas obras anteriores se hablan el uno al otro del mismo modo que un par de pretendientes enamorados en una obra británica antigua, con o sin palabras multisilábicas. Lo impresionante de Diary of a Mad Black WOman, es que es capaz de hacernos dejar todo eso de lado, ignorarlo, o en momentos... hasta apreciarlo un poco. Sin duda alguna los diálogos más rosados y/o inspiracionales deben tener una potencia mayor sobre un escenario, en vivo y en directo, que comprometidos por toda la eternidad a video. Pero son las obras de teatro también uno de los medios que mejor se prestan para adaptar al cine, y eso se nota en la película.

Puntos extra por el montaje al son de "What if God was one of us". Lo dije una vez y lo volveré a decir, si es necesario usar ese viejo, tan conveniente recurso, la música que se le ponga encima lo hace o deshace. También recomiendo apasionadamente tener paciencia y esperar hasta después de la canción que pasan sobre los títulos finales, para lavarse ese sabor a cursilería y redención total que dejan las últimas escenas, con algunos cortes en los que Tyler Perry nos deleita con la comedia que tan bien sabe conjugar. Una buena forma de llevarse para el camino lo que es el punto fuerte de Diary of a Mad Black Woman: cuando nos hace reír honestamente y sin culpa.

Aduñeándose de su primera producción, con buenas razones independiente, Tyler Perry hizo una película por poco más de 5 millones de dólares. Como es debido por la calidad general, el proyecto le devolvió más de 50 millones. Eso le dio al buen hombre la reputación para venir haciendo ya una película por año. Aunque no llegué a ver ninguno de sus trabajos posteriores todavía, tengo muy serias dudas que se acerquen a Diary of a Mad Black Woman, la cual fue sorprendentemente satisfactoria.

Nadie que disfrute del cine, y acepte historias algo trilladas, pero con momentos imperdibles, debería dejar de ver esta película. Ahora, con toda esta excelencia, vale la pena agregarla a la filmoteca, muchos pensarán. Pero estarían lamentablemente equivocados. Si bien es un gusto ver Diary of a Mad Black Woman, es un gusto único e irrepetible. Me es difícil imaginar que una segunda visita sea tan interesante como la primera. Si a alguien se le antoja y estoy cerca, merecería otro vistazo, pero no llega a ser material de colección.

9/10 J (nueve de diez Jorgitos)

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The Departed

2007-05-10T20:18:00.000-03:00

Título: The Departed

Probable título en español: "El Desastre de la Corrupción"

Director: Martin Scorsese

Guión: William Monahan

Elenco: Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson

Género: crimen, drama, thriller

Año: 2006

Cuando el año pasado vi los avances para The Departed, mi reacción fue una de total indiferencia. Porque a veces me equivoco, todos tendemos a prejuzgar. Algunos con más gusto que otros. Aun así, antes de verla, considerando al elenco y lo que decían algunos críticos, era bastante obvio que iba a tener tanto éxito, al menos entre los snobs de los medios, que no iba a poder escaparme, aunque de verdad, en serio, no me interesaba. Después de pasar dos horas y media sin aburrirme ni un momento, no vuelvo jamás a formar una opinión previa. Al menos por unos días.

La trama de The Departed demanda que prestemos atención. Lo mínimo que tenemos que hacer es reconocer los rostros de los actores, los cuales deberían ser todos bastante reconocibles, para poder seguirle la pista a los personajes. Mucho mejor si son capaces de acordarse los nombres de los personajes, así saben cuando se habla de ellos. Sé que a muchos les cuesta, pero vamos, hagan el esfuerzo, no se van a arrepentir. Leonardo DiCaprio (The Aviator) interpreta a un policía de mala familia, perfecto para infiltrarse entre los maleantes de un jefe criminal, a quien Jack Nicholson (Something's Gotta Give) le da vida, carisma, voz, imagen y tantas cosas más. Matt Damon (Syriana), por su parte, es la otra cara de la moneda del personaje de DiCaprio: un protegido del jefe criminal que se tomó el trabajo de pasar años como policía, sólo para poder llegar a una posición privilegiada para informar al capo mafioso.

Todos ahora tenemos que tomarnos un momento para admirar la presencia de Jack Nicholson en una pantalla. Es incomparable. Especialmente cuando hace de un tipo que no es particularmente agradable, al menos como la tradición impone. Probablemente uno de los pocos actores capaces de ponerse corbatas ridículas y seguir inspirando respeto, Nicholson se las arregla para verse completamente natural y aceptable mientras revolea manos no adheridas a ningún cuerpo sentado a una mesa comiendo, insultando curas con más pasión e impunidad que creatividad, sacudiendo un consolador en el medio de un cine porno, y apareciendo en el medio de una escena todo ensangrentado sin demasiadas explicaciones. Suficiente? Ni siquiera, hay para rato, pero no quiero mencionar todo. The Departed podría descansar cómoda en los hombros de este genio indiscutible, pero por fortuna excesiva, nos ofrece bastante más.

El funcionamiento del crimen organizado no es uno de los misterios más grandes del mundo. Entre drogas, armas, sobornos, "protección", apuestas, robos y otras actividades lucrativas por su escasez, los chicos se divierten y enriquecen. The Departed no se molesta, ni nos molesta, con ningún asalto complejo preparado por tres cuartos de la película y que cuando al fin pasa trae mucha acción pero no se entiende nada. En lugar de concentrarse en eso, el escenario principal lo ocupa el problema del agente encubierto. Cómo se asume tanto una identidad, que se vuelve la propia. Ilustra con mucho éxito los obstáculos que surgen cuando la mano derecha no sabe lo que está haciendo la izquierda. No se puede ni aplaudir, irónicamente, porque me dieron muchas ganas. Las clásicas y a menudo también encubiertas perversiones tan adheridas a la humanidad como hipopótamos al suelo, están presentes, aunque no resaltadas como yo esperaba. Bueno, excepto la violencia.

Aparentemente, la primera reacción ante frustración, miedo, oportunidad, lluvia, tos, desesperación, furia, frío y picazón, es darle un buen golpe a alguien y repetirlo ad nauseam. Al menos ese toque de realismo que adoro fue agregado, y el personaje de DiCaprio, después de propinar una paliza digna de Fight Club, tiene que visitar el hospital para atender su dolorida mano. Lo que va, te vuelve. Hablando de DiCaprio, nada mal el muchacho. Hasta me hizo creer que podía moler a palos a un par de señores, considerando su humilde tamaño y el volumen generoso de los otros. Hay que darle su mérito.

Nuevamente no pude evitar notar con gusto la banda sonora, no tanto por la elección de canciones, sino por un recurso bastante efectivo que siempre levantaba la mano para que le prestara atención. Las canciones eran a menudo interrumpidas bruscamente, en el medio de un acorde y una palabra, a favor de acentuar la importancia de lo que estaba pasando. Y les aseguro que funcionó muy bien. Es una buena señal cuando un efecto de sonido juega un papel tan beneficioso que casi se quiere antropomorfizarlo y darle la mano, felicitándolo por un trabajo excelente. Cambiando de tema tan repentinamente como cortaba la música, cualquier película que ponga la palabra "feudal" en la boca de un personaje para nada pretencioso, tiene puntos extra en mi libro.

The Departed, como sabrán, ganó cuatro premios de la Academia (sí, esa molesta Academia), por Mejor Película, Mejor Guión Adaptado y Mejor Director. Y Mejor Edición, pero en serio, tanto como sea necesaria... bueno, pongámoslo así: sería un día raro si podemos parar a un par de personas en la calle capaces de nombrar tres editores famosos cada una. En el momento me sentí indignado por tanto reconocimiento, habiendo otros proyectos que me habían atraído más, pero nuevamente, admito mis errores. The Departed, si bien quizás no la más merecedora de las entradas, sin ninguna duda está por encima de la gran mayoría de películas que se estrenan por ahí en el mundo. No me quejo. Probablemente Scorsese tampoco, ya que tuvo su éxito de taquilla mayor, recaudando casi 280 millones de dólares, más que triplicando el presupuesto de 90 millones. Algo que anduve leyendo en alguna que otra publicación y que me pareció interesante, es que cabe la posibilidad de una continuación a estrenarse en el 2009. Ahora, esto no me molesta en absoluto, bienvenido sea. Y cómo me intriga el elenco, ya se escuchan ruidos de Robert De Niro.

En definitiva, The Departed fue una de las sorpresas más agradables que he tenido en estos meses, nunca aburriendo y con Jack Nicholson adueñándose de cada cuadro en los que aparece. Para ni mencionar que cuando uno piensa que bueno, ya está, terminamos, todavía nos quedan unos buenos 20 minutos para disparar balas que den vuelta toda la historia. Un futuro clásico del cine norteamericano, con uno de los mejores actores de todos los tiempos en uno de sus mejores papeles y momentos. Y la primer película en ser admitida a la Filmoteca oficial de este blog. Todo un honor. Quién necesita premios de la Academia?

8/10 J (ocho de diez Jorgitos)

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The Devil's Rejects

2007-05-10T19:54:00.000-03:00

Título: The Devil's Rejects

Probable título en español: "Por Amor a la Violencia"

Director: Rob Zombie

Guión: Rob Zombie

Elenco: Sid Haig, Bill Moseley, Sheri Moon

Género: crimen, terror, thriller

Año: 2005

En primer lugar, hay que aclarar algo. The Devil's Rejects es una película de violencia extrema, siguiendo la idea de que vamos a ver cómo gente es asesinada y/o torturada por 105 minutos de nuestro tiempo. No sólo eso, sino que es la secuela de House of 1.000 Corpses, obra que yo adoré. Así que para en realidad disfrutarla, tienen que ser buenos amigos con el género, y entender que si no vieron el film anterior, no van a entender todo. Es el precio que pagamos. Me alegra anunciar que en el siglo XXI el cine de explotación violenta sigue vivo y en buen estado, y que The Devil's Rejects le hace honor a los proyectos que fueron su inspiración.

Siendo como es, una secuela, lamento informarles que no van a disfrutar del principio ni el final sin haber visto primero House of 1.000 Corpses. The Devil's Rejects empieza con los protagonistas, una de mis familias del cine favoritas, el Clan Firefly, un grupo ecléctico y exclusivo de psicópatas homicidas, durmiendo apaciblemente en su dulce hogar. Ya con eso notamos que esto no es la típica película de terror en la que aquéllos que cometen las atrocidades son individuos más que humanos que no necesitan comer, respirar ni descansar; y aun más: en lugar de acompañar a las patéticas y poco interesantes víctimas por la duración del film, como es común, tenemos el privilegio de seguir de cerca a los "malos". El sueño de la familia es interrumpido por una redada policial, y abrimos con un tiroteo que no es el denominador común del resto de la película. Posterior a eso, los personajes de Bill Moseley (Home Sick) y Sheri Moon (House of 1.000 Corpses), logran escapar de las autoridades y buscan reunirse con el patriarca interpretado nuevamente con un brillo indiscutible por Sid Haig (House of 1.000 Corpses). Homicidio va, homicidio viene, el policía a cargo de la investigación desarrolla una admirable sed de venganza cuando se entera que la familia es responsable por la muerte su hermano, y busca antes que arrestarlos, ejercer su derecho divino a represalia y compensación.

Rob Zombie (House of 1.000 Corpses) nuevamente nos invita a entretenernos con el retorcido fruto de su imaginación, y ésa es una invitación a la que yo me niego a negarme. Tiende a ser una buena señal cuando una película es escrita y dirigida por la misma persona, le confiere una cierta unidad, pero más importante todavía, nos deja culpar a una sola persona por su éxito o fracaso. Nos ahorramos intermediarios y discusiones. Como dije, House of 1.000 Corpses es para mí una de las mejores cosas que el cine tiene para ofrecer, pero soy también el primero en admitir que no pretende complacer a todo tipo de audiencia. Con eso en mente, quiero extender mis felicitaciones al señor Zombie por ser el titiritero experto de un espectáculo más que satisfactorio en The Devil's Rejects, si bien hay que ubicarla un peldaño por debajo de su predecesora. La dirección de Rob Zombie hace que todo el elenco sea completamente efectivo, y eso sin mencionar el diálogo, que es uno de los más naturales y graciosos que puedan encontrarse comprometidos a cinta cinematográfica en estos tiempos.

A riesgo de repetirme, este tipo de películas no son para todos. Si tienen algún problema con violencia extrema, desviaciones sexuales, sadismo, desnudez, lenguaje explícito, o cualquier otra de esas cosas que distinguen al hombre de los animales, levanten la mano y levántense del asiento, porque The Devil's Rejects no es para ustedes. Yo personalmente amo todo lo perverso, así que la pasé de las mil maravillas viendo algunas de las golpizas más salvajes que recuerdo, y torturas tan creativas e irónicas que muchos ejércitos podrían usar esta película como entrenamiento para interrogadores. Ahora, si son gente sensible y temerosa de deidades, pero igual planean ver esto para endurecerse y soportar los castigos del mundo real con todo el estoicismo posible, y dejar de desmayarse cada vez que ven sangre; les advierto que también hay múltiples tomas del trasero desnudo de Sheri Moon. No me estoy quejando, para nada, pero quiero que sepan que la violencia está condimentada con sexualidad, y eso puede ser demasiado para ciertos corazoncitos inocentes. Cambiando de tema, una escena en la que la policía descubre la conexión entre los alias del genial personaje del genial Sid Haig y los personajes de Groucho Marx, y deciden llamar a un experto para informarse mejor, es tan idiosincrática que se merece una ovación. El experto resentido porque Elvis Presley falleció tres días antes que Marx y le sacó publicidad, y el policía echándolo y putándolo porque él es fanático de Presley, es imperdible. Pero volviendo a lo anterior, The Devil's Rejects no se censura en absoluto... bueno, sí, pero muy poquito. Si les impresiona la violencia explícita, directamente no la miren, en vez de pedirle a la persona de al lado que les avise cuando dejan de mostrar la sangre para que puedan abrir los ojos, porque van a estar viendo el interior de sus párpados con más atención que otra cosa.

No soy partidario de las bandas sonoras en la mayoría de los casos, especialmente cuando se trata de proyectos como The Devil's Rejects, en los que los efectos de sonido dejan una impresión mucho más duradera que cualquier canción. Pero cómo lo hace Rob Zombie, pulgares arriba para el uso de la música. Inclinándose más hacia el rock ligero, el blues y el country que el heavy metal favorecido por muchos ejemplos del género, lo que hace la música en vez de taladrarnos los tímpanos o siquiera enmarcar la acción, es recordarnos que existe un mundo alegre y despreocupado mientras los protagonistas recorren su camino de homicidio y tortura. Un contraste más que bienvenido. Y la secuencia final al son de "Free Bird" de Lynyrd Skynyrd está tan bien lograda, que demanda que nos pongamos definitivamente del lado de los asesinos sádicos y celebremos sus depravadas tradiciones. Porque los Firefly, criminales insensibles y máquinas de matar como son, también son revolucionarios. Ellos hacen lo que hacen, sin excusas, e indiscutiblemente sin rastro de hipocresía. Si bien al principio Zombie vuelve a utilizar una definición visual más baja que el standard moderno, como si se filmara un televisor prendido, al igual que hizo en varias escenas de House of 1.000 Corpses, ese efecto en esta ocasión no tiene la extensión que en la película anterior, prefiriendo alienar menos espectadores con una cinematografía más consistente a lo largo de toda la duración. El personaje de Sid Haig, un payaso dueño de un espectáculo de fenómenos a un costado de la carretera, afortunadamente regresa para solidifcar su puesto como uno de los más simpáticos y terroríficos payasos en la historia del cine. Una escena en particular en la que roba el coche de una mujer que está con su hijo, vale su peso en oro... bueno, no su peso, porque dudo que pese mucho, pero es muy valiosa, ya me entienden. Y pensar que el niño que interpreta al hijo de la señora no va a poder verse por unos años. Ése es otro punto: The Devil's Rejects es una de las pocas películas que ni yo puedo permitir que sea libremente distribuida a las masas preadolescentes. Algunas cosas hay que ahorrarle a la juventud. Me sorprendió enterarme que hay una escena borrada que incluye a Rosario Dawson, lo cual es una lástima porque una actriz tan querida por los críticos podría haberle dado un mejor recibimiento al film en general. Pero bueno, no se puede tener todo.

The Devil's Rejects tuvo el privilegio de más que duplicar su humilde presupuesto, costando 7 millones de dólares y recaudando más de 16 millones. Si bien es cuestionable la prudencia de producir una tercera parte de esta historia tan bonita, no me sorprendería dado el éxito financiero.

Qué quiero decir con todo esto? Quiero decir que si mi futura mujer consigue The Devil's Rejects una noche, y pretende acurrucarse en las escenas más difíciles, puede tratar todo lo que quiera y cabe la probabilidad que yo tenga un ojo pegado a la pantalla.

7/10 J (siete de diez Jorgitos)

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Dirty Dancing

2007-05-10T19:46:00.000-03:00

Título: Dirty Dancing

Probable título en español: "Bailarines Audaces"

Director: Emile Ardolino

Guión: Eleanor Bergstein

Elenco: Jennifer Grey, Patrick Swayze, Jerry Orbach

Género: drama, música, romance

Año: 1987

Desde hace un cierto tiempo, y Dirty Dancing es prueba cronológica, las películas sufren por aspirar a determinado efecto, sólo para conseguir que los aspectos secundarios de la historia se destaquen. Dirty Dancing terminó producción y nací yo. No me arrepiento de haber esperado estos 19 años para verla entera. Mientras la mayoría de la música me hizo mover la cabeza, o sea, mi mayor acercamiento fidedigno al baile, no pude establecer ningún tipo de conexión con los personajes. Bueno, más allá de reconocer los estereotipos después de dos escenas.

Jennifer Grey (Ferris Bueller's Day Off) interpreta a una adolescente típicamente obediente, tensa y amable, que va a pasarse un verano con su familia a un resort, o algo parecido. Jerry Orbach (The Imagemaker) es el padre que sufre mil y un martirios una vez su hija conoce al personaje de Patrick Swayze (Youngblood), un instructor de baile del establecimiento. Por la primera mitad de Dirty Dancing, ella pide prestado dinero a su padre para financiar el aborto de una amiga de él, y tiene que reemplazarla en un show de baile. Después de eso, no hay mucho compromiso emocional. Eso sí, bailan. A cada rato, en cualquier lado.

Omitiendo las escenas de baile, no sé si mencione que hay muchas y tiene sentido, podría jurar que si uno fuera a reemplazar a Patrick Swayze con un muñeco de plástico, conseguiría los mismos resultados actorales. Sin embargo, la perla adentro de esta ostra es Jennifer Grey, quien a pesar de contar con poco, poco, poco... bueno, nulo atractivo, llega a habitar su personaje con algo de gracia. Perteneciendo a la desafortunada generación que pertenezco, no pude evitar escuchar el tema de Law & Order cada vez que Orbach estaba en la pantalla, esperando ver un cuerpo sangriento en el medio de los árboles. Eso sí, interpretando al pobre padre que sufre por las indiscreciones de sus hijas, es indispensable para que la película me dé algo que ver sin cuestionar demasiado la integridad narrativa. Un genio, que en paz descanse, aunque no sea Dirty Dancing su boleto artístico al paraíso.

Con todos sus defectos, algo que la película es capaz de ilustrar con sorprendente precisión, es el tradicional magnetismo que tienen los típicos chicos malos que saben bailar y cuando no pueden encontrar las llaves del auto rompen una ventana, sobre la psiquis femenina adolescente. En otras palabras, la nena ve al tipo musculoso que debe tener un prontuario de acá a la Patagonia, y no le saca los ojos de encima. Por el otro lado, falla miserablemente en hacernos acordar, excepto en una o dos escenas bien pasada la marca de la mitad, que los protagonistas provienen de dos clases sociales muy distintas. Se muestra tan poca interacción entre el personaje de Gray en su ambiente adinerado, que uno se olvida. Y esto puede ser el resultado de ver tantas películas, pero en lo único que pude pensar mientras practicaban saltos en el lago, era "los pobres desgraciados se deben estar muriendo de frío".

Ahora, el baile es muy lindo. Quizás no me identifique demasiado, como he establecido lo más que me provoca la música es mover la cabeza de lado a lado o de adelante hacia atrás. Pero cómo la moví con Dirty Dancing, hasta ganas me dieron de entender cómo es que hace la gente para bailar. Por lo que pude descifrar, en un principio se confunden la disciplina y coreografía del baile con sexo simulado, todo al son de canciones pop de los '60s, que sonaban un poco fuera de lugar entre tantas ingles frotándose. Mas no teman, pasada esa etapa inicial, bailan más como bailarines que epilépticos. Un detalle que disfrute tal vez demasiado: para calmar a la muchacha embarazada que quiere abortar, le ofrecen licor. Fue tan descuidadamente real que me pareció encantador. Al igual que ese hotel o resort o cualquier término turístico que encaje. Está como para vacacionar ahí. Mientras no te hagas muchos problemas innecesarios... es decir, no hay que imitar a los personajes de Dirty Dancing.

A esta cosa la hicieron con 6 millones de dólares, y le ordeñaron casi 214 millones. Ahora saben a quién culpar por todas los horribles proyectos predominantemente musicales de los últimos 20 años. Para ni mencionar que a las muchachas les encanta, y seguramente arrastraron a los novios a verla... cuando nosotros tendríamos que rogarle a una mujer para que nos acompañe a ver Sin City. He ahí el mérito taquillero: las mujeres son las que mandan.

Finalizando todo ese monólogo, vale la pena que ustedes que aún no vieron Dirty Dancing le pongan sus jóvenes manos encima y le echen un vistazo? Sólo sin son mujeres, les va a encantar. Si no, miren American Beauty otra vez.

5/10 J (cinco de diez Jorgitos)

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Kids in America

2007-05-10T19:40:00.000-03:00

Título: Kids in America

Probable título en español: "Juventud del Mundo"

Director: Josh Stolberg

Guión: Andrew Shaifer, Josh Stolberg

Elenco: Gregory Smith, Stephanie Sherrin

Género: drama, comedia

Año: 2005

A las películas hay que juzgarlas según cuánto de su intención logran llevar a cabo. Si los realizadores buscaban elicitar alguna emoción en particular, y no lo lograron, la película, por más que se disfrute en cualquier medida, es un fracaso, un experimento cuyo resultado no fue el deseado. Uno puede estar tratando de calentar una pizza en el microondas y descubrir la cura para el sida, pero si se le quema la pizza, se queda sin cenar. Éste es mi problema con Kids in America. No hay ningún conflicto real que pueda considerarse dramático, y si bien cumple con su porción de comedia, uno espera más, y nunca lo consigue.

Gregory Smith (Everwood) interpreta a un desencantado estudiante de secundaria, asistiendo a clases en una escuela opresiva... aunque no más que cualquier otra. Comparte su falta de satisfacción con Stephanie Sherrin (Lenny the Wonder Dog), y cuando lo expulsan por un soliloquio dirigido a minimizar a la directora en un espectáculo escolar, ellos y un grupo de amigos que no tienen nada en común excepto que cada uno representa un estereotipo distinto, deciden protestar la "opresión" a la libertad que impone la directora de la escuela. Noten las comillas, acostúmbrense a ellas.

He de admitir algo al menos, Gregory Smith evidencia que en realidad puede actuar, tenga o no personaje. Incontables horas en el set de Everwood fueron desperdiciadas, pero Kids in America se beneficia con su presencia. Esto no quiere decir que la caracterización tenga algo que ver. En absoluto. Los personajes, uno tras otro y hay muchos, no presentan idiosincracias con las que podamos identificarlos como personas realizadas. Un aspecto positivo del vasto elenco, en el cual los adultos son una lista de rostros reconocidos a los que pocos pueden conjugar con un nombre correspondiente, es que nunca nos aburre con largas reflexiones sobre un solo personaje. Concedido, he ahí la falta de caracterización, pero por lo menos nadie puso todos los huevos en una sola canasta, so riesgo de depositar todo el proyecto en un héroe solitario que quizás no valga los 90 minutos de nuestro tiempo. Y en esto Kids in America tiene éxito, pasa como una brisa. No hay que cambiar de posición en el asiento, nos entretiene, aunque no demanda nuestra individida atención.

Una advertencia muy importante, que yo pasé por alto, sospecho inconscientemente, hasta minutos antes de sentarme a ver la película. Incluye a Nicole Richie. Nicole Richie. Sí, esa Nicole Richie. La hija de Lionel. Quede sentado que, no como lo muestran las promociones, tiene un papel menor que un neonato (decisión acertada por parte de los realizadores, ya que Richie tiene menos de kid y de actriz que George Bush de Premio Nobel de la Paz). Eso sí, la pobrecita de Caitlin Wachs tuvo que compartir un beso lésbico con Richie, lo cual hubiese sido genial, si no fuera porque la hija de Lionel ilustra ese conocimiento que dice que los perros tienen menos bacteria bucal que los humanos.

Durante Kids in America, el concepto de libertad de expresión, entre otras libertades a las que las civilizaciones capitalistas se han acostumbrado, es central. Lamento anunciar que, sumido en la frivolidad de la película, sólo se logra disminuirlo. Es bastante irónico que se desestime el interés de un personaje por la problemática de la mutilación genital femenina, y en cambio se lo desvíe a cosas "sobre las que puede hacer algo". Básicamente, en vez de trabajar para que en ninguna parte del mundo nadie tenga que sufrir torturas innecesarias, conviene trabajar para que en la comodidad de nuestras escuelas podamos decir, hacer, vestir o besar lo que nuestro corazón desee. Es ese espíritu utópico el que le resta valor a Kids in America: mientras medio mundo lucha por sobrevivir un día más, se supone que admiremos a estos chicos que luchan porque no los suspendan de sus escuelas, cuando ellos mismos admiten que el sistema educativo del que forman parte falla en sus bases más fundamentales. Los testimonios de verdaderos jóvenes que sufrieron esta "opresión" mientras aparecen los créditos en pantalla no hace más que incitarnos a preguntar si la juventud de hoy, en vez de haber perdido el ánimo revolucionario de años pasados, en realidad ha perdido todo sentido de perspectiva sobre lo afortunadas que son sus vidas, y cuánto de lo que los rodea es mucho más un privilegio que un derecho concedido por el orden natural.

A veces sorprende que un film independiente, costando menos de un millón de dólares y con distribución decente, no logre igualar su presupuesto. Éste no es el caso, aquellos abstemios entendieron que Kids in America es uno de los primeros ejemplos del género de la parodia escolar, que en estos últimos tiempos no llega a cumplir las expectativas. Sí, está repleto de frases repetibles de las cuales nos podemos reír sin culpa (excepto las que provienen de Nicole Richie, que aunque debían ser hilarantes en el guión... bueno, las dice Nicole Richie), pero falla más de lo que acierta. La justicia narrativa es completamente inexistente. La marca de un buen trabajo de ficción es que el protagonista tenga defectos, y el antagonista virtudes, tejiendo un tapiz más complejo de relaciones y motivaciones. Cuando los buenos y los malos llevan etiquetas para mostrarnos de qué lado están, no nos queda más que sentarnos y ver qué pasa, en vez de sentarnos y pensar en lo que pasa.

Conste, tengo que darle unos puntos extra. Si es necesario utilizar el recurso de un montaje de escenas para mostrar una acción o efectos prolongados, es siempre buena elección hacerlo al son de "It's the End of the World as We Know it" de REM. Y también, gracias al director de casting por contratar a Caitlin Wachs.

Dicho esto, los jóvenes de Kids in America no se parecen a ninguna juventud en su sentido amplio, americana o no, con la que yo esté familiarizado. Háganse un favor y evítense la molestia.

5/10 J (cinco de diez Jorgitos)

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Monster-In-Law

2007-05-10T19:32:00.000-03:00

Título: Monster-In-Law

Probable título en español: "Una Suegra Sin Piedad"

Director: Robert Luketic

Guión: Anya Kochoff

Elenco: Jennifer Lopez, Jane Fonda, Michael Vartan

Género: comedia, romance

Año: 2005

Caballeros, es una comedia romántica. Sí, ya sé, debería haberlo previsto. Pero cada tanto aparece una con personajes desarrollados y diálogo ingenioso que divierte a todos los géneros. Monster-In-Law no hace eso.

Huerfanita Jennifer Lopez (Shall We Dance) encuentra al amor de su vida, Michael Vartan (Alias), y hacen planes de casarse. Esto involucra a la madre del futuro esposo y actual médico, Jane Fonda (Stanley & Iris), una periodista diva que no quiere dejar ir al hijo. Combate entre las dos, blah blah blah.

Desde el momento en que nos presentan a Michael Vartan corriendo por la playa topless en cámara lenta, uno puede darse cuenta que Monster-In-Law no busca congraciarse con nadie que haya nacido con testículos incluidos. Sino sería Jennifer Lopez corriendo topless. El pobre señor Vartan hace un esfuerzo honesto por darle personalidad a su personaje, pero termina atrapado en las convenciones del género más gastado en la historia del cine, y ni siquiera le dan medio chiste en 100 minutos. Jennifer Lopez, en su milésima comedia romántica, ya sabe qué hacer. Ser bonita, simpática y descorazonada para que las muchachas se identifiquen. Porque no hay mujer que no se identifique con Jennifer Lopez. Al menos tenemos a Jane Fonda, después de quince años sin trabajar... esperen que la envidio. Ella sí llena a la suegra de espíritu, la hace interesante, devora el celuloide. Y es un gusto inmenso verla encajarle un manotazo a Jennifer Lopez durante un terror nocturno fingido.

Interpretando a una profesional que acaba de ser reemplazada por una mujer más joven, no tiene que ir más lejos que el espejo para encontrar inspiración. Las fotografías en la casa de su personaje, en las cuales se codea con Oprah Winfrey y numerosas figuras políticas, son verdaderas imágenes de Fonda con sus conocidos, tratando de hacernos acordar que esta mujer solía hacer cosas, y nosotros nos enterábamos.

Durante toda la película conté una puteada, lo cual vale destacar, porque no la vi venir. Esto es cosa mía, siempre me gusta que puteen, parece todo más natural. Sin embargo, ni Jane Fonda ni una palabra vulgar ni los intentos de Vartan son suficientes para que Monster-In-Law valga la pena, ni siquiera si quieren poner de buen humor a una dama. Miren Anchorman para eso. Permítanme ilustrar mi punto: los que más se divirtieron y jamás divertirán con esta película fueron un par de perros que al principio tratan de hacer perritos. Y con la dirección malévola de Robert Luketic (Win a Date with Tad Hamilton!) seguro les dejo hacer una sola toma. Saca alguna sonrisa en general el humor pasivo agresivo de las protagonistas, pero aun así no se salva. Las comedias tienen que hacernos reír, o al menos reconocer que deberíamos hacerlo. Monster-In-Law falla en su más importante objetivo.

No estoy solo en mi opinión! Tenía que festejarlo. Los críticos en su momento la descartaron como el cliché aburrido y anacrónico que es. Aunque la gente fue a verla... esa gente no era mi gente. Ganó más de 150 millones de dólares en la taquilla mundial

Bueno, resumiendo, no vean Monster-In-Law a menos que le tengan muchas ganas a Jennifer Lopez. O Vartan, o Fonda, quién soy yo para juzgar.

5/10 J (cinco de diez Jorgitos)

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The Pacifier

2007-05-10T19:23:00.000-03:00

Título: The Pacifier

Probable título en español: "Un Niñero Explosivo"

Director: Adam Shankman

Guión: Thomas Lennon, Ben Garant

Elenco: Vin Diesel, Lauren Graham, Faith Ford

Género: comedia, acción, familia, thriller

Año: 2005

Bueno, tengo que confesarlo, porque es mi promesa nunca mentirles en este espacio. Me reí. Me reí mucho con The Pacifier. La mayoría de las veces en voz alta, y eso que me dolía la garganta por un día lluvioso en la facultad. Pero en el departamento de comedia, funciona.

Vin Diesel (The Chronicles of Riddick) interpreta a un soldado con una misión. Cuidar a una familia amenazada por agentes que buscan conseguir un dispositivo creado por el padre. Soldado supervisando niños en suburbia. Honesta y culposamente divertido. Lauren Graham (Gilmore Girls) tiene un "personaje" como la directora de la escuela a la que van los jovencitos. Directora y ex-militar. Lauren Graham. Ex... militar? Sí, bueno... pero pasados 80 minutos empecé a ser capaz de estirar la imaginación. Faith Ford (Hope & Faith) aparece también como la madre, porque alguien tuvo que dar a luz a la camada.

Básicamente, toda persona que disfrute ver como a Vin Diesel le muerde la oreja un pato encontró entretenimiento por hora y media. Me alegra reportar que también se incluyen chistes sobre los senos del señor Diesel, porque hay que admitirlo, llegado un punto los pectorales ya no son pectorales. Por todas las referencias a excremento que hay, es bastante irónico que dado el rating nadie pueda usar la palabra "mierda", y sí, la escatología me arruinó los bocadillos. Yo también puedo ser sensible: prefiero mucho más un cuarto lleno de cadáveres putrefactos que un pañal usado. En una nota positiva, hay pocas cosas que me provoquen más sonrisas que un enfrentamiento entre pandillas de scouts.

Todo esto no llegaría a hacer ni media película si no fuera por la destacada dirección de Adam Shankman (Bringing Down the House), que no se entromete en la predecible, pero inofensiva comedia. Y también aparece como el instructor de manejo de la hija mayor en una escena.

Si bien cualquiera tendría dificultades encontrando un solo crítico que tuviera comentarios constructivos, The Pacifier ganó más de 113 millones de dólares en la taquilla, probablemente contribuidos por gente como yo, que vio sus expectativas superadas.

En fin, consigue el honor de ingresar al salón de la fama de mi filmoteca? No, en absoluto. Pero si alguna madrugada me la encuentro en cable básico, sería una sorpresa bienvenida.

8/10 J (ocho de diez Jorgitos)

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Zathura: A Space Adventure

2007-05-10T19:10:00.000-03:00

Título: Zathura: A Space Adventure

Probable título en español: "Aventuras en el Espacio"

Director: Jon Favreau

Guión: David Koepp, John Kamps

Elenco: Jonah Bobo, Josh Hutcherson, Dax Shepard

Género: acción, aventura, familia, fantasía

Año: 2005

Éste es el problema: a veces hay películas enteras para las cuales no soy la audiencia dirigida. Pasa, mucho amor al cine venga o vaya. Comedias románticas en su mayoría me impacientan, aunque comedias animadas me hagan reír. Musicales son de dudoso éxito, pero siempre que haya un intento de horror la paso mejor. Debe ser el caso con Zathura, porque sin duda alguna demanda una suspensión de incredulidad que solamente prepubescentes indulgentes son capaces de acumular.

Básicamente, es Jumanji siglo XXI. Jonah Bobo (Around the Bend) y Josh Hutcherson (Little Manhattan) interpretan hermanos cuya relación es menos que sólida. El menor encuentra un juego que tiene consecuencias serias, entre las que se cuentan muchas experiencias cercanas a la muerte que eventualmente van a hacer que esa relación sea reparada por completo. Y también aparece el obligatorio extraño, con la cara de Dax Shepard en su mayor papel hasta la fecha, que los ayuda porque ya jugó el juego. Ven, Jumanji con navecitas.

Zathura es fantástica. Esto quiere decir, no tiene nada que ver con el más mínimo retazo de ciencia ficción respetable. Ni siquiera los clichés de ese género aparecen. Ahí es donde recae la suspensión de incredulidad que mencionaba: el fondo del espacio exterior podría haber sido reemplazado con cualquier cosa, desde una guerra en el Asia antigua hasta una aventura submarina. Uh, ya me veo la próxima película de este estilo. Aparentemente, el juego transporta a la casa de los hermanos, con ellos y una hermana adentro, justamente al espacio exterior. Qué parte, ni idea. Cómo, no sabemos. Por qué demonios no se mueren por falta de oxígeno instantáneamente, es un misterio que va a quedar sin resolver. Y que a menos que podamos acumular la bendita suspensión de incredulidad suficiente, nos va a atormentar a cada rato. Por el cerebelo, constantemente me taladraba la molesta pregunta "por qué tenían que hacerlo en el espacio?". Hubiese podido llegar al nivel de Jumanji, lo cual no es tarea tan difícil, si fuera otro el escenario.

Dicen que hay pocas cosas peores que trabajar con niños y animales. Ni me quiero imaginar cachorros. Igualmente, como el trabajo de menores es técnicamente ilegal, no me siento políticamente correcto criticando la actuación del joven Josh Hutcherson. Es más, directamente lo ignoraría, si no se lo notara tanto al lado de Jonah Bobo, quien aunque tiene aun menor edad logra expresar alguna cosa que otra. Aparte de interminable molestia, cosa que a los chicos les sale completamente natural. Casi nunca digo esto, pero Josh, si estás leyendo y entendés castellano, hacéle caso a las propagandas del gobierno y tratá de conseguirte una buena educación. Es por tu bien, no nada más para ahorrarnos tus futuros proyectos, en absoluto. El resto del elenco brilla. Brillan como actores, porque han estado y estarán en películas de mayor calidad. Bobo resulta simpático sin ser insufrible, Shepard tiene potencial latente de comediante y un aire a Zach Braff que no se puede negar, y Kristen Stewart, interpretando a la hermana, tuvo ganas de rebajarse en su profesión y desperdiciar talento.

La tagline de Zathura promete "Una nueva aventura del mundo de Jumanji". Lo cual no es particularmente cierto. Le hubiese dado la bienvenida a una secuela relativamente directa de Jumanji. Siempre me pareció que tenía una buena idea de fondo, con ese juego primitivo, que podía explorarse un poco más. Quién lo hizo, quién lo ha jugado, qué tan masivo puede ser su alcance. En cambio, lo que conseguimos con Zathura es básicamente la osamenta de Jumanji, con mucho menos drama y sentido. O sea, nada, porque Jumanji tenía lo mínimo necesario de ambos. Sin embargo, no todo está perdido. Siempre pasa que cada tanto el diálogo nos hace formar una sonrisa despreocupada con los labios, como cuando en Zathura se hace una apropiada referencia a Thirteen, y Bobo llama a su hermano "dick", que vendría a ser como "imbécil", pero menos educado. Por primera vez en mi vida me vi pensando en qué ejemplo sentaba la película para nuestra inocente e impresionable juventud. Así de aburrido estaba. Porque la acción se inicia cuando el personaje de Hutcherson manda a su hermano menor en un elevador de servicio hasta el sótano. Porque eso es completamente seguro. En este punto ni siquiera los amenaza un juego. Bien podrían esconderse adentro de la heladera, da lo mismo. Muy divertido, sin duda alguna, es ver durante toda la duración de la película, como van destruyendo la casa de a poco. Vamos, no finjan, saben que les gustan tanto como a mí. Mucho mejor que hacer estallar algo es demolerlo a golpes. Bueno, ésa es la idea. El mayor giro en la trama de Zathura es vergonzosamente predecible. Es más, si recuerdan Jumanji como yo, ni siquiera van a pensar que puede ser de otra manera. Es bastante deprimente. Que sea predecible, no el giro en sí. O sea, para resumir un poco, Zathura los va a satisfacer plenamente, si para probar la presencia o ausencia de gravedad, su primer instinto es escupir y ver si la saliva flota o sea cae. Me entienden?

Basada, como Jumanji, en un libro ilustrado de Chris Van Allsburg, Zathura posee el mismo esqueleto, hueso por hueso, aunque con todavía menos carne. Nada contra Van Allsburg, todos nos equivocamos. Lo bueno es que parecen haber mantenido los diseños gráficos de la novela original, y cosas como las naves espaciales de los alienígenas imprescindiblemente hostiles, y el obligatorio robot, tienen una apariencia retro que es bastante atractiva. Las veces que uno puede hacerse la cabeza que está viendo fantasía y no ciencia ficción, es todo muy bonito. Visualmente tiene su mérito. Aunque... bueno, no esperen nada de los mencionados alienígenas. Ojalá se hubiesen quedado en la nave, porque fueron mayor decepción. Hasta rezaba porque fueran un gran chiste en persona, como miniaturas feas fáciles de aplastar. Pero no, en cambio son un estereotipo torpe y poco convincente.

No se ofendan, no soy un fan de Jumanji a muerte ni nada por el estilo. Ah, y que quede claro, porque no todos sabemos quién es este bendito Van Allsburg: Zathura no es un plagio, están ambas películas basadas en obras del mismo autor. Es decir, se plagió a sí mismo. Algunos lo llaman "fórmula", otros "pereza", yo "a la segunda me aburro". Y eso es lo que pasó. Jumanji me entretuvo, Zathura ni me distrajo. Háganse un favor y miren la anterior de vuelta, que va a ser una decepción menor.

5/10 J (cinco de diez Jorgitos)

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